Cosas para hacer en Barcelona en noviembre

¿De qué va? Miró y Matisse trascendieron su contexto y se convirtieron en iconos del arte. Por eso, a veces, las imágenes les hacen sombra. La Fundació Joan Miró estrena una exposición que quiere cuestionar los clichés sobre estos dos creadores. La muestra expone las relaciones profundas y constructivas entre Miró y Matisse, que quedaron plasmadas en sus concepciones del arte y sus obras. 

¿Por qué hay que ir? Para descubrir como Miró y Matisse se reconocieron y admiraron, aunque "nunca llegaron a imitarse". La exposición nos muestra preocupaciones comunes e intereses compartidos, como la inspiración que los dos recibieron por el paisaje mediterráneo y la costa catalana, o la fascinación por el valor intrínseco de los objetos cotidianos, que ambos plasmaron en sus naturalezas muertas.

¿De qué va? Un inventario de obras de artistas catalanes y catalanas que vivieron y trabajaron en la Ciudad de la Luz, en busca de un destino que les permitiera ejercer su arte en libertad, realizar encargos de moda de la época o darse a conocer.

¿Por qué hay que ir? Para viajar a París, la capital del arte moderno, gracias a un compendio de piezas artísticas inspiradas en la ciudad y creadas por pintores, grabadores, ilustradores, músicos, intérpretes, escritores, periodistas y otras figuras destacadas. Santiago Rusiñol, Ramon Casas, Isidre Nonell, Pablo Picasso, Joaquim Sunyer, Lluïsa Vidal, Laura Albéniz, Pau Casals, Isaac Albéniz, Enric Granados, Joaquim Nin, Maria Gay o Jaume Brossa son solo algunos de los nombres presentes en esta muestra.

¿De qué va? Una visión inmersiva sobre la riqueza natural y cultural de la Amazonia, a través de las voces autóctonas que aportan alternativas para vivir en armonía con la naturaleza. La muestra combina arte, ciencia y activismo para abordar problemáticas como la deforestación, la sequía o el control de recursos naturales.

¿Por qué hay que ir? Para adentrarse en un recorrido sensorial desde las raíces hasta las ramas de la Amazonia, pasando por sus ríos, bosques, pueblos, rituales y habitantes. Ante la necesidad urgente de recuperar formas más respetuosas de vivir para preservarnos (al planeta y a nosotros mismos), 'Amazonias' nos propone una nueva manera de reconectar con la vida y la naturaleza, aprendiendo de la sabiduría del pueblo amazónico y evitando una visión fatalista de la situación actual.

¿De qué va? La Sala Parés celebra el 150º aniversario de Joaquín Torres-García con esta exposición: 120 obras, entre óleos, dibujos y juguetes, que ejemplifican cuatro décadas de la trayectoria del artista uruguayo, desde su etapa noucentista en Catalunya hasta su regreso a Montevideo en 1934, pasando por Nueva York, París y Madrid.

¿Por qué hay que ir? ¿Un pintor que también hace juguetes de madera pintada? Quizás es una de las particularidades más llamativas de Torres-García, quien comenzó a crearlos tras una época marcada por el academicismo, como una forma de ganarse la vida con un producto artístico que también tuviera salida comercial. Pero es mucho más que eso: es una expresión de su filosofía plasmada en el arte, el anhelo de regresar a una infancia de la humanidad y a una infancia de las formas, aquella Arcadia idealizada.

¿De qué va? Esta exposición, comisariada por Maria Garganté, explora la reivindicación de la palabra desde una perspectiva femenina y cuenta como ha sido a menudo ocultada, negada o desacreditada en la historia, la literatura y los relatos bíblicos y mitológicos.

¿Por qué hay que ir? Para conocer voces femeninas referentes en resistencia cultural a través de la palabra, gracias a una selección de obras diversa y sorprendente. Desde una Inmaculada Concepción de Luis Fernández de la Vega hasta un pequeño dibujo de 'Santa Ana enseñando a leer a la Virgen' de Picasso, pasando por un autorretrato que Caterina Albert i Paradís (Víctor Català) realizó de sí misma en 1890, hasta llegar a los dibujos de la mística Josefa Tolrà y las obras de las artistas contemporáneas Eulàlia Valldosera y Kima Guitart.

¿De qué va? "Si hay un edificio de Barcelona hecho a medida para acoger las esculturas de piedra de los mejores artistas contemporáneos, este debe ser La Pedrera". Penelope Curtis, comisaria de esta nueva exposición y exdirectora de la Tate Britain de Londres, lo tenía clarísimo. Por eso, cuando le pidieron que preparara una exposición sobre la escultora Barbara Hepworth en la Casa Milà, ella hizo una contrapropuesta que consistía en agrupar a los grandes creadores que trabajaron la piedra después de la Segunda Guerra Mundial bajo el mismo techo, cortesía de Antoni Gaudí.

¿Por qué hay que ir? Para ver como luz que viene del Passeig de Gracia se cuela primero por los balcones y los ventanales de La Pedrera y, después, se desliza entre las curvas, los agujeros y las transparencias de las esculturas de su interior. Piezas de Hans Arp, Louise Bourgeois, Eduardo Chillida, Naum Gabo, Barbara Hepworth, Henry Moore, Isamu Noguchi y Jorge Oteiza nos enseñan cómo, a mediados del siglo XX, la piedra dejó de ser un material asociado al clasicismo y los valores occidentales para ser un campo de experimentación artística.

¿De qué va? SOTAVEU es la primera exposición antológica dedicada a la obra de Mar Arza (Castelló de la Plana, 1976). La muestra reúne siete piezas inéditas, creadas especialmente para esta ocasión, junto a una selección de trabajos realizados por la artista entre 1997 y la actualidad.

¿Por qué hay que ir? La obra de Mar Arza se caracteriza por una poética sutil y poderosa que invita al público a “leer intensamente”. Además, Arza reflexiona sobre las representaciones históricas del papel de las mujeres en el arte, desentrañando las corrientes subterráneas de resistencia y las insubordinaciones que han tejido nuevas posibilidades en la memoria cultural.  

¿De qué va? La exposición 'AMAZÔNIA', de Sebastião Salgado, llega a Barcelona tras una gira internacional por ciudades como Madrid, París y São Paulo, donde ha recibido más de 1,5 millones de visitantes. La muestra es el resultado de siete años de expediciones del fotógrafo brasileño en la Amazonia, con el objetivo de retratar su extraordinaria belleza y concienciar sobre la necesidad de preservar esta región vital del planeta.

¿Por qué hay que ir? Comisariada y diseñada por Lélia Wanick Salgado, la muestra incluye más de 200 fotografías de gran formato, 7 películas y una ambientación sonora compuesta por Jean-Michel Jarre, basada en sonidos reales de la selva. La sala recrea la atmósfera de la Amazonia, con imágenes que destacan paisajes naturales como ríos serpenteantes, tormentas tropicales y montañas cubiertas de selva, así como retratos que muestran las culturas y rostros de los pueblos indígenas, como los Yanomami o los Awá-Guajá.

¿De qué va? La exposición 'Destructuras de Poder' de Regina Silveira, figura clave del arte conceptual latinoamericano, se exhibe en el Palau de la Virreina del 16 de noviembre de 2024 al 30 de marzo de 2025, bajo la curaduría de Isabella Lenzi.

¿Por qué hay que ir? Silveira, pionera en la experimentación con tecnologías de reproducción técnica, ha dedicado más de seis décadas a desmantelar sistemas convencionales de representación mediante aberraciones visuales, anamorfosis y paradojas que desafían la percepción y las normas establecidas.

¿De qué va? El Museo CA2M (Madrid) y el MACBA (Barcelona) presentan la evolución de la escultora y artista Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) en dos sedes con perspectivas complementarias. Con una larga trayectoria en el arte de las esculturas de gran tamaño, Solar explora la relación entre el cuerpo humano y sus estructuras en diálogo con materiales naturales. 

¿Por qué hay que ir? La muestra recorre su carrera desde sus inicios con el vídeo, la cerámica y los experimentos blandiformes, hasta llegar a las grandes esculturas inmersivas que definen su lenguaje propio, donde resistencia del lenguaje y la morfología del habla son temáticas clave. 

Primero se acercó a la figura de Jacqueline Kennedy poniéndola en manos de Natalie Portman. Luego continuó fijándose en Lady Diana de Gales con la complicidad de Kristen Stewart. Y ahora, aunque asegura que nunca lo planeó como tal, el cineasta chileno Pablo Larraín cierra su trilogía de retratos de grandes mujeres marcadas por la tragedia que fueron referentes en el siglo XX con este biopic de la mayor diva de la historia de la ópera.

Apartada de las pantallas desde hace cuatro años (no la veíamos desde Eternals), otra diva como Angelina Jolie se pone en la piel de Callas para recrear sus últimos días de vida en París, en septiembre de 1977, cuando la cantante perdía la voz y tomaba fuertes cócteles de medicamentos que le provocaban alucinaciones y potenciaban los recuerdos de otras épocas de su vida. Con escenas oníricas que se mezclan con imprescindibles interludios musicales, Larraín pega la cámara al personaje para explorar las fragilidades de Maria Callas y su relación con las tragedias que había interpretado sobre los escenarios y el efecto que tenían en una vida muy poco feliz.

Dir.: Pablo Larraín (Italia, 2024). 123 min.
Estreno: 7 de febrero

Cinco historias atravesadas por la muerte y por las rutinas de los habitantes de un pueblo de Castilla-La Mancha, a medio camino entre la tragicomedia y el realismo mágico, el debut en la dirección de largometrajes de Enrique Buleo desconcierta por su singularidad. Comparada con el cine de José Luis Cuerda, Chema García Ibarra y Juan Cavestany, Bodegón con fantasmas elige una estructura episódica relacionando algunos personajes y localizaciones para dar unidad a este conjunto de historias mínimas, a ratos surrealistas y absurdas, nunca cínicas.

Y que, en su acercamiento al costumbrismo, mezcla actores naturales sin ninguna experiencia previa con intérpretes de trayectoria consolidada, como Jordi Aguilar (La casa) o el veterano Pepe Carabias (los más mayores del lugar lo recordarán por El monstruo de Sanchezstein, Luis Ricardo cantidubidubidubi...). Humor, espectros, una ouija cosida en un mantel y un constante salto de tonos que la convierte en una de las propuestas más atrevidas y originales de la temporada.

Dir.: Enrique Buleo (España, 2024). 88 min.
Estreno: 7 de febrero

Con la Fase 5 del Marvel Cinematic Universe en marcha, la nueva entrega de Capitán América apunta a ser clave para todo lo que está por venir. Sí, también en la creación del nuevo equipo de Avengers, un proyecto que ha alimentado las expectativas de los fans, sobre todo tras el anuncio de que Robert Downey Jr. volverá para interpretar ahora al villano Doctor Doom después de haber sido Iron Man durante años.

Pero antes de que Avengers: Doomsday sea una realidad—y lo tenga muy difícil para igualar el impacto de las películas originales, culminadas en su versión cinematográfica con la magnífica Endgame (2019)—, los marvelitas depositan sus esperanzas en estas nuevas aventuras del Capi. Con Anthony Mackie heredando el escudo y el uniforme del superhéroe que hasta ahora había interpretado Chris Evans, la película nos presenta al protagonista aceptando la oferta laboral del presidente de los Estados Unidos.

El mandatario en cuestión es un viejo conocido del universo Marvel: el general Thaddeus Ross, a quien hasta su fallecimiento interpretó William Hurt y que ahora cae en manos de un Harrison Ford que se suma a la fiesta, incluyendo—por si no fuera suficiente—su transformación en Hulk Rojo. Habrá que ver si Capitán América: Brave new world recupera el pulso perdido de Marvel.

Dir.: Julius Onah (EE.UU., 2025). 119 min.
Estreno: 14 de febrero.

No debe de ser sencillo quitarse de encima la presión de rodar y presentar una primera película como director cuando tus abuelos son la actriz Liv Ullmann y el director Ingmar Bergman. Como si lo hubiera poseído el espíritu del mítico cineasta, el joven Halfdan Ullmann Tøndel (de tan solo 34 años) adopta la frialdad analítica y la austeridad formal para retratar, a base de primeros planos y casi un único escenario, un conflicto muy singular: la madre viuda de un niño y los padres de otro, reunidos en la escuela de los niños tras un incidente entre ambos que nadie tiene del todo claro.

En medio de una discusión que no dejará de escalar, saldrán a la luz temas como la culpabilidad, la sexualidad en la infancia o las zonas grises entre el juego y la violencia. Una película en la que brilla con luz propia la extraordinaria interpretación de Renate Reinsve, la protagonista de La peor persona del mundo, que sigue creciendo proyecto a proyecto.

Dir.: Halfdan Ullmann Tøndel (Noruega, 2024). 117 min.

Estreno: 14 de febrero

Figura icónica de la literatura infantil británica, el osito de sombrero rojo, abrigo de lana y afición por la mermelada de naranja vive nuevas peripecias que lo llevan a salir de Londres para visitar a su tía desaparecida, que vive en Perú. Siguiendo su pista, nuestro héroe acabará en plena selva amazónica, involucrado en una peligrosa aventura que pondrá su vida en peligro.

El regreso a la pantalla de Paddington rebaja el nivel de excentricidad de una maravillosa segunda entrega que dejó el listón muy, muy alto. Es imposible igualarla, pero, a pesar de perder por el camino al director Paul King, sigue manteniendo el encanto y la personalidad de un personaje que ya forma parte de la cultura popular. Olivia Colman y Antonio Banderas se unen a la familia, y Ben Whishaw sigue prestando su voz al incombustible plantígrado.

Dir.: Dougal Wilson (Reino Unido, 2024). 106 min.
Estreno: 21 de febrero.

Walter Salles, director de las magníficas Estación Central de Brasil y Diarios de motocicleta, lleva al cine las memorias del periodista y escritor brasileño Marcelo Rubens Paiva. Un homenaje a su madre, Eunice Paiva, una madre coraje y esposa de un diputado socialista torturado y asesinado por la dictadura en 1971.

Como otras viudas de presos políticos víctimas del régimen militar, Eunice se convirtió en activista por los derechos humanos y en un símbolo de resistencia. Con la película, Walter Salles reivindica el cine como herramienta de memoria histórica y arma contra el olvido, huyendo de cualquier tentación melodramática y controlando en todo momento los elementos lacrimógenos y los excesos sensacionalistas, también por respeto a la familia protagonista, a la que el propio cineasta conoce personalmente.

Nominada al Oscar a Mejor Película, Aún estoy aquí tendrá su mayor baza en la candidatura a Mejor Actriz, para una Fernanda Torres que ya se llevó el Globo de Oro.

Dir.: Walter Salles (Brasil, 2024). 135 min.
Estreno: 21 de febrero.

La ciencia ficción aplicada a las emociones permite premisas tan potentes como la que estructura la nueva película de Nacho Vigalondo: un hombre intenta combatir la devastación que le ha provocado la muerte de su pareja participando en un ensayo clínico de control de los sueños.

El inesperado éxito del invento lo llevará a restablecer su relación sentimental justo donde la dejó, dibujándola cada día como más perfecta, encontrando la felicidad... aunque sea en el mundo de los sueños. Rodada en inglés, con un reparto encabezado por Henry Golding (Last Christmas) y la italiana Beatrice Grannò (conocida por la serie The White Lotus), la película huye del relato romántico para adentrarse en una reflexión inacabada sobre el duelo, las relaciones tóxicas y la depresión.

Dir.: Nacho Vigalondo (España, 2024). 113 min.
Estreno: 21 de febrero.

De entrada, parece una magnífica noticia que un universo tantas veces adaptado al cine como el de Stephen King caiga en unas manos tan singulares como las de Osgood Perkins. Autor de una de las grandes sorpresas del año pasado, el terrorífico thriller Longlegs, el cineasta tiene la personalidad necesaria para convertir en una comedia negrísima uno de los relatos de Skeleton Crew, publicados por King en 1985.

En The monkey, dos hermanos gemelos deben volver a enfrentarse a uno de sus juguetes de la infancia, un mono que toca los platillos y que arrastra una maldición. Theo James y Elijah Wood (el Frodo de El señor de los anillos) se ponen al servicio de un Perkins que define la película como “dulce, triste, divertida, impactante, sangrienta, violenta, ridícula, caricaturesca y conmovedora... Si John Landis y Chuck Jones tuvieran un bebé, sería este”, dice, refiriéndose al director de Un hombre lobo americano en Londres y al creador de los Looney Tunes, respectivamente, y poniendo el foco en el alma cartoon y traviesa de The monkey.

Dir.: Osgood Perkins (EE.UU., 2025). 95 min.
Estreno: 21 de febrero.

Con ocho nominaciones a los Oscar (incluidas Mejor Película, Director y Actor Protagonista), llega el biopic que no es exactamente un biopic de Bob Dylan. El título ya es toda una declaración de intenciones, porque el cantante estadounidense es una celebridad conocida por ser todo un enigma humano, de personalidad indescifrable y misteriosa. Y la aproximación al personaje que propone James Mangold no se escapa de esta consideración.

El cineasta, que en En la cuerda floja ya se había acercado a la figura de Johnny Cash, aquí se centra en los inicios de Dylan. Y utilizando las letras de sus canciones para estructurar la trama, nos cuenta su ascenso meteórico. En el filme, Dylan llega a Nueva York con 19 años y sin un centavo en el bolsillo, y comienza a relacionarse con otros músicos como Pete Seeger y Joan Baez.

Timothée Chalamet se pone en la piel del cantautor y, acompañado de los también nominados al Oscar Edward Norton y Monica Barbaro, hace toda una exhibición de recursos y va mucho más allá de la simple imitación. La película pone el foco en el camino de aspirar a ser músico profesional hasta convertirse, sin desearlo, en la voz de toda una generación gracias a clásicos de la canción protesta.

A complete unknown es, por tanto, el reverso perfecto de aquel maravilloso I'm not there, que, también sobre la figura de Bob Dylan, se sacó de la manga Todd Haynes.

Dir.: James Mangold (EE.UU., 2024). 141 min.
Estreno: 28 de febrero.

Trabajaron juntos hace casi 30 años en Secretos y mentiras (1996), un drama que llegó a los Oscar y que es representativo de los retratos naturalistas de la cotidianidad de la calle que el director británico Mike Leigh ha llevado a la pantalla (en títulos como Todo o nada o Another Year). Con aquella poderosa película, se presentó en sociedad una actriz superlativa, Marianne Jean-Baptiste.

Ahora, cineasta y protagonista se reencuentran en esta nueva aproximación a los conflictos casi banales de personajes que no suelen ser protagonistas de nada, pero que nos rodean y/o nos representan.

Mi única familia nos presenta a una mujer (interpretada por Jean-Baptiste) enfadada con el mundo, cansada de hacerse cargo de todo y de todos desde la invisibilidad. Hay quien enfrenta el dolor desde la resignación, y hay quien, como Pansy, desarrolla una misantropía que ha convertido su vida, y la de quienes la rodean, en un infierno.

El retrato social que propone Leigh es el del día a día, nada especial pero todo absolutamente reconocible, y lo hace desde la empatía y la verdad, confirmando su maestría a la hora de captar las grandes cuestiones de la condición humana.

Dir.: Mike Leigh (Reino Unido, 2024). 94 min.
Estreno: 28 de febrero

Lo que ha hecho Jordi Prat i Coll con L'aranya es un triple salto mortal sin red, del cual ha salido sobradamente airoso. Ha tomado una obra poco representada de Àngel Guimerà de principios del siglo XX y la ha tratado como si se estuviera enfrentando a un Ibsen, es decir, le ha quitado el polvo y la ha llevado a su terreno. Ha cambiado 1906 por 1968, Barcelona por Girona, los nombres de los personajes, el dialecto, ha añadido canciones y, sobre todo, ha convertido una obra de tono trágico más bien costumbrista en una pieza milimétrica que se mueve por una cuerda finísima entre el drama y la comedia.

Con la primera escena nos lo dice todo. Tenemos a Rosa (Mima Riera) en su tienda, pelando patatas, y de repente aparece Pilar (Berta Giraut) convertida en un personaje de La Cubana. Al poco rato, llega su marido, Cadernera (Jordi Vidal), que sigue el juego. Se gritan, se pelean. Reímos. Pero la risa se corta de golpe cuando la mujer nos explica cómo perdió a sus tres hijos, cómo acunó, piel con piel, a sus gemelos muertos al nacer, cómo murió la niña que solo tenía tres primaveras. Aquí ya estalla el drama, ya sabemos que la pieza va de eso, de la frustración de una pareja joven que no puede tener descendencia.

La puesta en escena de 'Massa brillant' es espectacular. Un personaje solo, Guillem (Daniel Mallorquín), sobre una tarima muy alta. Le rodean los amigos que lo acompañan a una fiesta de drag queens en la Sala Apolo: su novio Albert (Santi Cuquejo), Víctor (Jordi Martí) y el drag Gorka (Carlos González), que lleva un vestido deslumbrante. Desde el principio se ve claramente que Guillem no quiere estar allí, en la fiesta. Ocupará el escenario solo durante buena parte de la función, con los amigos alrededor, pero lejos, en los balcones de la Sala Pequeña.

En 'Karaoke Elusia', la primera obra de Oriol Puig, nos narraba un caso de acoso escolar que terminaba de forma trágica. Nos hablaba de sentirse diferente y de sufrir las consecuencias. Aquí, en 'Massa brillant', el autor transita por un camino paralelo, pero en una sola noche y en un ambiente radicalmente distinto. Guillem, como Sam en el montaje anterior, también se siente fuera de lugar: hace todo lo que le dicen que haga, pero su cuerpo se rebela. El pañuelo que le han puesto le pica, siente vértigo al acercarse al escenario, no le caen bien los amigos de Albert...

“¿Importa tanto la mentira?”, se pregunta al final de 'Cacophony' Tolu (Chelís Quinzá), cuando ya una apisonadora ha pasado por encima de su amiga Abi (Clara de Ramon). Ella ha pasado del anonimato a la gloria mediática en cuestión de días. Y tan rápidamente como despegó, se despeña. ¿Por qué? Porque no dijo del todo la verdad.

'Cacophony' es una obra terriblemente contemporánea, que Molly Taylor escribió en 2018 para una compañía casi adolescente, el Almeida Young Company, que en Barcelona ha estrenado a Anna Serrano con una tropa también joven y virtuosa. En Londres eran dieciséis actores y actrices. Aquí, siete. Sin embargo, se desempeñan bien cambiando de roles y dotando de un dinamismo fulgurante a la pieza, que avanza con un ritmo veloz, tanto como el impacto de las noticias, los éxitos y los fracasos, en el mundo virtual.

La intimidad es un terreno pedregoso y abrirse en canal para exponer anhelos, frustraciones, esperanzas y remordimientos nunca es fácil, más aún en un teatro, donde, por mucho artificio que pongas, todo acaba viéndose. En los últimos años, hemos visto experimentos brillantes al respecto, como el 'By heart' de Tiago Rodrigues, donde, a partir de un soneto de Shakespeare, repasaba la historia de su abuela. O el 'Seuls' de Wajdi Mouawad, donde relataba la muerte de su padre. No es el caso de 'Olympia', que Carlota Subirós ha estrenado en el Lliure.

De entrada, los grandes espectáculos anteriores estaban protagonizados por los mismos autores, dramaturgos y directores que subían ellos mismos al escenario para contarnos una historia, lo que otorgaba un punto de verdad a la propuesta. Y Subirós ha decidido utilizar a seis actrices polivalentes y de primer nivel (Lurdes Barba, Paula Jornet, Vicenta Ndongo, Neus Pàmies, Alba Pujol y Kathy Sey) como intermediarias, en una puesta en escena que recuerda mucho a la que dirigió de 'La plaça del Diamant'. Además, la propuesta de la directora tiene un aire demasiado abstracto. Hay que ser muy 'insider' para captar todo lo que dicen las intérpretes. Al mismo tiempo, hay demasiados lugares comunes.

'El dia de la marmota' tiene un único problema: le cuesta arrancar. Comienza tal como la personalidad del protagonista, el meteorólogo Phil Connors (Roc Bernadí): aburrida, perezosa, altiva. Una vez se despliega el mecanismo de la repetición, cuando ves a Phil navegando en este 2 de febrero eterno, regodeándose, chocándose contra él, e incluso disfrutándolo, y el resto de secundarios entran en juego, el musical despega. Si termina funcionando, es gracias a una dirección milimétrica de Enric Cambray y al talento de unos intérpretes que no solo cantan, sino que saben hacer crecer a sus personajes.

Aunque el foco caiga a menudo sobre los dos amantes del musical, Blanca (Alèxia Pascual) y Saïd (Jordi Garreta), 'Mar i cel' es un espectáculo muy coral, donde hace falta un buen reparto y donde todo el mundo tiene algo que decir durante las cerca de tres horas de función. La pareja es central, pero sin un buen Idriss (Berta Luna), un buen Ferran (Eloi Gómez), una buena Teresa (Clara Renom), una buena María (Candela Díaz), un buen Hasén (Albert Gràcia) y un buen Joanot (Abel García) es imposible que el espectáculo despegue.

Y no sé si es porque recordaba bastante el montaje de 2014 que en el último 'Mar i cel' he encontrado que lucían más los secundarios que los personajes principales. No es que tengamos una Blanca y un Saïd inferiores a los anteriores en general, pero sí creo que Roger Berruezo y Ana San Martín, en lo que se refiere a la voz y la interpretación, nos llevaban a otro sitio. Y es que la magnífica partitura de Albert Guinovart es intrincada.

Las puertas dan mucho juego en el teatro. Hasta el punto de que existe una subespecie de comedia que basa todo su mecanismo en ello, en puertas que se abren y se cierran, con la sorpresa de quién está detrás. En 'Turisme rural', Jordi Galceran exprime el género con un añadido paranormal que hace que su pieza tenga más capas, aparte de confrontar a dos urbanitas que van al campo a contemplar un paisaje sin preocuparse de nada más y una familia local que odia profundamente a los de ciudad.

Pero no hay comedia sin cómicos. Y es necesario que sean muy buenos porque aquí no se trata solo de que nos tronchemos de risa, sino también de crear una cierta angustia, un cierto misterio, porque en el momento que Laura (Mireia Portas) y Roger (Ivan Labanda ) llegan al alojamiento rural para pasar un fin de semana romántico para 'encargar' un bebé, ya empiezan a pasar cosas extrañas. La dueña, Anna (Anna Güell), aparece por la puerta humeante del comedor descabellada, como si fuera una bruja de tres al cuarto, para dar paso a Pere (Lluís Villanueva), equipado con una sierra eléctrica estilo 'La matanza de Texas'.

Aguantar solo una hora y media de monólogo desesperado no es una tarea fácil, y más cuando tienes 24 años e interpretas un chico de 16 que está a punto de perder a su padre. Cuando has hecho teatro antes, pero, quizás no bastante. Cuando estás en un templo de la interpretación como el Lliure de Gràcia (donde se estrenó antes de llegar al Poliorama) y centenares de miradas pueden recordar otros cuerpos haciendo lo que haces, empezando por Pol López y aquel 'Ivan i els gossos' memorable de 2012. Pero 'Tot el que passarà a partir d'ara' parece un traje a medida, un texto que Nil Cardoner se prueba y luce con todo su esplendor.

Joan Yago, espoleado por la directora Glòria Balañà, ha escrito una obra que es a la vez penetrante, sensible, triste, un tipo de historia de aventuras en que Èric tiene que conseguir llegar al hospital donde su padre vive las últimas horas. La madre, cuando pasan pocos minutos de las diez de la noche, le llama para decirle que si se quiere despedir ya puede darse prisa. Está estirado en el sofá, con el móvil en la barriga, solo. Y toda su vida le pasa por delante, especialmente estos diez años en que el padre ha estado enfermo y no ha habido nada más que esa enfermedad. Él tiene que llegar al hospital, pero tiene 16 años, amigos y conocidos por todas partes, fiestas pendientes y un poco de mala suerte.

La 38ª edición del Festival Folk Internacional Tradicionàrius se celebra del 10 de enero al 11 de abril de 2025, este año bajo el lema "Sin el Mediterráneo no habría cultura catalana". El festival comenzará con un pasacalle desde la plaza de la Vila de Gràcia hasta el C.A.T. con Kabum y el Col·lectiu Guirigrall, que dará paso al concierto inaugural, 'MAR MUR, 15 años', un "friso de canciones sobre la inmigración" estrenado hace 15 años.

A partir de ahí, el Centre Artesà Tradicionàrius acogerá conciertos como los de Joana Dark (19/1), Última vèrtebra (19/1), Gran Conjunt de Música d’Arrel de l’ESMUC con Efrén López (30/1), El Trib Reial (14/2), La Baula (21/2), Cabra (22/2), Mediterranean Clash Party: Cafè d’Alger y Soumeya (1/3), Alosa (7/3), Driessen & Reischman Mediterranean Ensemble (20/3), Oriol Marés y Talal Fayal Quartet (27/3) y Urbalia Rurana (29/3). 

Bajo el lema "El gos la va dinyar, la ràbia es va quedar" ("El perro la diñó, la rabia se quedó", que hace referencia al 50º aniversario de la muerte de Franco), el festival de canción de autor Barnasants encara su 30ª edición, que se celebra del 24 de enero al 1 de junio de 2025. Inaugura Pi de la Serra en L'Auditori de Barcelona y cierra Borja Penalba, presentando 'O tots o ningú' en las Cotxeres de Sants.

Por el camino, hay conciertos tan destacados como el de Maria del Mar Bonet: 50 años del concierto en el Olympia de París, el 11 de abril en L'Auditori, pero también los de Manel Camp (1/2), Cesk Freixas y Pau Alabajos (2/2), Alidé Sans (7/2), Anna Roig y Carles Belda (8/2), Martirio (16/2), Aute (21/2), Marina Rossell (13/3), Cris Juanico (15/3), Elèctrica Dharma (16/3), Ivette Nadal (28/3), Mariola Membribes y Renaud Garcia Fons (6/4), Jabier Muguruza (12/4), Namina (10/5), Raúl Rodríguez (11/5), entre otros.

Con más de 40 conciertos del 17 de enero al 15 de septiembre de 2025. Así se presenta la nueva edición del Guitar BCN, un festival creado hace 35 años por el guitarrista japonés Ichiro Suzuki (con nombres como Victoria de los Ángeles y Paco de Lucía en la primera edición) y ,esta vez, con un artista que destaca por encima de los demás: la leyenda de las seis cuerdas Carlos Santana, que hacía más de veinte años que no actuaba en Barcelona, ​​lo hará el 26 de julio en el Palau Sant Jordi para celebrar el 25 aniversario del superéxito 'Supernatural' (1999).

Sin embargo, hay muchos más alicientes: la inauguración de Antoñito Molina (17/1) en el Sant Jordi Club, Jorge Drexler con un doble concierto en el Palau de la Música, donde despedirá la gira europea, Iván Ferreiro (23 /11) y Xoel López en el Hivernacle del Poble Espanyol, el triple concierto de los Stay Homas (24 y 25/1) también en el Poble Espanyol antes de tomarse una pausa indefinida; el concierto de Rosario en el Auditori del Fòrum, el de Pastora Soler en el Gran Teatre del Liceo, Amaral (13/6) estrenando nuevo álbum en el Sant Jordi Club, y una clausura a cargo de Jason Mraz (15/9) en el Palau de la Música.

Parece que fue ayer, pero ya han pasado diez años desde que abrió la Sala Upload. Porque no solo se cierran salas en Barcelona, sino que algunas siguen adelante como hormiguitas, haciendo muy buen trabajo. Es el caso de la sala del Poble Espanyol, de la que David Marzo, Jordi Aizcorbe y Víctor Asensio se hicieron cargo cuando no había tanta actividad como ahora, en el recinto de Montjuïc. Ahora se ha convertido en una sala imprescindible del circuito, que acoge saraos como el Gambeat Weekend, Ombra, Fiesta Wacha, Me Siento Extraña, Nou Renou y algunos más.

Ahora, plenamente consolidados, tanto en las escenas del rock psicodélico, garage, punk y sixties y similares, como en otras donde celebran sus fiestas diversos colectivos LGTBIQ+ (en 2021 recibió el premio Time Out a Mejor club), celebran el aniversario con dos días de conciertos, el 31 de enero y el 1 de febrero. Estarán los californianos The Mystery Lights (una gran oportunidad para verlos), pero también Aiko El Grupo, Diamante Negro, Sandré, Will Spector, Gurriers, Minibús Intergal·làctic y otros.

Si tuviéramos que montar el top cinco de las mejores bandas punk de la historia, los Dead Boys sin duda entrarían ahí, haciendo compañía a The Clash, Ramones o Sex Pistols. Protagonistas de la primera ola punk de la historia, la de 1976 en Nueva York, la banda liderada por el guitarrista Cheetah Chrome y el icónico cantante Stiv Bators (1949-1990) dejó un legado de dos discos, Young, Loud and Snotty (1977) y We Have Come For Your Children (1978), que aún hoy marcan la agenda punk: grupos como Green Day o Sum 41 no existirían sin esta herencia de 20 y tantas canciones urgentes, pequeñas obras maestras de la mezcla de brutalidad y melodía que se han convertido en himnos y han sido versionadas por Guns N' Roses o Pearl Jam, entre otros.

El próximo miércoles 5 de febrero, unos Dead Boys liderados por Chrome –el único miembro original que queda en el grupo– actuarán en la sala Upload a las 20 h, reivindicando este legado. Vale la pena ver a Chrome tocar de cerca; este hombre es a la guitarra punk lo que Paco de Lucía a la flamenca: un iconoclasta que renovó el género inventando un nuevo estilo de tocar.

Ya han pasado diez años desde que los ampurdaneses Joan Delgado y Aleix Turon fundaron Cala Vento, un poderosísimo dúo de guitarra, batería y dos voces que creció bajo el ala de BCore, pero que hace tiempo que vuela solo. Su anterior disco, Casa linda (2023), les permitió ampliar su público y la capacidad de las salas donde actúan, de ahí que necesiten dos noches en la Sala Apolo, las del miércoles 5 y jueves 6 de febrero, para dar cabida a toda la gente que les sigue.

El nuevo trabajo, Brindis (2025), también es, por supuesto, una celebración: una colección de nueve fantásticas versiones de canciones que, de una manera u otra, resonaban en su interior. En la ecléctica selección encontramos a Lucio Battisti, El Último de la Fila, Turnstile, Julieta Venegas, Els Pets, Jarabe de Palo, Lecocq, Da Souza y Fugazi. Han llevado los temas completamente a su terreno, hasta el punto de que les ha salido un disco de Cala Vento en toda regla. ¡Y en algunos casos mejoran la original!

El trío barcelonés despide la gira de Marc, Axel y Jes (2023) con un concierto en el Sant Jordi Club este 7 de febrero dentro del Cruïlla d'Hivern (y el día antes en el Heliogàbal) y ha anunciado un disco íntegramente en catalán, toda una novedad en sus 27 años de trayectoria, precedida por dos colaboraciones en la lengua de Ramon Llull: Hyde Park, con Sopa de Cabra, y Jean-Luc, con Els Amics de les Arts. ¿Están en una especie de punto de inflexión en su carrera? Lo cuentan en este capítulo de Caps de Cartell.

¡Música y humor para celebrar la economía social y solidaria! La reivindicación de los derechos también puede ser toda una fiesta. La Febrerada celebrará su tercera edición el 7 de febrero de 20.30 a 1.30 h del día siguiente en la Sala Paral·lel 62 y es de acceso gratuito. La fiesta empezará con varios monólogos de Godai Garcia, Alba Segarra, Marc Llinàs e Irene Minovas, conducidos por Ana Polo, y continuará con conciertos de La Ludwig Band, La Mercabanda y DJ Siria.

"Para impulsar la cultura de los derechos humanos en contraposición a la cultura del odio" llega la tercera edición del festival IrídiaFest, el evento del Centro para la Defensa de los Derechos Humanos Irídia, que hace tres años decidió crear, a través de la música y la cultura, un espacio de encuentro y celebración con propuestas culturales de denuncia, críticas y transformadoras. Esta vez tendrá lugar los días 13 y 14 de febrero en la sala Paral·lel 62.

El jueves 13 abre el festival una edición en directo del pódcast Ciberlocutorio, de Andrea Gumes y Anna Pacheco, que en esta ocasión invitan al humorista e ilustrador Roger Peláez. El viernes 14 actuarán Branko, fundador de Buraka Som Sistema, productor de M.I.A. y colaborador de Princess Nokia; el artista gallego Ortiga; los barceloneses Las Bajas Pasiones; y los arbucienses Remei de Ca la Fresca.

Lucia Fumero, Red Stamp, Anna Ferrer y Marc Vilajuana protagonizan la edición invernal de Els Vespres de la UB, el ciclo de conciertos gratuitos que en esta época del año se celebra dentro del precioso Paraninfo de la Universidad de Barcelona. Será los martes 18 y 25 y los jueves 20 y 27 de febrero, y para reservar las invitaciones tendréis que estar atentos a las fechas: estarán disponibles a medida que se acerque cada concierto en la web del ciclo.

Los días 21, 22 y 23 de febrero de 2025, diferentes espacios públicos y privados de Barcelona tejerán puentes entre la música y la literatura con la 1ª Feria de Literatura Musical especializada del país. Está dedicada a los profesionales del sector: periodistas, escritores y fotógrafos especializados en música; y, en sentido inverso, músicos que también se dedican al mundo de las letras. "¡Dime qué lees y te diré qué bailas!" anuncia el subtítulo y lema de este encuentro.

La sede principal será Fabra i Coats, que se llenará de pilas de libros con la Feria del Libro Musical Nuevo y Usado durante el sábado 22 y domingo 23 de febrero. Entre 25 y 30 profesionales del sector editorial y musical participarán en debates, presentaciones de libros, charlas y actividades que se organizarán en torno a los libros musicales durante los dos días del Book Music Festival en la Feria de Fabra i Coats. Además, el Centro Cultural Albareda, la Librería Ona Llibres, el Club Paral.lel 62 y la Biblioteca Ignasi Iglesias de Barcelona serán también puntos de encuentro donde se llevarán a cabo otros conciertos, presentaciones, debates y mesas redondas. Algunos de los artistas confirmados para los conciertos son Joana Serrat (indie-rock), Koko-Jean & The Tonics (soul-rhythm & blues), Grabu Live! (electrónica-pop), DJ Axel (Sidonie) (indie-pop), The Vil Veins (punk rock), 'Seed' Marina & Gerard Sala (clásica) y Vicenç Altaió.

Una minigira de Christina Rosenvinge presentando Los versos sáficos (2023) en salas pequeñas inaugura la nueva edición del Curtcircuit (¡la decimotercera ya!), con conciertos a partir del 27 de febrero y que se prolongarán hasta diciembre. El ciclo de la Associació de Sales de Concerts de Catalunya (ASACC), que busca reivindicar el papel de los espacios de música en directo de proximidad, ya ha adelantado algunas de las fechas.

Rosenvinge estará el 27 de febrero en Els Pagesos de Sant Feliu de Llobregat, el 28 en El Siglo de Sant Cugat y el 1 de marzo en el Espai Orfeó de Lleida. En cuanto a Barcelona, seguirán los conciertos de Tulsa en la sala VOL el 1 de marzo, de Myriam Swanson el 13 en La Nau, de Verde Prato el 22 de marzo en el Club Sauvage (antiguo Sidecar), y de Svsto el 25 de abril en la Sala Apolo.