Cosas para hacer en Barcelona en noviembre

¿De qué va? Nadie pinta desde cero. Pero al observar las pinturas matéricas de Antoni Tàpies, con sus colores lisos, materiales pobres y la extrema simplicidad de sus símbolos, podríamos llegar a pensar que el artista lo consiguió. En sus obras más famosas, Tàpies nos invita al silencio y a la contemplación, para que aprendamos a mirar con más profundidad en un mundo saturado de imágenes. Ahora, el museo se pregunta: ¿cuál era el imaginario de Tàpies cuando empezó a pintar?

¿Por qué hay que ir?
Para sumergirte en el entorno visual del artista a través de medio centenar de obras y más de un centenar de objetos y documentos de distintas naturalezas. Después de un año de celebración por el centenario de Tàpies, esta exposición nos invita a redescubrirlo desde nuevas perspectivas, cuestionando los relatos más hegemónicos sobre su trayectoria.

¿De qué va? Barcelona acoge la mayor exposición jamás realizada en España y la primera de gran relevancia dedicada a Fernando Botero. Poco más de un año después de su fallecimiento, el Palau Martorell de Barcelona organiza la muestra más completa sobre la pintura del artista colombiano que se haya presentado en el país. Comisariada por Lina Botero y Cristina Carrillo de Albornoz, esta exposición rinde homenaje a uno de los artistas más importantes del siglo XX, reconocido por su estilo de volúmenes monumentales y colores vibrantes, conocido como boterismo.

¿Por qué hay ir? Para recorrer más de sesenta años de su carrera a través de más de 110 obras de todo tipo: esculturas, óleos, acuarelas, sanguinas, carboncillos, dibujos a lápiz, entre otros. Además, algunas de las pinturas que se exhiben en ‘Fernando Botero. Un maestro universal’ provienen de colecciones privadas y han sido cedidas excepcionalmente para esta exposición.

¿De qué va? Un inventario de obras de artistas catalanes y catalanas que vivieron y trabajaron en la Ciudad de la Luz, en busca de un destino que les permitiera ejercer su arte en libertad, realizar encargos de moda de la época o darse a conocer.

¿Por qué hay que ir? Para viajar a París, la capital del arte moderno, gracias a un compendio de piezas artísticas inspiradas en la ciudad y creadas por pintores, grabadores, ilustradores, músicos, intérpretes, escritores, periodistas y otras figuras destacadas. Santiago Rusiñol, Ramon Casas, Isidre Nonell, Pablo Picasso, Joaquim Sunyer, Lluïsa Vidal, Laura Albéniz, Pau Casals, Isaac Albéniz, Enric Granados, Joaquim Nin, Maria Gay o Jaume Brossa son solo algunos de los nombres presentes en esta muestra.

¿De qué va? La Fundació Vila Casas presenta la obra de Carles Gabarró a lo largo de cuatro décadas de experimentación pictórica, marcada por la repetición obsesiva de objetos y temas. Con una pintura matérica e intensa, Gabarró crea una iconografía propia en constante evolución.

¿Por qué hay que ir? Su pintura, alejada del consumo rápido, exige la colaboración del espectador y se convierte en un agente discursivo que dialoga con el arte, la ciencia y el pensamiento contemporáneo.

¿De qué va? Imágenes llamativas, pero con un aura de misterio. Las pinturas de Mari Eastman crean un universo propio, sugerente, insinuante y atractivo.

¿Por qué hay que ir? Para descubrir figuras solitarias y animales en movimiento que protagonizan escenas aparentemente naifs, pero que atrapan al espectador con un sutil aire de rareza y oscuridad. Son creaciones de esta artista de Chicago que fusiona la realidad y el fake.

¿De qué va? Esta exposición, comisariada por Maria Garganté, explora la reivindicación de la palabra desde una perspectiva femenina y cuenta como ha sido a menudo ocultada, negada o desacreditada en la historia, la literatura y los relatos bíblicos y mitológicos.

¿Por qué hay que ir? Para conocer voces femeninas referentes en resistencia cultural a través de la palabra, gracias a una selección de obras diversa y sorprendente. Desde una Inmaculada Concepción de Luis Fernández de la Vega hasta un pequeño dibujo de 'Santa Ana enseñando a leer a la Virgen' de Picasso, pasando por un autorretrato que Caterina Albert i Paradís (Víctor Català) realizó de sí misma en 1890, hasta llegar a los dibujos de la mística Josefa Tolrà y las obras de las artistas contemporáneas Eulàlia Valldosera y Kima Guitart.

¿De qué va? Un homenaje al influyente fotógrafo español Ramón Masats con 140 imágenes que abarcan sus series más icónicas y obras nunca vistas.

¿Por qué hay que ir? Para conocer la intuición, la radicalidad y la ironía de Masats al jugar con los tópicos de la cultura de postguerra, características que lo han hecho uno de los fotógrafos más relevantes de la generación de los sesenta en España.

¿De qué va? El Espai 13 de la Fundació Miró estrena ciclo, titulado "como desde aquí": cuatro exposiciones que investigan los vínculos de los artistas con sus entornos. El pistoletazo de salida lo ha dado Josú Bilbao, con una exposición que parte de una idea: ¿Y si abriéramos el Espai 13 al exterior?

¿Por qué hay que ir? La muestra interroga el espacio expositivo a partir de una operación de apertura de la sala a través de unos respiraderos que, originalmente, fueron concebidos por el arquitecto del edificio, Josep Lluís Sert.

¿De qué va? Una visión inmersiva sobre la riqueza natural y cultural de la Amazonia, a través de las voces autóctonas que aportan alternativas para vivir en armonía con la naturaleza. La muestra combina arte, ciencia y activismo para abordar problemáticas como la deforestación, la sequía o el control de recursos naturales.

¿Por qué hay que ir? Para adentrarse en un recorrido sensorial desde las raíces hasta las ramas de la Amazonia, pasando por sus ríos, bosques, pueblos, rituales y habitantes. Ante la necesidad urgente de recuperar formas más respetuosas de vivir para preservarnos (al planeta y a nosotros mismos), 'Amazonias' nos propone una nueva manera de reconectar con la vida y la naturaleza, aprendiendo de la sabiduría del pueblo amazónico y evitando una visión fatalista de la situación actual.

¿De qué va? La galería FotoNostrum Barcelona acoge una muestra retrospectiva de la fotoperiodista Lee Miller (1907-1977). La exposición repasa la trayectoria de una figura que cubrió momentos clave de la Segunda Guerra Mundial y fue, al mismo tiempo, una destacada figura del movimiento surrealista.

¿Por qué hay que ir? Para ver como Miller pasó de estar delante de las cámaras a colocarse detrás: de ser una modelo exitosa en el Nueva York de los años 1920, se convirtió en una reconocida fotógrafa en París. Con la intención de documentar la guerra para un público femenino, trabajó como corresponsal de confianza para la revista Vogue, aunque muchas de sus fotografías no salieron a la luz en su momento. 'Lee Miller: Crónicas de guerra' expone estas 'dos vidas' de Miller: reúne 124 fotografías entre 1940 y 1946, de las cuales 110 retratan la guerra, mientras que 14 reflejan su faceta en el mundo de la moda trabajando para revistas como Vogue. 

Albert Serra abraza la polémica, o más bien le da igual. “Me importa lo que la gente opine desde un punto de vista artístico, lo que crean sobre la tauromaquia antes o después de ver la película me da absolutamente igual”, decía Albert Serra tras presentar su última película en el Festival de San Sebastián, donde se llevó la Concha de Oro. Con las herramientas del documental, el primero de su carrera, Serra se convierte en la sombra del torero peruano Andrés Roca Rey y de sus subalternos, siguiéndolo en un puñado de corridas, retratándolo en su permanente cara a cara con la muerte.

La cámara del cineasta registra unos cuantos sustos en forma de revolcadas y cogidas, y, obviamente, también ofrece una mirada cruda, sin aditivos, mostrando la sangre y las heridas, y finalmente la estocada definitiva que lleva a la muerte del animal. Serra no juzga, más bien pone el foco en la belleza y la poética de un arte para algunos, de un acto violento y sanguinario para la mayoría. El propio cineasta ha reconocido que a Roca Rey no le gustó la película, un dato que invita a los antitaurinos a priorizar su curiosidad cinéfila por encima de los prejuicios.

Dir.: Albert Serra (España, 2024). 125 min. Estreno: 7 de marzo.

Han tenido que pasar seis años desde el boom, y el puñado de Oscars, de Parásitos para volver a ver una película de Bong Joon-ho. El cineasta coreano salta a Hollywood con la misma mezcla de crítica sociopolítica y humor negro que ha propuesto en los últimos años. En la línea de Rompenieves (2013), Joon-ho presenta una parábola futurista fundamentada en las herramientas de la ciencia ficción que dice mucho sobre nuestro mundo: su afilada mirada comienza con una misión de colonización de un planeta helado, financiada por un político que es una parodia nada disimulada de Donald Trump. Y, en esta conquista del espacio, es fundamental el trabajo de los llamados “prescindibles”, gente como el protagonista, un tipo desesperado convertido en una especie de rata de laboratorio con la que experimentar los efectos de la atmósfera del nuevo planeta o el impacto de todo lo que idean los científicos que forman parte de la expedición.

La muerte no es un problema, porque una gigantesca impresora 3D crea un clon del “prescindible” en cuestión, para seguir haciendo de conejillo de indias. A partir de aquí, Bong Joon-ho dispara a diestro y siniestro, poniendo en el punto de mira el capitalismo salvaje y el poder deshumanizador de oligarcas y políticos títeres alimentados por sus ansias de conquista, en una sátira llena de personajes casi caricaturescos. Robert Pattinson interpreta hasta dieciocho versiones de Mickey, el protagonista, y lo acompañan Mark Ruffalo y Toni Collette. Los *Parásitos* llegan hasta el espacio exterior.

Dir.: Bong Joon-ho (EE.UU., 2024). 137 min. Estreno: 7 de marzo.

Jaime Rosales, director de La soledad o Girasoles silvestres, reivindica la libertad de elección, en el arte y en la vida, con su nueva película. Disfrazada de historia de amor juvenil, parte del encuentro entre una chica que acaba de perder a su madre y que solo piensa en terminar el instituto y marcharse de la pequeña localidad de Bretaña donde vive (y que da título a la película), y un nuevo compañero de clase, sofisticado y con alma de poeta, recién llegado de París. La atracción inicial se encontrará con un sinfín de obstáculos, hasta colocar a los personajes en una trascendental disyuntiva.

Tal vez el argumento haga pensar en un enfoque convencional, pero nada más lejos de la realidad: Jaime Rosales apuesta por la radicalidad en la expresión artística y utiliza una serie de recursos (como el salto del color al blanco y negro o los cambios de formato) que no están necesariamente relacionados con la narrativa. De esta manera, reivindica una arbitrariedad que simboliza su libertad artística. Y eso sí que es coherente con una trama que, como decíamos al principio, se sumerge en las consecuencias de nuestras decisiones, tomadas, una vez más, con plena libertad. Los jóvenes y magníficos Amanthe Audiard y Samuel Kircher protagonizan el filme, que también cuenta con Mélanie Thierry y Àlex Brendemühl.

Dir.: Jaime Rosales (España-Francia, 2025). 124 min. Estreno: 14 de marzo.

La pérdida y el duelo infantil, compartir emociones como forma de sanación, gestionar las expectativas... son algunos de los temas que se abordan en Wolfgang (Extraordinario), la tragicomedia con aires de feel-good movie que adapta la novela homónima de Laia Aguilar y dirige Javier Ruiz Caldera (3 bodas de más, Anacleto: agente secreto). Rodada en catalán, la película plantea el choque de personalidades entre un niño superdotado con un trastorno del espectro autista y un extraordinario talento para tocar el piano, y su padre, un actor no muy exitoso, vanidoso y ausente, a quien no conocía y que debe hacerse cargo del niño tras la muerte de la madre, cumpliendo así su última voluntad.

Con Miki Esparbé y el debutante Jordi Catalán en la piel de padre e hijo, y con un reparto que incluye a Anna Castillo, Berto Romero (actor fetiche de Ruiz Caldera) y una Àngels Gonyalons que se reivindica en un mundo, el del cine, que le ha dado muy pocas oportunidades.

Dir.: Javier Ruiz Caldera (España, 2025). 110 min. Estreno: 14 de marzo.

Mientras celebramos el regreso a primera línea cinematográfica de Demi Moore y Adrien Brody, también hay que poner el foco en otra reivindicación: la que Gia Coppola (nieta de Francis y sobrina de Sophia) propone sobre alguien a quien no dejaron salir del cajón de símbolo sexual. Pamela Anderson, eterna vigilante de la playa para toda una generación, es la protagonista de esta historia sobre la decadencia y el paso de un tiempo que no volverá. Su personaje es el de una bailarina de un local de Las Vegas que, al llegar a los 50, ve cómo la madurez no encaja en un mundo de poca ropa y mucho deseo.

Shelly/Pamela debe confrontar las consecuencias de tantos años dedicados a ella misma, en ese momento de tomar conciencia de que todo ha sido, probablemente, un gran error sin solución. Tener una hija semi abandonada a quien se le acumulan los reproches servirá de espejo para esta mujer sin muchas esperanzas de revertir la situación. Anderson asume el papel de su vida y brilla, demostrando el error de una industria que siempre la trató como un trozo de carne. Jason Schwartzman y una magnífica Jamie Lee Curtis la acompañan en este honesto relato sobre segundas oportunidades que nunca llegan.

Dir.: Gia Coppola (EE.UU., 2024). 86 min. Estreno: 14 de marzo (fecha aplazada hasta nuevo anuncio)

Con la ternura como bandera y un sentido del humor que es sello de fábrica, Borja Cobeaga escribe sobre la paternidad y una forma de entenderla absolutamente transformada respecto al momento en que sitúa la historia de Los aitas, el año 1989, el de la caída del muro de Berlín. La cita histórica no es gratuita, porque algo tiene que ver con la trama.

Los protagonistas de la película hacen un viaje en autobús hasta la capital alemana desde Bilbao: cuatro padres de familia, víctimas de despidos masivos en plena crisis industrial, acompañan a sus hijas, que forman parte de un equipo de gimnasia deportiva con un campeonato por delante.

El director de Pagafantas y Negociador (y de la serie recién estrenada Su majestad) echa una mirada feroz pero llena de afecto hacia esta última generación de padres más bien ausentes, muy poco implicados en la educación y crianza de sus hijos, a quienes interpretan Quim Gutiérrez, Juan Diego Botto, Iñaki Ardanaz y Mikel Losada.

Dir.: Borja Cobeaga (España, 2025). 88 min. Estreno: 21 de marzo

Ahora que triunfa con la serie de Netflix Día cero, Robert De Niro presenta lo que él mismo define como uno de los mejores trabajos de su carrera. Es probable que el reto de interpretar dos personajes en una misma película haya sido mayúsculo, en este momento profesional en el que, a veces, parece que navega con el piloto automático. En The Alto Knights, De Niro interpreta a dos gánsteres reales: Vito Genovese y Frank Costello, antiguos aliados y enemigos mortales en un enfrentamiento que cambiaría la historia del crimen organizado en Estados Unidos. Cuarta colaboración entre el actor y el cineasta Barry Levinson (tras títulos como La cortina de humo), y enésima incursión de De Niro en el cine de mafiosos, la película trata de recuperar la épica y el alcance de los clásicos del género.

Dir.: Barry Levinson (EE.UU., 2025). 120 min. Estreno: 21 de febrero

Uno de los debuts del año, en el cine catalán y español, es el de Gemma Blasco, que se estrena como directora de largometrajes con una película que es todo un grito de rabia. Poniendo el foco en las violencias sexuales machistas, la cineasta nos hace atravesar la oscuridad de la mano de la protagonista de su historia. Interpretada por una superlativa Ángela Cervantes, Alexandra sufre una violación por parte de alguien que conoce, pero a quien no ha visto en el momento de la agresión. Cuando se lo confiesa a su hermano (un entregadísimo Àlex Monner), su reacción testosterónica es, primero, cuestionarla y culpabilizarla, y después, querer ser el ejecutor de la venganza.

Con una puesta en escena feroz, mucha cámara en mano pegada al dolor y al sufrimiento de Alexandra, La furia quiere poner el foco en el mal acompañamiento del entorno de personas que han sufrido un trauma de estas características, añadiendo una interesante reflexión sobre el poder sanador del arte y, en este caso, del teatro (la protagonista es actriz de profesión y acaba de ser elegida para interpretar a Medea). La película se convierte en un incómodo, pero necesario puñetazo que despierta conciencias y nos hace abrir los ojos.

Dir.: Gemma Blasco (España, 2025). 108 min. Estreno: 28 de marzo

Fue la flamante ganadora del Premio del Público en el último festival de San Sebastián, con una puntuación récord basada en las valoraciones de los espectadores. Tiene su lógica, porque esta dramedia utiliza una ternura que nunca es empalagosa, pero sí tremendamente emotiva, para contar la historia de un prestigioso director de orquesta que, cuando recibe una mala noticia en forma de diagnóstico médico, descubre que es adoptado y que tiene un hermano.

A partir de aquí, el director y guionista Emmanuel Courcol (El triunfo) construye un relato sobre la identidad y los orígenes, pero que también habla de la dignidad de la clase trabajadora en un mundo que no tiene ninguna compasión por los más débiles. Courcol sabe evitar, y no era fácil, los excesos de azúcar y la sensiblería barata sin perder nunca la capacidad de tocar el corazón del público. Las cuidadas interpretaciones de Benjamin Lavernhe y Pierre Lottin, los dos hermanos que ignoraban serlo, ayudan a que Por todo lo alto sea una de esas películas perfectas para recomendar, sin miedo a fallar, a un amplio espectro de conocidos y saludados.

Dir.: Emmanuel Courcol (Francia, 2024). 103 min. Estreno: 28 de marzo

Entre el noir y la ciencia ficción, y con algunos insólitos elementos oníricos, Una ballena demuestra que hay creadores inclasificables, como Pablo Hernando (autor de La tumba de Bruce Lee y Esa sensación), y un cine que no se parece a ningún otro. La película nos sitúa en un Bilbao brumoso, perfecto para construir una atmósfera sugerente y misteriosa, en una trama que incluye dos hombres poderosos que compiten por el dominio del puerto para controlar el contrabando y el tráfico, y una asesina a sueldo que mata sin dejar ni pistas ni rastros.

Con Ingrid García-Jonsson y un Ramon Barea que, por fin, disfruta de un personaje protagonista, Una ballena navega por aguas que, a veces, desconciertan al público. Con referencias directas a dos autores de apellido Melville, Herman y Moby Dick por un lado, Jean-Pierre y El samurai por el otro, la película se presentó en el Festival de Sitges y es una rareza que vale la pena descubrir.

Dir.: Pablo Hernando (España, 2024). 108 min. Estreno: 28 de marzo

En una prisión de mujeres de París, en 1936, entra un elemento revolucionario. La acusan de agredir a un policía. Sus compañeras la miran con sospecha. Por la noche, mientras bailan, ella escucha discursos políticos. Uno de los guardias, Jacques (Borja Espinosa), la quiere para él, pero ella, Marie (Carlota Olcina), le deja claro que no la poseerá ni en sueños.

Rosa Maria Arquimbau estrenó Maria, la roja en el actual Poliorama en plena Guerra Civil, en 1938. Una obra muy política, adelantada a su época, como lo fue la autora. Y después de años de lecturas, ediciones, y tanteos, el TNC ha decidido llevar a escena una de las llamadas "pioneras", con dirección de Ester Villamor. La propuesta es totalmente contemporánea, con un grupo de actrices de primer nivel (Mercè Arànega, Tai Fati, Meritxell Huertas, Antònia Jaume, Alba Montaño, Martina Roura) capitaneadas por una Olcina que sabe muy bien lo que hace.

La puesta en escena es magnífica. Cuando entramos al Maldà, no nos encontramos con sillas alineadas en filas y una propuesta a la italiana, sino que hay dos mesas largas y, en el lugar del escenario, vemos un bingo y un teclado sobre una tarima. Nos recibe el personal del local, llamado La Gola del Llop. De inmediato, nos ponen un vídeo que canta las maravillas del lugar donde estamos, que ya intuimos decadente y pasado de moda. Y pronto comprobaremos que hay cosas que no funcionan como deberían: el músico llega tarde, la cara de los empleados es de preocupación, las luces no consiguen estabilizarse...

Breu visita a la Gola del Llop es un espectáculo inmersivo en el que la participación de los espectadores es decisiva. Todos jugaremos, tendremos que marcar números en un cartón y, los que tengan suerte, cantarán línea o bingo. Pero más allá de eso, el público tendrá que entrar en el espectáculo en el sentido de que deberá creérselo, asumir que se encuentra en una realidad paralela. No hay sustos, pero sí que se cuenta una historia, la de Lourdes, clienta nonagenaria habitual que murió hace unos días, y que deberá ser lo suficientemente convincente para que la cosa funcione.

En 2012, cuando El principi d'Arquimedes se estrenó en la Sala Beckett, la obra de Josep Maria Miró recibió los elogios de la crítica, pero, aunque se instaló a los pocos meses en La Villarroel, podemos decir que pasó sin pena ni gloria. En cambio, en Buenos Aires llegó a estar tres temporadas seguidas en la cartelera. En Brasil, incluso, se hizo una película sobre ella. Y fue el despegue de un dramaturgo catalán que, gracias a esta obra, traducida a dieciséis idiomas, se posicionó como uno de los grandes autores europeos de nuestro tiempo. Más de una década después, el Espai Texas ha recuperado, por fin, una pieza que ha envejecido muy bien, hasta el punto de demostrar que es un clásico del teatro contemporáneo en nuestra lengua.

Hace trece años, fue el mismo Miró quien dirigió El principi d'Arquimedes en la Beckett. En el Texas, la batuta está en manos del joven Leonardo V. Granados, capaz de dotar de un tinte expresionista a un texto que juega constantemente con el punto de vista. El escenario a dos bandas juega a su favor y sabe llevar a los intérpretes hacia posiciones más firmes.

Tarrida hace un Jordi de primera. Risueño al principio. Hundido, al final. Su expresión corporal habla por sí sola. No le haría falta ni abrir la boca. Monclús, a su vez, hace muy bien el papel de persona atrapada en sus pesadillas. Su duda hace que Jordi se hunda. Y Balbàs es el espejo del protagonista, un amigo que no te gustaría tener.

Seis horas de teatro, sí. Seis horas de hombres hablando sobre derechos, libertades, homosexualidad y compasión, exactamente. Ese es el reto de L'herència: querer entrar en este mundo levantado por Matthew López y no tener intención de marcharse. Seis horas en las que nos adentraremos en las vidas de Eric Glass, Toby Darling, Walter Poole, Adam MacDowell y Henry Wilcox, viajaremos a los años 80, a Nueva York, en plena brutal epidemia del sida, y volveremos a nuestro tiempo, al final del segundo mandato de Barack Obama y al primero de Donald Trump, en un viaje de ida y vuelta que nos hará soltar alguna lágrima. Porque quizás no sepamos nada de todo aquello, o quizás lo hayamos olvidado.

Pocas obras de los últimos dos siglos han tenido la penetración, el encanto y la solidez de la publicada por Herman Melville en 1853. Ha generado ríos de tinta, la historia del escribiente que, a los pocos días de ser contratado en un bufete de abogados de Manhattan, decide no seguir las órdenes de su patrón con aquel ya emblemático: "Preferiría no hacerlo". En Barcelona, la versión de Llàtzer Garcia no es la primera que se estrena. Y no debemos olvidar que el barcelonés Enrique Vila-Matas ha sido uno de los grandes contribuyentes contemporáneos al mito del escribiente, gracias al magistral Bartleby y compañía.

De entrada, puede parecer que el trabajo de llevar al teatro el monólogo del abogado que narra la peripecia de Bartleby es muy sencillo. Tenemos una única voz, una acción concreta, tres espacios como mucho... Y no hace falta que veamos al copista distraído. ¿Qué interés tiene, entonces, montar un cuento que ha leído (o conoce) todo el mundo? ¿Por qué ahora? Y es que lo interesante aquí se encuentra en el punto de vista, en cómo miramos a Bartleby hoy, cómo lo mira su patrón.

Con Les bàrbares, Lucía Carballal pretendía colocar un micrófono oculto en medio de una conversación entre su madre y sus amigas para saber qué pensaban realmente del feminismo y de la vida que habían vivido. Y consiguió un retrato extraordinario sobre la generación de mujeres que se encuentran en los sesenta (y más allá) a través de tres personajes muy diferentes, unidos por la amistad y Bàrbara, una arquitecta de 40 años víctima del cáncer, sobrina de una de ellas y confidente de las otras.

Las tres, Carmen (Cristina Plazas), Susi (María Pujalte) y Encarna (Francesca Piñón), se encuentran en un hotel con decoración de otra época por petición expresa, última voluntad, de Bàrbara. En el escenario, las acompaña una cantante, Berta Ferrer, que entonará melodías de su juventud. La idea es que hablen sobre sus vidas, sobre las renuncias que han hecho y, sobre todo, que vuelvan a encontrarse. Son tres mujeres que tienen poco en común: una es arquitecta y no ha tenido hijos, otra es ama de casa rica con dos hijos y la última es una mujer trabajadora que ha tenido tres hijos. Tres universos y una sola coincidencia: son mujeres. Además, son (o fueron) muy amigas.

Aguantar solo una hora y media de monólogo desesperado no es una tarea fácil, y más cuando tienes 24 años e interpretas un chico de 16 que está a punto de perder a su padre. Cuando has hecho teatro antes, pero, quizás no bastante. Cuando estás en un templo de la interpretación como el Lliure de Gràcia (donde se estrenó antes de llegar al Poliorama) y centenares de miradas pueden recordar otros cuerpos haciendo lo que haces, empezando por Pol López y aquel 'Ivan i els gossos' memorable de 2012. Pero 'Tot el que passarà a partir d'ara' parece un traje a medida, un texto que Nil Cardoner se prueba y luce con todo su esplendor.

Joan Yago, espoleado por la directora Glòria Balañà, ha escrito una obra que es a la vez penetrante, sensible, triste, un tipo de historia de aventuras en que Èric tiene que conseguir llegar al hospital donde su padre vive las últimas horas. La madre, cuando pasan pocos minutos de las diez de la noche, le llama para decirle que si se quiere despedir ya puede darse prisa. Está estirado en el sofá, con el móvil en la barriga, solo. Y toda su vida le pasa por delante, especialmente estos diez años en que el padre ha estado enfermo y no ha habido nada más que esa enfermedad. Él tiene que llegar al hospital, pero tiene 16 años, amigos y conocidos por todas partes, fiestas pendientes y un poco de mala suerte.

Ya lo dijo Marianico (aquel presidente que decía que él se ocupaba de Soria, no de Siria): los catalanes hacen cosas. La cómica norteamericana Rachel Arieff, artífice del Antikaraoke, se ha tomado estas sabias palabras al pie de la letra, y también las de Pujol (catalán es quien vive y trabaja en Cataluña). Arieff, que ya lleva unos cuantos años en Barcelona, presenta su primer monólogo humorístico en catalán. Como explica ella misma, —que, de hecho, se considera una nueva catalana—, había que sacarle partido al nivel C1 que tanto esfuerzo le costó.

En el monólogo 'Faig coses', Rachel comparte sus reflexiones sobre temas tan jugosos para el humor como el sexo, la destrucción de un imperio, el envejecimiento y la muerte, así como observaciones sobre Cataluña desde la perspectiva de una inmigrante de un lugar que es, en muchos aspectos, todo lo contrario de su nuevo y querido hogar, Cataluña. 

Aunque el foco caiga a menudo sobre los dos amantes del musical, Blanca (Alèxia Pascual) y Saïd (Jordi Garreta), 'Mar i cel' es un espectáculo muy coral, donde hace falta un buen reparto y donde todo el mundo tiene algo que decir durante las cerca de tres horas de función. La pareja es central, pero sin un buen Idriss (Berta Luna), un buen Ferran (Eloi Gómez), una buena Teresa (Clara Renom), una buena María (Candela Díaz), un buen Hasén (Albert Gràcia) y un buen Joanot (Abel García) es imposible que el espectáculo despegue.

Y no sé si es porque recordaba bastante el montaje de 2014 que en el último 'Mar i cel' he encontrado que lucían más los secundarios que los personajes principales. No es que tengamos una Blanca y un Saïd inferiores a los anteriores en general, pero sí creo que Roger Berruezo y Ana San Martín, en lo que se refiere a la voz y la interpretación, nos llevaban a otro sitio. Y es que la magnífica partitura de Albert Guinovart es intrincada.

Els Pets no solo agotan entradas en Londres, la ciudad de adopción de Lluís Gavaldà, donde han tocado recientemente con La Ludwig Band, sino también con la gira Cantant les 40 prevista para 2025 para celebrar sus cuatro décadas de trayectoria. En Barcelona tienen dos noches en La Paloma (las del 13 y el 14 de marzo) y tampoco quedan entradas.

Carlos Ballesteros (voz) y Genís Segarra (sintetizadores, ex Astrud) dieron vida a Hidrogenesse 25 años atrás con un primer single titulado Así se baila el siglo XX. Desde entonces, han culminado infinidad de proyectos, en forma de canciones, álbumes –con hitos como Un dígito binario dudoso. Recital para Alan Turing (2012)– e incluso música para televisión: son los responsables, junto a Raül Fernández Refree, de las canciones que cantan las Stella Maris en la serie La Mesías, de los Javis, lo que les ha abierto las puertas al mainstream: Acaban de firmar El destello, la canción de amor entre los triunfitos Juanjo Bona y Martín Urrutia. Hablamos de todo esto y más mientras esperamos el día de la fiesta de aniversario que preparan para el viernes 14 de marzo en La [2] de Apolo.

Sabor de Gràcia son una auténtica institución dentro de la rumba catalana. Ahora, liderado por Sicus Carbonell y actualmente formado por gitanos de Gràcia y del Raval, el grupo conmemora sus primeros 30 años de trayectoria con un doble disco lleno de colaboraciones, 30 (2024), un documental, una exposición y un gran concierto, que se tendrà lugar el 15 de marzo en la sala Paral·lel 62 dentro del 26 Festival Mil·lenni.

Además, habrá un montón de gente en el escenario. Han confirmado invitados como Lucrecia, María Toledo, Juan Carmona, Pep Sala, Aziz Ibrahim (Stone Roses, Simply Red), 31 Fam, The Barceló Brothers, Maruja Limón... y muchísimos más. Todo esto en el año en que es posible que la UNESCO declare la rumba catalana como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

La banda británica The Reytons, una de las grandes revelaciones del indie rock, hará parada en Barcelona el 27 de marzo en La [2] de Apolo dentro de su gira europea. Será la primera vez que el cuarteto de Rotherham ofrezca un concierto como cabeza de cartel en la ciudad, después de haber pasado por festivales como el FIB, Tomavistas y Mallorca Live Festival. El grupo presentará en directo su último álbum, Ballad of a Bystander, y el disco grabado en vivo durante su espectacular concierto en Clifton Park, que reunió a más de 20.000 personas.

Con un directo intenso y lleno de energía, Jonny Yerrell, Joe O’Brien, Lee Holland y Jamie Todd prometen una noche cargada de potentes guitarras y letras llenas de actitud. Tras un 2024 marcado por éxitos y un crecimiento meteórico, The Reytons llegan a Barcelona dispuestos a demostrar por qué son considerados uno de los grandes nombres del indie británico actual.

Sus fans más acérrimos seguro que recuerdan el accidentado concierto de la sala Bikini en el 2002 con el que debutó sobre un escenario en Barcelona. Aquella vez, en la que presentaba su segundo álbum, el excepcional 'Gold' (2001), Ryan Adams amenazó con marcharse sin terminar el concierto si no le devolvían el zapato que alguien le había robado al lanzarse al público. No fue su mejor noche y ya no regresó hasta el 2017, en el Cruïlla, donde presentó 'Prisoner', del mismo año.

Ahora no ha dejado pasar tanto tiempo, sólo ocho años: actuará en el Paral·lel 62 el 28 de marzo de 2025 en el marco de Heartbreaker '25 World Tour, la gira que celebra el 25 aniversario de su álbum de debut, 'Heartbreaker' (2001), un trabajo acústico magníficamente producido por Ethan Jones, que es muy probablemente todavía su mejor obra, entre la treintena de títulos comprendidos en su discografía.