Cosas para hacer en Barcelona en septiembre

La Mercè es la Fiesta Mayor de Barcelona, ​​junto con las Fiestas de Santa Eulàlia. Esta festividad rinde homenaje a la Merced, patrona de la ciudad, y se ha celebrado desde 1868, cuando se empezaron a celebrar fiestas religiosas y populares en honor de la Virgen de la Mercè. Danza, música, circo y cultura popular, ¡tú eliges lo que te guste más! 

Barcelona es una ciudad multicultural y diversa en la que conviven cientos de culturas. No es de extrañar, pues, que la ciudad acoja fiestas tradicionales de otros países que hacen sentir a la gente que ha nacido allí más cerca de su casa y dan a conocer sus tradiciones a los barceloneses y barcelonesas. Ahora, Barcelona acogerá la 14ª edición de la fiesta más grande de Europa dedicada a la cultura mexicana y que ya se ha convertido en una tradición en la ciudad. Los próximos 14 y 15 de septiembre, El Poble Espanyol volverá a ser el escenario para celebrar la fiesta de El Grito de México, que conmemora la independencia de México.

La mayoría de los catalanes estamos de acuerdo cuando decimos que el día del libro por excelencia es el de Sant Jordi, pero siempre es un buen día para acercarse a una de las librerías de Barcelona y escoger vuestra próxima lectura. Además de las maravillosas tiendas de libros de la ciudad, Barcelona acoge mercados y ferias donde encontrar ejemplares de todo tipo, desde los más actuales a otros de segunda mano. Pero si hablamos de ferias literarias, no podemos olvidarnos de la más antigua de la ciudad: la Fira del Llibre d'Ocasió, Antic i Modern es la feria de este tipo más antigua no solo de Barcelona, ​​sino de toda Europa. Y este año vuelve al paseo de Gracia para celebrar la73.ª edición del 20 de septiembre al 6 de octubre.

Muchos de nosotros hemos crecido en el imaginario de Pixar. Ya sea bajo el mar, con las aventuras de Nemo, o en el cielo, con 'Up', el mundo de este estudio cinematográfico de animación nos ha acompañado a lo largo de nuestras vidas. Para todos aquellos fans incondicionales, debéis saber que el universo de Pixar abrirá sus puertas en Barcelona en una exposición inmersiva que recreará espacios a tamaño real de películas de Disney y Pixar: 'Mundo Pixar'.

Escenarios de films como 'Toy Story', 'Coco', 'Cars' o 'Monstruos S.A', entre otros muchos, se materializarán en 3.000 m² en el parking exterior del Centro Comercial Westfield de La Maquinista. Eso sí, deberemos esperar hasta el otoño para disfrutar de la experiencia, porque se estrenará el 26 de septiembre. Lo que de momento se puede hacer es acceder a la lista de espera de la venta de entradas a través de la web de la exposición y anotar en la agenda que el día 4 de junio, a las 12 h, se activa la venta general.

El Mercat dels Encants es uno de los mercados más antiguos de Europa, que data desde 1300 en la ciudad. Empezó su actividad en las puertas de la muralla de Barcelona que, desde su origen, tenía el punto de informalidad y libertad que todavía mantiene. Ha pasado por muchas ubicaciones como la Rambla de las Flores, la calle Dos de Maig y en la actualidad, en la Meridiana sobre un edificio brillante de Fermín Vázquez.

Hay más de 300 paradas de ropa de todos los estilos y precios, antigüedades, cerámica, outlets y una zona de restauración con 9 restaurantes para poder disfrutar de toda la jornada en el mercado.

La Fundación Épica de la Fura dels Baus, un centro de creación e investigación en artes avanzadas que promueve la colaboración horizontal entre humanidades, ciencia, tecnología y sociedad, ha programado un festival internacional al finalizar el verano y que se alargará hasta a mediados de noviembre. 'The Gate: Arte, Ciencia, Tecnología y Sociedad' tendrá lugar del 9 de septiembre al 13 de noviembre en Badalona, ​​con sede en el Muelle de Capitanía y un espacio efímero en sus alrededores.

Para los fans del coleccionismo, del libro antiguo y de los objetos descatalogados, en este mercado encontraréis desde cómics a videojuegos. ¡No os perdáis la oportunidad de encontrar algo nuevo cada domingo!

A finales del año pasado, el artista Morad hacía su segunda gira europea en la que pasó por ciudades como Lisboa, Colonia, Zúrich o Milán y que acabó con un doble 'sold out' en el WiZink Center de Madrid, junto con Dellafuente, en el Red Bull SoundClash. Su éxito no se detiene ni se estanca. Sin ir más lejos, en el mismo 2023, con el lanzamiento del álbum 'Reinsertado', el hospitalense logró marcar el cuarto mejor debut español en la historia de Spotify y debutó como el número dos mundial en la plataforma, superando a los 10 millones de escuchas. Y es que es normal (lololo-lolo) porque Morad, a través del drill y el trap, ha logrado conectar con toda una generación.

Este año, el éxito le ha recompensado. Este año, el éxito le ha recompensado. Por primera vez, el cantante hará un tour por grandes recintos: en el Marina Norte de Valencià, el 8 de septiembre; en el Bizkaia Arena de Bilbao, el 5 de octubre; en el WiZink Center de Madrid, el 23 de diciembre, y en el Palau Sant Jordi de Barcelona, el 3 de enero de 2025.

Con más de 40 conciertos del 17 de enero al 15 de septiembre de 2025. Así se presenta la nueva edición del Guitar BCN, un festival creado hace 35 años por el guitarrista japonés Ichiro Suzuki (con nombres como Victoria de los Ángeles y Paco de Lucía en la primera edición) y ,esta vez, con un artista que destaca por encima de los demás: la leyenda de las seis cuerdas Carlos Santana, que hacía más de veinte años que no actuaba en Barcelona, ​​lo hará el 26 de julio en el Palau Sant Jordi para celebrar el 25 aniversario del superéxito 'Supernatural' (1999).

Sin embargo, hay muchos más alicientes: la inauguración de Antoñito Molina (17/1) en el Sant Jordi Club, Jorge Drexler con un doble concierto en el Palau de la Música, donde despedirá la gira europea, Iván Ferreiro (23 /11) y Xoel López en el Hivernacle del Poble Espanyol, el triple concierto de los Stay Homas (24 y 25/1) también en el Poble Espanyol antes de tomarse una pausa indefinida; el concierto de Rosario en el Auditori del Fòrum, el de Pastora Soler en el Gran Teatre del Liceo, Amaral (13/6) estrenando nuevo álbum en el Sant Jordi Club, y una clausura a cargo de Jason Mraz (15/9) en el Palau de la Música.

¿Sharon Stone y Rufus Wainwright en el Palau de la Música? Pues sí, y la ocasión lo merece. Porque se trata del estreno en España del concierto 'Dream requiem' del músico estadounidense, un encargo conjunto de siete auditorios internacionales entre los que se encuentran L'Auditori y el Palau de la Música Catalana, y que la protagonista de 'Instinto básico' se encargará de narrar. El concierto, que tendrá lugar el 25 de enero de 2025 (20 h) en el Palau de la Música, será interpretado por la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya y el Orfeó Català, con el Cor Infantil del Orfeó Català, la soprano Anna Prohaska y la dirección de Ludovic Morlot.

"Sharon y yo nos conocemos desde hace mucho tiempo. Como no podía ser de otra manera, soy fan de ella desde mucho antes de que conociera mi música. Es una de las mujeres más fascinantes, brillantes, inteligentes e inspiradoras que conozco. Hacía mucho tiempo que quería hacer algo con ella, y que asumiera el papel de narradora, dando voz al poema 'Darkness' de Byron sobre el colapso ecológico total, con su voz desgarradora y conmovedora, es para mí un sueño hecho realidad. Y que esto pase en Barcelona, una de las ciudades donde me he sentido más acogido como músico, y en el Palau de la Música Catalana, es la guinda del pastel", ha dicho Wainwright, que vendrá a Barcelona para seguir de cerca los ensayos en L'Auditori y que asistirá al concierto del Palau.

¿De qué va? Las paredes del MACBA, siempre de un blanco inmaculado, casi quirúrgico, se han teñido de azul marino y naranja para la ocasión. La exposición dedicada a Mari Chordà, un icono del feminismo y del arte catalán, es una muestra de como los museos empiezan a valorar su obra, inseparable de la lucha feminista, y a darle el protagonismo siempre ha merecido.

¿Por qué hay que ir? Para pasear entre piezas que muestran vaginas, secreciones y cuerpos gestantes, que Chordá pintó en el período gris del franquismo tardío y la transición. Son una demostración de su carácter lúcido y su visión feminista, que la llevó también a participar en las Primeres Jornades Catalanes de la Dona, fundar una editorial feminista y abrir un bar con las amigas. Hemos querido plasmar su gran personalidad en esta entrevista. 

¿De qué va? Miró y Matisse trascendieron su contexto y se convirtieron en iconos del arte. Por eso, a veces, las imágenes les hacen sombra. La Fundació Joan Miró estrena una exposición que quiere cuestionar los clichés sobre estos dos creadores. La muestra expone las relaciones profundas y constructivas entre Miró y Matisse, que quedaron plasmadas en sus concepciones del arte y sus obras. 

¿Por qué hay que ir? Para descubrir como Miró y Matisse se reconocieron y admiraron, aunque "nunca llegaron a imitarse". La exposición nos muestra preocupaciones comunes e intereses compartidos, como la inspiración que los dos recibieron por el paisaje mediterráneo y la costa catalana, o la fascinación por el valor intrínseco de los objetos cotidianos, que ambos plasmaron en sus naturalezas muertas.

¿De qué va? "Si hay un edificio de Barcelona hecho a medida para acoger las esculturas de piedra de los mejores artistas contemporáneos, este debe ser La Pedrera". Penelope Curtis, comisaria de esta nueva exposición y exdirectora de la Tate Britain de Londres, lo tenía clarísimo. Por eso, cuando le pidieron que preparara una exposición sobre la escultora Barbara Hepworth en la Casa Milà, ella hizo una contrapropuesta que consistía en agrupar a los grandes creadores que trabajaron la piedra después de la Segunda Guerra Mundial bajo el mismo techo, cortesía de Antoni Gaudí.

¿Por qué hay que ir? Para ver como luz que viene del Passeig de Gracia se cuela primero por los balcones y los ventanales de La Pedrera y, después, se desliza entre las curvas, los agujeros y las transparencias de las esculturas de su interior. Piezas de Hans Arp, Louise Bourgeois, Eduardo Chillida, Naum Gabo, Barbara Hepworth, Henry Moore, Isamu Noguchi y Jorge Oteiza nos enseñan cómo, a mediados del siglo XX, la piedra dejó de ser un material asociado al clasicismo y los valores occidentales para ser un campo de experimentación artística.

¿De qué va? Un inventario de obras de artistas catalanes y catalanas que vivieron y trabajaron en la Ciudad de la Luz, en busca de un destino que les permitiera ejercer su arte en libertad, realizar encargos de moda de la época o darse a conocer.

¿Por qué hay que ir? Para viajar a París, la capital del arte moderno, gracias a un compendio de piezas artísticas inspiradas en la ciudad y creadas por pintores, grabadores, ilustradores, músicos, intérpretes, escritores, periodistas y otras figuras destacadas. Santiago Rusiñol, Ramon Casas, Isidre Nonell, Pablo Picasso, Joaquim Sunyer, Lluïsa Vidal, Laura Albéniz, Pau Casals, Isaac Albéniz, Enric Granados, Joaquim Nin, Maria Gay o Jaume Brossa son solo algunos de los nombres presentes en esta muestra.

¿De qué va? Esta exposición, comisariada por Maria Garganté, explora la reivindicación de la palabra desde una perspectiva femenina y cuenta como ha sido a menudo ocultada, negada o desacreditada en la historia, la literatura y los relatos bíblicos y mitológicos.

¿Por qué hay que ir? Para conocer voces femeninas referentes en resistencia cultural a través de la palabra, gracias a una selección de obras diversa y sorprendente. Desde una Inmaculada Concepción de Luis Fernández de la Vega hasta un pequeño dibujo de 'Santa Ana enseñando a leer a la Virgen' de Picasso, pasando por un autorretrato que Caterina Albert i Paradís (Víctor Català) realizó de sí misma en 1890, hasta llegar a los dibujos de la mística Josefa Tolrà y las obras de las artistas contemporáneas Eulàlia Valldosera y Kima Guitart.

¿De qué va? Madola ha estado siempre comprometida con un mismo material: la cerámica. La tierra, el agua, el aire y el fuego son los pilares de esta ancestral práctica que ha dominado a lo largo de los sesenta años de trayectoria, durante los cuales la artista ha consolidado un trabajo escultórico que nos habla de los gestos más sencillos y, a su vez, de los más espirituales.

¿Por qué hay que ir? La cerámica de Madola consigue algo muy difícil: que una escultura pueda hablarnos de algo que no se ve. En el cruce de este misterio encontramos las piezas de Madola, que son a su vez una casa y un templo, un vaso y un cáliz, una mesa y un altar, una caja y una urna, una piedra y un monumento.

¿De qué va? Una visión inmersiva sobre la riqueza natural y cultural de la Amazonia, a través de las voces autóctonas que aportan alternativas para vivir en armonía con la naturaleza. La muestra combina arte, ciencia y activismo para abordar problemáticas como la deforestación, la sequía o el control de recursos naturales.

¿Por qué hay que ir? Para adentrarse en un recorrido sensorial desde las raíces hasta las ramas de la Amazonia, pasando por sus ríos, bosques, pueblos, rituales y habitantes. Ante la necesidad urgente de recuperar formas más respetuosas de vivir para preservarnos (al planeta y a nosotros mismos), 'Amazonias' nos propone una nueva manera de reconectar con la vida y la naturaleza, aprendiendo de la sabiduría del pueblo amazónico y evitando una visión fatalista de la situación actual.

¿De qué va? La Sala Parés celebra el 150º aniversario de Joaquín Torres-García con esta exposición: 120 obras, entre óleos, dibujos y juguetes, que ejemplifican cuatro décadas de la trayectoria del artista uruguayo, desde su etapa noucentista en Catalunya hasta su regreso a Montevideo en 1934, pasando por Nueva York, París y Madrid.

¿Por qué hay que ir? ¿Un pintor que también hace juguetes de madera pintada? Quizás es una de las particularidades más llamativas de Torres-García, quien comenzó a crearlos tras una época marcada por el academicismo, como una forma de ganarse la vida con un producto artístico que también tuviera salida comercial. Pero es mucho más que eso: es una expresión de su filosofía plasmada en el arte, el anhelo de regresar a una infancia de la humanidad y a una infancia de las formas, aquella Arcadia idealizada.

¿De qué va? La exposición 'AMAZÔNIA', de Sebastião Salgado, llega a Barcelona tras una gira internacional por ciudades como Madrid, París y São Paulo, donde ha recibido más de 1,5 millones de visitantes. La muestra es el resultado de siete años de expediciones del fotógrafo brasileño en la Amazonia, con el objetivo de retratar su extraordinaria belleza y concienciar sobre la necesidad de preservar esta región vital del planeta.

¿Por qué hay que ir? Comisariada y diseñada por Lélia Wanick Salgado, la muestra incluye más de 200 fotografías de gran formato, 7 películas y una ambientación sonora compuesta por Jean-Michel Jarre, basada en sonidos reales de la selva. La sala recrea la atmósfera de la Amazonia, con imágenes que destacan paisajes naturales como ríos serpenteantes, tormentas tropicales y montañas cubiertas de selva, así como retratos que muestran las culturas y rostros de los pueblos indígenas, como los Yanomami o los Awá-Guajá.

¿De qué va? 'Accidente' de Helena Vinent, en el Espai 13 de la Miró, clausura el ciclo 'Nos acompañaremos cuando anochezca' (2024), comisariado por Irina Mutt, que propone reflexionar sobre la interdependencia.La obra de Vinent, inspirada en su experiencia como persona sorda y 'disca', subvierte la mirada capacitista que infantiliza y despoja de deseo, agencia y poder político a las personas con diversidad funcional. 

¿Por qué hay que ir? A través de construcciones inaccesibles como muros o escaleras y experiencias que alteran los recorridos habituales, Vinent obliga a los visitantes a buscar alternativas para acceder a la exposición. Dentro de un ascensor, una pieza sonora ofrece una reinterpretación subversiva de las guías audiodescriptivas, jugando con la confusión y los malentendidos para cuestionar la obsesión capacitista de comprenderlo todo. La exposición también explora las posibilidades de las didascalias (subtítulos para sonidos no verbales) como herramienta para tensionar los márgenes de la interpretación. Reivindicando los errores en la traducción entre mundos oyentes y no oyentes, Vinent invita a imaginar desde su propia experiencia como persona sorda. En definitiva, una propuesta de relectura crítica del mundo, que también invita a aliarse con quienes cuestionan su propia posición de privilegio.

Podría caer en el más espantoso de los ridículos, pero no. Pisa con firmeza la cuerda floja por la que transita desde el minuto uno para hipnotizar al espectador con una mezcla aparentemente imposible: con su nueva película, Jacques Audiard (director de títulos como 'Un profeta' y 'París, distrito 13 ') propone lo que definen como un 'narcomusical queer' que navega constantemente entre la genialidad y el disparate, mientras sale airosa de cada uno de los retos que asume.

La película sigue la peripecia de un poderoso y temido jefe de un cártel de la droga mexicano que decide dar el paso que sueña desde pequeño: Manitas del Monte se ha oído siempre a una mujer, y secuestra a una abogada porque le organice un cambio de sexo con la máxima discreción. Entre el corrido, la ópera y el folletín, Audiard llena de canciones y música esta trama, y ​​nos convence de una tesis que podría ser discutible: la transición es también la del asesino sanguinario redimido y convertido en una mujer que trabaja para la comunidad. Qué descubrimiento el de la madrileña Karla Sofía Gascón, interpretando el doble papel de narcotraficante y de benefactora de las familias que ella misma había destrozado en su vida anterior. Suena con fuerza su nominación al Oscar, que podría significar la primera de una actriz trans.

Dir.: Jacques Audiard (Francia, 2024). 130 min. Estreno: 5 de diciembre.

Situada dos siglos antes de los hechos de 'El Señor de los Anillos: Las Dos Torres', esta nueva aproximación cinematográfica al imaginario creado por JRR Tolkien explora la historia nunca contada del Abismo de Helm y de su fundador, Helm Hammerhand (que en la versión original cuenta con la voz de Brian Cox, el patriarca de 'Succession'), Rey de Rohan. En manos del japonés Kenji Kamiyama ('Ghost in the Shell: Stand Alone Complex', la serie de Netflix 'Ultraman'), la película apuesta por la animación con inspiración anime. Y en su regreso a la Tierra Media, la película ofrece una aventura épica que hace guiños a la saga original (la magia de la tecnología resucita la voz del mítico, y traspasado, Christopher Lee aka Saruman) y alimenta la pasión desatada de los fanáticos de la obra tolkiana.

Dir.: Kenji Kamiyama (Japón, 2024). 130 min. Estreno: 5 de diciembre.

Nadie podrá discutir la pasión de Robert Zemeckis por la aplicación de la tecnología en su cine. De '¿Quién engañó a Roger Rabbit?' (1988) hasta 'Polar Express' (2004), el director ha experimentado constantemente con las posibilidades que ofrecía el progreso. Pero también con las narrativas. Y ahora, con 'Here (Aquí)', y cuando ya no tiene que demostrarle nada a nadie, el cineasta hace una de las apuestas más arriesgadas de su carrera: la adaptación de la novela gráfica homónima de Richard McGuire es una poderosa reflexión sobre la velocidad supersónica del paso del tiempo, y sobre aquellas decisiones que marcan nuestras vidas, los caminos que emprendemos sin vuelta atrás.

Y lo hace situando la cámara en la esquina de la sala de estar de una casa, convirtiendo la vivienda (y no solamente, ya veréis) en el testigo, el punto de vista, de las historias humanas de todos los que viven allí durante un siglo. Conmovedora, a ratos abrazando cierta sensiblería sin complejos, 'Here (Aquí)' reproduce de algún modo las viñetas de su inspiración editorial. Y juega con otra carta: la reunión de Zemeckis, treinta años después, con el guionista Eric Roth, y la pareja protagonista de la magistral 'Forrest Gump' (1994), unos Tom Hanks y Robin Wright rejuvenecidos gracias a la magia de la IA. Un equipo ganador en aquellos años 90 que ahora se niega a jugar con las reglas del algoritmo, ofreciendo una película que navega a contracorriente con las emociones de siempre.

Dir.: Robert Zemeckis (EE.UU., 2024). 104 min. Estreno: 5 de diciembre

David Baute, documentalista y director del Festival Internacional de Cine Medioambiental de Canarias, dirige este largometraje animado para adultos que, en sus propias palabras, "busca hacer llegar un mensaje, un mensaje muy duro". Producida por Edmond Roch ('Saben aquell', la trilogía 'Tadeo Jones'), esta producción catalana retrata el drama de las personas obligadas a migrar a consecuencia de los devastadores efectos de la crisis climática: tres mujeres de puntos distintos del planeta tienen en común lo mismo que millones de personas vulnerables desplazadas por el impacto de esta nueva realidad.

Y el de ellas es el punto de vista que toma 'Mariposas negras', un filme que impacta por la experiencia visual que propone, y que plantea preguntas necesarias y urgentes sobre el futuro del planeta y el papel de unas instituciones inútiles a la hora de tomar medidas para detener lo que ahora mismo parece imparable.

Dir.: David Baute (España, 2024). 83 min. Estreno: 5 de diciembre

Un desafortunado golpe en la cabeza abre la caja de los truenos y hace que Papá Noel despierte del K.O. convencido de ser el superhéroe de una famosa saga cinematográfica. Lógicamente, el caos se apodera del Polo Norte, poniendo la Navidad en peligro cuando un avaricioso fabricante de juguetes quiere aprovecharse de la coyuntura para apoderarse del taller de Santa. Una niña, un robot y un elfo formarán equipo con el autollamado SuperKlaus para volver a poner las cosas en orden. Esta es la premisa de una historia de aventuras llena de humor, en una coproducción hispano-canadiense que demuestra la buena salud de la animación en el país.

Los valores familiares, la soledad de una infancia demasiado dependiente de la tecnología y las pantallas, y la responsabilidad de unos adultos atrapados por las obligaciones laborales son algunas de las temáticas que navegan una película destinada a hacerse un hueco en las preferencias del público en las próximas fiestas de Navidad y que llegará también doblada al catalán.

Dir.: Andrea Sebastiá y Steve Majaury (España, 2024). 88 min. Estreno: 5 de diciembre

En 1892, las tropas coloniales francesas saquearon los tesoros reales del africano reino de Dahomey, el actual Benín. Hace tres años, una treintena de estas obras de arte regresaron a su país de origen. Un hecho histórico que sirve a la cineasta franco-senegalesa Mati Diop para proponer una reflexión sobre los efectos del poscolonialismo y en la reparación de las antiguas potencias, poniendo el foco en un debate entre estudiantes de la Universidad de Abomey-Calavi que señala contradicciones y abre más preguntas que las responde. Diop, la primera directora africana en competir por la Palma de Oro en Cannes con su debut, 'Atlantics' (finalmente ganadora del Gran Premio del Jurado), confirma su brillante visión cinematográfica con este apasionante documental que se llevó el Oso de Oro en el último Festival de Berlín.

Dir.: Mati Diop (Senegal, 2024). 67 min. Estreno: 13 de diciembre

El título de la ópera prima de la cineasta valenciana María Trénor coincide con el de un álbum histórico del británico Robert Wyatt. Miembro fundador de Soft Machine y líder de Matching Mole, músico de culto, es el inspirador de una película animada en la que confluyen la escena hippie en la España mediterránea de los años 70 y la psicodelia, mientras sigue el amor autodestructivo de una pareja que navega entre la creación artística y las adicciones. Siempre con la música de Wyatt como banda sonora más que protagonista. Producida por la catalana Alba Sotorra ('El retorno: la vida después del ISIS'), la película compitió en la Sección Oficial del prestigioso Festival de Annecy, todo un aval en el mundo de la animación, y revela a Trénor como un talento a tener muy en cuenta y para no perderle la pista.

Dir.: María Trénor (España, 2024). 85 min. Estreno: 13 de diciembre

La muerte de un Papa y las intrigas, conspiraciones y maquinaciones tras la elección de quien debe ocupar su puesto como jefe del Vaticano inspira a este atmosférico thriller que plantea un juego de truenos en toda regla, y juega las cartas de los giros de guion con enorme habilidad. Dirigida por Edward Berger (el mismo de la sensacional 'Sin novedad en el frente'), y con un reparto de lujo que incluye un Ralph Fiennes a quien, en la piel del cardenal que supervisa todo el proceso, todas las quinielas sitúan en las próximas nominaciones al Oscar. Le acompañan John Lithgow, Isabella Rossellini y Stanley Tucci.

'Cónclave' abre sus puertas a temas como las dudas de fe, las guerras ideológicas y culturales, los prejuicios sexistas, homófobos y racistas, y los escándalos sexuales que en los últimos tiempos no dejan de sacudir a la Iglesia Católica. 'Habemus Papa', 'habemus' película en Navidad.

Dir.: Edward Berger (Reino Unido, 2024). 118 min. Estreno: 20 de diciembre

Pocos imaginarios visualmente más poderosos podemos encontrar en el cine contemporáneo. Paolo Sorrentino ha construido, junto a sus películas, un sello estético, sonoro y narrativo que hace imposible no reconocer su mano viendo un único fotograma de cualquiera de sus obras. La personalidad del director de la ya inmortal 'La gran belleza' (2013) sigue bien presente en su última propuesta: 'Parthenope' es el nombre de la película y también el de una sirena de la mitología griega que después bautizaría una ciudad situada en la que ahora encontramos Nápoles, allí donde nació el cineasta.

Pero 'Parthenope' también es el nombre de la protagonista de esta película (interpretada por la magnética debutante Celeste Dalla Porta), una chica seductora hasta el infinito, consciente de su nada terrenal belleza, fascinada por la antropología y que debe gestionar las tragedias familiares y el deseo de casi todo el mundo que se cruza por su camino. La fascinación barroca de Sorrentino por las imágenes decadentes y grotescas, y su interacción con la belleza del paisaje y de la protagonista, marcan el paseo por el amor y la muerte de una mujer enigmática y de personalidad devastadora.

Dir.: Paolo Sorrentino (Italia, 2024). 138 min. Estreno: 25 de diciembre

Películas como 'La bruja' (2015), 'El faro' (2019) o 'El hombre del Norte' (2022) han convertido a Robert Eggers en uno de los cineastas de culto del cine estadounidense. Ahora se atreve a reversionar la película homónima, un siglo después que F.W. Murnau la convirtiera en icono del cine mudo y de terror. Descrita por sus productores como una historia gótica de obsesión desatada, 'Nosferatu' cuenta la historia de una chica atacada por un aterrador vampiro enamorado de ella.

La etiqueta de ser uno de esos cineastas con los que todo el mundo quiere trabajar hacen que Eggers haga una carta a los Reyes y pueda contar con un magnífico cast encabezado por Bill Skarsgård (el payaso Pennywise de 'It') y Lily-Rose Depp (hija de Vanessa Paradis y Johnny Depp), y secundados por Willem Dafoe, Nicholas Hoult, Aarón Taylor-Johnson y Emma Corrin (la Lady Di de 'The Crown'). Terror de calidad para cerrar el año.

Dir.: Robert Eggers (EE.UU., 2024). 132 min. Estreno: 25 de diciembre

El desarrollo de la 'Trilogia del lament' ha sido una de las experiencias teatrales más estimulantes de la última década y media en este país, especialmente porque hemos visto cómo un autor, actor y director, Jordi Oriol, iba desplegando todo su potencial escénico y textual. Utilizó las tramas shakespearianas ('Hamlet', 'La tempestad' y 'Macbeth') como excusa para exhibirse. Con cada nueva propuesta, iba un poco más allá. ¿Cómo debemos asumir, entonces, 'Reiterat rei tarat', obra creada a partir de 'Rey Lear'?

De entrada, es una pieza aparte, una especie de añadido a la 'Trilogia', en la misma línea que las anteriores, pero Oriol no se dirige y no es el protagonista. Cuenta, respectivamente, con Nao Albet y Lua Amat. Ella, vestida como Cordelia, la hija pequeña de Lear, la querida y obligada a exiliarse en Francia, asume el reto de transmitir la historia. Oriol aparece en escena como monarca a mitad de función, en los últimos momentos de la obra original, ya loco y despojado de los honores reales. Siempre a merced de Cordelia, lo que también distancia 'Reiterat rei tarat' de la 'Trilogia': él no marca el paso, sino ella.

Tal como están las cosas, que un Parlamento aprobara una ley que contemplara a los delfines como “animales de compañía” no nos parecería ni extraño. Cosas más estrafalarias hemos visto. La cuestión, que no leeríamos en ningún lado, sería saber qué motivaciones hay detrás de una decisión tan estrafalaria. De esta o de cualquier otra. Y esto es lo que se propone la compañía Dúo Fàcil en 'Observin aquests fills de puta', una sátira política con mucha imaginación que arranca con una reunión entre el presidente del gobierno y el presidente del Real Madrid, protagonista real de esta historia.

En la reunión, Florentino Pérez le pide al jefe de gobierno conservador que lo haga, que saque adelante una nueva ley que ponga a los delfines junto a gatos, perros y canarios. El político lo mira sorprendido. Sin embargo, el presidente del club blanco tiene más poder en España que cualquier político. Los Dúo Fàcil nos lo demuestran con mala leche e imaginación a través de una retahíla de escenas en las que mezclan diferentes géneros humorísticos con el teatro documental.

Expectación máxima. El guionista de películas como 'Amo tu cama rica' (1992), 'Los peores años de nuestra vida' (1994) o 'La niña de tus ojos' (1998), el director de 'La buena vida' (1996) y 'Soldados de Salamina' (2003), presentadas ambas en el festival de Cannes, o de 'Vivir es fácil con los ojos cerrados' (2013), ganadora de seis premios Goya, y la reciente 'Saben aquell' (2023), el avezado articulista de prensa y escritor con seis novelas en las estanterías, se viene al teatro, ha querido probar el fragor de las tablas.

Se supone que por eso, en el Centro Dramático Nacional le reservaron a David Trueba el mítico escenario del María Guerrero, el primer teatro de España [esta crítica es de su estreno en Madrid en abril de 2024]. Eso es debutar a lo grande. Pero también es exponerte a lo bestia. Porque tu pericia como guionista y director de cine no es garantía de dominio del arte teatral; siendo primos hermanos, cine y teatro son lenguajes muy diferentes. Esa carencia se nota, como no podía ser de otra forma (le pasó lo mismo a Manuel Martín Cuenca hace un par de años con 'Un hombre de paso'). Todo el armazón es débil, pero se sostiene, en parte por ese estilo tan característico del autor que imprime humanidad y melancolía a historias con trasfondo social miradas como desde fuera de campo.

A Pol López, la Puigserver le va bien. En 'Crim i càstig' hizo un Raskólnikov de primera, un hombre perdido por sus actos. Y ahora, en 'El misantrop', encarna a un Alceste que no se encuentra muy lejos del protagonista de Dostoyevsky, un personaje que confía poco en la humanidad, terco, idealista, al que se le ha acabado su tiempo. A su lado tiene a Mireia Aixalà (Célimène), la esposa, que sabe jugar sus cartas y un Norbert Martínez (Philinte), el amigo, que sabe lo que se hace. El problema es que la propuesta de David Selvas no acaba de funcionar.

En 'El misántropo', Molière quiso retratar la hipocresía de la nobleza de su siglo, en el XVIII, a través de un personaje que no sabemos si compadecer o si hace gracia. Selvas sitúa la acción en una discográfica donde Alceste es el fundador e ideólogo y su mujer, Célimène, su ayudante e impulsora de un festival. El resto de personajes, de una u otra forma, trabajan para Alceste, es decir, están en el negocio de la música. Como en la obra original, la acción transcurre durante un día, pero lo que ocurre en el Lliure tiene poco que ver.

Peter Pan necesita el polvo mágico del hada Campanilla para volar. Ramon lleva 39 años en volandas de una inmarchitable adolescencia. Hasta que la realidad de una enfermedad degenerativa sin cura sacude a la familia y agota de golpe toda la magia. Y se da de bruces contra el duro suelo de la responsabilidad del adulto. Ramon es un magnífico Francesc Ferrer que asume en solitario la orfebrería dramática que es el texto tragicómico escrito por Mar Monegal. Sin saber cómo el espectador pasa de la levedad de una 'stand-up comedy' a un honesto realismo dramático que mantiene un buen equilibrio entre la dimensión emocional y la lección de vida que, a pesar de todos los duelos, impone la dictadura de lo cotidiano.

Las obras extraordinarias se parecen. Las que no, cada una flojea a su manera... 'Anna Karénina' que ha dirigido Carme Portaceli lo tiene todo para acercarse a lo sublime: un reparto de primera, un espacio sonoro (Jordi Collet) brillante, un diseño de vídeo (Joan Rodón) especial, y un texto de partida que, aún hoy, un siglo y medio después de que Lev Tolstoi lo publicara, llega hasta los rincones más recónditos de nuestra alma. ¿Qué falla? Pues muchas cosas. Y un ejemplo diáfano lo tenemos al final de la primera parte del montaje, cuando Vronski (Borja Espinosa), el amante de Anna Karénina, se suicida y falla: el público ríe. ¿Cómo es posible?

Parece que Portaceli haya dirigido la pieza con dos marchas diferentes, porque las actrices están soberbias, en especial Anna Karénina (Ariadna Gil) y Kitty (Míriam Moukhles) y los actores, en líneas generales, no acaban de encontrar su sitio. Además, la directora ha decidido colocar una especie de conciencia viva en el escenario (Andie Dushime) que hace a la vez de narradora y de marcador, subrayando las frases y los conceptos que los personajes expresan, por si el público se pierde, además de interactuar con ellos.

Aunque el foco caiga a menudo sobre los dos amantes del musical, Blanca (Alèxia Pascual) y Saïd (Jordi Garreta), 'Mar i cel' es un espectáculo muy coral, donde hace falta un buen reparto y donde todo el mundo tiene algo que decir durante las cerca de tres horas de función. La pareja es central, pero sin un buen Idriss (Berta Luna), un buen Ferran (Eloi Gómez), una buena Teresa (Clara Renom), una buena María (Candela Díaz), un buen Hasén (Albert Gràcia) y un buen Joanot (Abel García) es imposible que el espectáculo despegue.

Y no sé si es porque recordaba bastante el montaje de 2014 que en el último 'Mar i cel' he encontrado que lucían más los secundarios que los personajes principales. No es que tengamos una Blanca y un Saïd inferiores a los anteriores en general, pero sí creo que Roger Berruezo y Ana San Martín, en lo que se refiere a la voz y la interpretación, nos llevaban a otro sitio. Y es que la magnífica partitura de Albert Guinovart es intrincada.

Las puertas dan mucho juego en el teatro. Hasta el punto de que existe una subespecie de comedia que basa todo su mecanismo en ello, en puertas que se abren y se cierran, con la sorpresa de quién está detrás. En 'Turisme rural', Jordi Galceran exprime el género con un añadido paranormal que hace que su pieza tenga más capas, aparte de confrontar a dos urbanitas que van al campo a contemplar un paisaje sin preocuparse de nada más y una familia local que odia profundamente a los de ciudad.

Pero no hay comedia sin cómicos. Y es necesario que sean muy buenos porque aquí no se trata solo de que nos tronchemos de risa, sino también de crear una cierta angustia, un cierto misterio, porque en el momento que Laura (Mireia Portas) y Roger (Ivan Labanda ) llegan al alojamiento rural para pasar un fin de semana romántico para 'encargar' un bebé, ya empiezan a pasar cosas extrañas. La dueña, Anna (Anna Güell), aparece por la puerta humeante del comedor descabellada, como si fuera una bruja de tres al cuarto, para dar paso a Pere (Lluís Villanueva), equipado con una sierra eléctrica estilo 'La matanza de Texas'.

La Calòrica no tiene techo. En cada nuevo espectáculo suben un escalón. Apuntan muy alto. Y, como aquellos atletas que se ponen piedras en la mochila para correr más, han decidido levantar un espectáculo de hora y media en francés, con pinceladas de ruso, inglés y alemán (con subtítulos en catalán). Tiene su lógica: hablan del Congreso de Viena de 1814, donde, tras la primera derrota de Napoleón, las potencias europeas se reunieron para repartirse el continente y entonces la lengua franca era el francés. El único que no lo sabe hablar, ejem, es el embajador español, al que, obviamente, despachan pronto para que haga un inútil censo de los ríos navegables.

Aguantar solo una hora y media de monólogo desesperado no es una tarea fácil, y más cuando tienes 24 años e interpretas un chico de 16 que está a punto de perder a su padre. Cuando has hecho teatro antes, pero, quizás no bastante. Cuando estás en un templo de la interpretación como el Lliure de Gràcia (donde se estrenó antes de llegar al Poliorama) y centenares de miradas pueden recordar otros cuerpos haciendo lo que haces, empezando por Pol López y aquel 'Ivan i els gossos' memorable de 2012. Pero 'Tot el que passarà a partir d'ara' parece un traje a medida, un texto que Nil Cardoner se prueba y luce con todo su esplendor.

Joan Yago, espoleado por la directora Glòria Balañà, ha escrito una obra que es a la vez penetrante, sensible, triste, un tipo de historia de aventuras en que Èric tiene que conseguir llegar al hospital donde su padre vive las últimas horas. La madre, cuando pasan pocos minutos de las diez de la noche, le llama para decirle que si se quiere despedir ya puede darse prisa. Está estirado en el sofá, con el móvil en la barriga, solo. Y toda su vida le pasa por delante, especialmente estos diez años en que el padre ha estado enfermo y no ha habido nada más que esa enfermedad. Él tiene que llegar al hospital, pero tiene 16 años, amigos y conocidos por todas partes, fiestas pendientes y un poco de mala suerte.