Qué hacer en marzo en Barcelona

Desde el mediodía hasta la noche, el ritmo no parará con artistas como Sidonie, Doctor Prats, Ginestà, Suu, Flashy Ice Cream, Sexenni o Alfred Garcia, entre muchos otros. También descubrirás nuevas voces como Sofia Coll, FADES, Xicu, Dan Peralbo i El Comboi, Lluc ¡y muchas más!

Además, podrás acercarte a las firmas de discos de algunos de tus artistas favoritos, como Els Amics de les Arts, Miki Núñez o The Tyets, y llevarte un recuerdo único del día. Y si te entra el hambre entre actuación y actuación, no te preocupes: ¡la oferta gastronómica te hará la boca agua!

Nos visita la banda valenciana más representativas del post-punk actual: Ortopedia Técnica, de Castelló de la Plana, que con el más que notable disco Sentencia bajo el brazo despliega un conglomerado de estilos y recursos que pasan por el punk vintage, la Movida Madrileña más sólida y siniestra, el noise pop o incluso un garaje punk oxidado que los acerca a The Gun Club o The Cramps. Letras de gente joven desesperada y desesperanzada por vivir en la posmodernidad pixelada, pero, aun así, vitalistas y desvergonzados, como una especie de Ilegales centennials, con el toque macarra bien intacto. Y canciones que van más allá del ejercicio de estilo y se pegan como una mala cosa. Sí, la juventud todavía roquea que da gusto.

El protagonista de esta historia es un hombre mayor, áspero, que vive solo en la montaña, tras pasar muchos años en prisión debido a su juventud de militancia armada. El compañero de lucha que lo traicionó ha aparecido muerto al pie de una montaña, y el exmilitante comunista es el principal sospechoso, ya que rondaba por allí a la misma hora y fue, precisamente, quien avisó a emergencias. Un juez instructor cree que nuestro protagonista se ha vengado. El hombre mayor es Lluís Soler y el magistrado es Bernat Quintana.

Ambos protagonizarán un duelo de primera categoría durante el interrogatorio en el que Quintana intentará averiguar si, realmente, Soler ha asesinado al traidor. No tiene ninguna prueba y solo cuenta con su capacidad dialéctica para descubrir la verdad. Pero frente a él tiene a un hombre que desconfía del Estado, que no se arrepiente de su pasado y que no está dispuesto a ponerle nada fácil. Ni el hecho de estar detenido en prisión provisional hace que sus fuerzas disminuyan, ni que su intelecto flaquee.

Pau Roca, en la corta distancia, desprende un magnetismo muy fuerte. Sabe mirar al espectador a los ojos, esbozar una sonrisa y hacer que la persona que lo mira le devuelva el mismo gesto, aunque esté hablando de los intentos de suicidio de su madre. No es él, sino el personaje creado por Duncan Macmillan quien se expresa a través suyo, pero hay que tener una pasta especial para ponerse en según qué piel. Porque lo que se relata aquí, en Les coses excepcionals, es una auténtica tragedia vista a través de los ojos de un niño.

Un niño que crece con una madre que no quiere vivir, mientras él hace todo lo que está en sus manos para demostrarle que hay cientos de razones para seguir aquí. Irá tejiendo una lista que, a lo largo de los años, entre otros intentos y otras depresiones, se irá haciendo más y más larga, y que constituirá el esqueleto de una obra espléndida que nos hará mirar la vida de otra manera. Porque el niño que pone en marcha la función nunca dejará de ser pequeño, nunca dejará de estar pendiente de su madre.

Lo que hace Cristina Clemente en Dones de ràdio es extremadamente complicado, al alcance de muy pocos autores: una comedia a partir de una situación trágica sin perder ni una pizca de sensibilidad por el camino. Sabe que no puede burlarse del cáncer de mama, ni del drama que atraviesan millones de mujeres. Pero puede crear una situación, unos mecanismos, que provoquen esa cosa tan extraña que es reír, o al menos esbozar una sonrisa, mientras lloras.

Y todo esto es posible porque cuenta con un director que se toma muy en serio el teatro y que sabe olfatear los éxitos, que sabe subrayar frases y mover las piezas como un ajedrecista, incluso quien tiene la idea de colocar una gran roca en medio del escenario, sobre la cual girarán sus criaturas. Sergi Belbel, maestro de Clemente, ha asumido el texto como si se tratara de Yasmina Reza o de Neil Simon, como si fuera un clásico contemporáneo, cosa de la que no tengo ninguna duda que Dones de ràdio acabará siendo: con el tirón que tiene la autora en Europa y América Latina, ya deben de estar peleándose por adaptarla.

Fantàstic Ramon es la historia de un pueblo inventado, Santa Aurora de la Pietat, donde ocurrirán cosas que parecen extrañas, pero que podemos ver continuamente si levantamos la vista o prestamos bien atención. La obra comienza con la llegada de dos extraños, una profesora altamente capacitada, Margarida (Vanessa Segura), y un muñeco de trapo que nace de Clara (Anna Moliner). Dos vidas que, a pesar de los intentos, serán incomprendidas y se cruzarán de manera inevitable.

Es muy interesante la propuesta de Clàudia Cedó. Sobre todo, porque para contar la historia de un niño diferente al resto utiliza tres tipos de intérpretes: los convencionales, los que tienen diversidad funcional de su compañía Escenaris Especials y, finalmente, el muñeco de trapo. ¿Quién es el extraño?, nos viene a preguntar.

La analogía entre Muerte de un viajante de Arthur Miller y este Mort d'un comediant de Guillem Clua es clara. Basta con echar un vistazo al título. Pero, más allá de eso y del uso que hace el dramaturgo barcelonés del clásico del norteamericano, tienen poco que ver, aunque Clua haya puesto en Llorenç Cardona (Jordi Bosch) un puñado de personajes masculinos célebres, incluido Willy Loman, por los que transita a lo largo de la obra. Si al principio es un Agamenón tiránico, luego se convierte en un Lear desconcertado, después en un Enrique IV loco, para acabar en la piel de un Próspero que quiere volver a casa.

Todo comienza con un cuidador, Adri (Francesc Marginet), que es contratado por la sobrina de Llorenç, Miranda (Mercè Pons), para vigilar de cerca a su tío. No parece una tarea fácil. El enfermo es un hombre mayor, senil, que fue un gran actor. Casi la única condición que Miranda (un guiño a La tempestad) le impone al cuidador es que no hable nunca de Muerte de un viajante. Ocurre que Adri nunca ha pisado un patio de butacas, lo que anima a la vieja gloria a inyectarle el veneno del teatro, como diría Rodolf Sirera.

En 2012, cuando El principi d'Arquimedes se estrenó en la Sala Beckett, la obra de Josep Maria Miró recibió los elogios de la crítica, pero, aunque se instaló a los pocos meses en La Villarroel, podemos decir que pasó sin pena ni gloria. En cambio, en Buenos Aires llegó a estar tres temporadas seguidas en la cartelera. En Brasil, incluso, se hizo una película sobre ella. Y fue el despegue de un dramaturgo catalán que, gracias a esta obra, traducida a dieciséis idiomas, se posicionó como uno de los grandes autores europeos de nuestro tiempo. Más de una década después, el Espai Texas ha recuperado, por fin, una pieza que ha envejecido muy bien, hasta el punto de demostrar que es un clásico del teatro contemporáneo en nuestra lengua.

Hace trece años, fue el mismo Miró quien dirigió El principi d'Arquimedes en la Beckett. En el Texas, la batuta está en manos del joven Leonardo V. Granados, capaz de dotar de un tinte expresionista a un texto que juega constantemente con el punto de vista. El escenario a dos bandas juega a su favor y sabe llevar a los intérpretes hacia posiciones más firmes.

Tarrida hace un Jordi de primera. Risueño al principio. Hundido, al final. Su expresión corporal habla por sí sola. No le haría falta ni abrir la boca. Monclús, a su vez, hace muy bien el papel de persona atrapada en sus pesadillas. Su duda hace que Jordi se hunda. Y Balbàs es el espejo del protagonista, un amigo que no te gustaría tener.

¿De qué va? Por primera vez en Barcelona, tres versiones de La visión de San Francisco por el Papa Nicolás V de Zurbarán se reúnen en una misma sala. Una viene de Lyon, otra de Boston y la tercera ya estaba en casa, en el MNAC. Este encuentro inédito nos permite observar cómo el genio barroco jugó con la luz, la composición y los detalles para dar forma a su visión de una leyenda religiosa, y es el punto de partida de la exposición que el Museo Nacional dedica al maestro sevillano.

¿Por qué hay que ir? La exposición, bajo el nombre de Zurbarán (sobre)natural, no es una retrospectiva del pintor, sino que busca establecer conexiones entre el artista y creadores catalanes contemporáneos como Alfons Borrell, Toni Catany, Joan Hernández Pijuan, Josep Guinovart, Antoni Llena, Francisco Martínez, Aurèlia Muñoz, Marta Povo, Antoni Tàpies y Eulàlia Valldosera. Al enlazar piezas religiosas de Zurbarán con creaciones inspiradas en el artista o en los temas que trataba, la muestra evoca una continuidad en la síntesis formal y en la aspiración espiritual.

¿De qué va? Una escultura de franjas de colores que se apilan hasta alcanzar los siete metros de altura recibirá a los visitantes que asomen la cabeza en La Pedrera hasta el 6 de julio. Es una obra de Sean Scully, el artista abstracto dublinés que vivió en Barcelona durante 14 años y que se reencuentra con la ciudad ahora que la Fundació Catalunya La Pedrera le ha dedicado una exposición retrospectiva.

¿Por qué hay que ir? Para ver más de sesenta obras entre pinturas, esculturas y fotografías, que conforman un recorrido cronológico por las seis décadas de producción de Scully, convirtiéndose en la exposición más completa del artista que se ha hecho nunca en esta ciudad. 

¿De qué va? Nadie pinta desde cero. Pero al observar las pinturas matéricas de Antoni Tàpies, con sus colores lisos, materiales pobres y la extrema simplicidad de sus símbolos, podríamos llegar a pensar que el artista lo consiguió. En sus obras más famosas, Tàpies nos invita al silencio y a la contemplación, para que aprendamos a mirar con más profundidad en un mundo saturado de imágenes. Ahora, el museo se pregunta: ¿cuál era el imaginario de Tàpies cuando empezó a pintar?

¿Por qué hay que ir?
Para sumergirte en el entorno visual del artista a través de medio centenar de obras y más de un centenar de objetos y documentos de distintas naturalezas. Después de un año de celebración por el centenario de Tàpies, esta exposición nos invita a redescubrirlo desde nuevas perspectivas, cuestionando los relatos más hegemónicos sobre su trayectoria.

De qué va? La exposición Entre dos patios. El paso de Fina Miralles, Susana Solano y Eva Lootz por el Espai 10 reconstruye tres exposiciones emblemáticas de artistas femeninas de las décadas de 1970 y 1980 que emplean distintos medios para explorar el romance entre el cuerpo y la naturaleza. Una de ellas es Fina Miralles (1979), conocida por su obra conceptual y su exploración de la relación entre la naturaleza y la cultura a través de performances, instalaciones y obras pictóricas. Susana Solano (1980) es otra de las artistas, quien introduce un nuevo elemento en la dualidad cuerpo-naturaleza: la memoria. Utiliza materiales industriales como el hierro y el acero para crear formas abstractas que interactúan con el entorno. Finalmente, Eva Lootz (Viena, 1940) añade elementos como el tiempo, reflexionando sobre la intervención humana en la naturaleza y creando arte a partir de materiales como el mercurio, el carbón, la arena y la madera.

¿Por qué hay que ir? Para conocer estas artistas y recordar el antiguo Espai 10, una sala diáfana con grandes ventanales abiertos al Patio del Olivo y al Patio del Algarrobo. 

¿De qué va? La exposición Plegarias de resistencia recoge más de 25 años de trayectoria de Carlos Motta, un artista que explora el cuerpo y la disidencia sexual como formas de protesta política. La muestra incluye desde sus primeros autorretratos fotográficos hasta sus performances y videoinstalaciones más recientes, creando un recorrido por su evolución artística y temática.

¿Por qué hay que ir? Motta investiga los archivos históricos para revelar violencias y silencios impuestos por el poder. Cuestiona la visión eurocéntrica de la historia, la colonización y el papel de la religión como herramienta de control. Establecido en Nueva York desde los años noventa, su trabajo trata la política de género, la sexualidad y la crisis del VIH/sida.

¿De qué va? Barcelona acoge la mayor exposición jamás realizada en España y la primera de gran relevancia dedicada a Fernando Botero. Poco más de un año después de su fallecimiento, el Palau Martorell de Barcelona organiza la muestra más completa sobre la pintura del artista colombiano que se haya presentado en el país. Comisariada por Lina Botero y Cristina Carrillo de Albornoz, esta exposición rinde homenaje a uno de los artistas más importantes del siglo XX, reconocido por su estilo de volúmenes monumentales y colores vibrantes, conocido como boterismo.

¿Por qué hay ir? Para recorrer más de sesenta años de su carrera a través de más de 110 obras de todo tipo: esculturas, óleos, acuarelas, sanguinas, carboncillos, dibujos a lápiz, entre otros. Además, algunas de las pinturas que se exhiben en ‘Fernando Botero. Un maestro universal’ provienen de colecciones privadas y han sido cedidas excepcionalmente para esta exposición.

¿De qué va? La Fundació Vila Casas presenta la obra de Carles Gabarró a lo largo de cuatro décadas de experimentación pictórica, marcada por la repetición obsesiva de objetos y temas. Con una pintura matérica e intensa, Gabarró crea una iconografía propia en constante evolución.

¿Por qué hay que ir? Su pintura, alejada del consumo rápido, exige la colaboración del espectador y se convierte en un agente discursivo que dialoga con el arte, la ciencia y el pensamiento contemporáneo.

¿De qué va? Esta exposición, comisariada por Maria Garganté, explora la reivindicación de la palabra desde una perspectiva femenina y cuenta como ha sido a menudo ocultada, negada o desacreditada en la historia, la literatura y los relatos bíblicos y mitológicos.

¿Por qué hay que ir? Para conocer voces femeninas referentes en resistencia cultural a través de la palabra, gracias a una selección de obras diversa y sorprendente. Desde una Inmaculada Concepción de Luis Fernández de la Vega hasta un pequeño dibujo de 'Santa Ana enseñando a leer a la Virgen' de Picasso, pasando por un autorretrato que Caterina Albert i Paradís (Víctor Català) realizó de sí misma en 1890, hasta llegar a los dibujos de la mística Josefa Tolrà y las obras de las artistas contemporáneas Eulàlia Valldosera y Kima Guitart.

¿De qué va? Una visión inmersiva sobre la riqueza natural y cultural de la Amazonia, a través de las voces autóctonas que aportan alternativas para vivir en armonía con la naturaleza. La muestra combina arte, ciencia y activismo para abordar problemáticas como la deforestación, la sequía o el control de recursos naturales.

¿Por qué hay que ir? Para adentrarse en un recorrido sensorial desde las raíces hasta las ramas de la Amazonia, pasando por sus ríos, bosques, pueblos, rituales y habitantes. Ante la necesidad urgente de recuperar formas más respetuosas de vivir para preservarnos (al planeta y a nosotros mismos), 'Amazonias' nos propone una nueva manera de reconectar con la vida y la naturaleza, aprendiendo de la sabiduría del pueblo amazónico y evitando una visión fatalista de la situación actual.

¿De qué va? El Museu d'Arqueologia de Catalunya es uno de esos espacios que los barceloneses tenemos olvidados y en los que solamente pensamos cuando salimos a dar una vuelta por Montjuic. Pero el MAC lleva años trabajando para recuperar el esplendor del edificio de 1929, y ahora han renovado su exposición permanente, haciéndola brillar al máximo para convertirse en un museo de visita obligada.

¿Por qué hay que ir? La nueva muestra saca a la luz tesoros de época romana y tardo antigua que, hasta ahora, acumulaban polvo en las reservas del museo. Comisariada por Mario Cervera y Arturo de la Oliva, conservadores del MAC, la exposición reúne a más de doscientos objetos (algunos de los cuales constituyen verdaderos tesoros de la arqueología nacional y de la península Ibérica) en un espacio de 1.000 m² y se aproxima al Imperio Romano con la idea de que fue la primera sociedad globalizada de Occidente. 

En el año 2021, Eva Libertad y su hermana Miriam Garlo rodaron un cortometraje llamado Sorda, que hablaba sobre la maternidad y todas las ramificaciones que conlleva para una mujer no oyente. La propia Garlo, protagonista del corto, es sorda. Y la experiencia conjunta las dejó con ganas de más. Contando una historia similar y con el mismo título, pero en formato largometraje, la cineasta y la actriz desarrollan ahora un drama familiar que pone el foco en el choque entre dos mundos, el que oye y el que no, que deberían ser el mismo. Para las personas sordas, el día a día se complica, al igual que las relaciones personales y sentimentales, y aún más un hecho tan trascendental como la maternidad.

Sin moralejas ni mensajes demasiado fáciles, la película nos presenta un personaje con complejidades que no es representativo de nada más que de sí mismo, y un conflicto familiar en el que no hay ni buenos ni malos. La sordera complica aún más una comunicación humana que ya es complicada de por sí. Sorda quiere mostrar esta singularidad, las violencias sociales que sufre alguien con una discapacidad y la falta de empatía que, a veces, demasiadas veces, tenemos como sociedad. La película fue la gran ganadora del último Festival de Málaga, donde se llevó los premios a Mejor Película, el del Público y los galardones a la interpretación de Álvaro Cervantes (ex aequo con Mario Casas) y de Miriam Garlo (ex aequo con Ángela Cervantes).

Dir.: Eva Libertad (España, 2025). 100 min. Estreno: 4 de abril

Alquimistas, califas, una niña obsesionada con los fuegos artificiales y un libro robado que contiene secretos que pueden acabar con el mundo conocido. Un coming-of-age lleno de peligros situado en Al-Ándalus, en el siglo XI, que es también una suma de talentos de todo el mundo: numerosos profesionales de nuestro país (los guionistas son Xavier Romero y Llorenç Español), una directora iraní, un director de animación del prestigio del madrileño Raúl García (con experiencia en Disney y Gaumont) y una coproducción alemana, singapurense y catalana.

Todo ello para ofrecer una de las películas de animación más ambiciosas de los últimos años hechas fuera de Hollywood. Una apuesta que mezcla la belleza de sus imágenes con el sentido de la aventura más pura, perfectamente adecuada para disfrutar en familia.

Dir.: Shadi Adib (España, Alemania, Singapur, 2025). 86 min. Estreno: 11 de abril

El nombre de Gerard Oms salió del anonimato cuando, en el año 2021, apareció por partida doble en dos entregas de premios en un momento en el que el mundo vivía los efectos de la pandemia y el confinamiento: por un lado, Mario Casas le agradecía su complicidad y ayuda cuando ganó el Goya por No matarás. Por otro, los fontaneros de Seis días corrientes, de Neus Ballús, destacaban su papel fundamental cuando recogieron el premio de interpretación en el Festival de Locarno. La cuestión es que Oms era, y es, coach de actores. Y justamente cuando rodaba No matarás, recibió los ánimos de Mario Casas para lanzarse a plasmar en un guion sus inquietudes creativas: “Si lo haces, yo la protagonizaré”, le dijo.

Dicho y hecho, Muy lejos supone una apertura en canal del cineasta novel, un viaje de autodescubrimiento inspirado en lo que él mismo vivió hace unos años. Rodada en los Países Bajos y definida por Gerard Oms como un late coming-of-age, la película va más allá para reflexionar sobre la identidad, el privilegio y las minorías. Con la complicidad de un Mario Casas que nunca ha estado mejor delante de una cámara (ya fue reconocido en el Festival de Málaga, al igual que la película, ganadora del Premio del Jurado de la Crítica), y de un David Verdaguer que tiene un relevante papel secundario, los magníficos resultados de Muy lejos demuestran que la potente voz de Gerard Oms ha llegado para quedarse.

Dir.: Gerard Oms (España, 2025). 100 min. Estreno: 11 de abril

Con comedias como Todos los hombres son iguales, Boca a boca y El amor perjudica seriamente la salud, Manuel Gómez Pereira se convirtió en uno de los cineastas más taquilleros de España en los ya lejanos años 90. Últimamente dedicado a dirigir series de televisión, ahora vuelve a la gran pantalla por la puerta grande con un remake de la magistral y divertidísima Un funeral de muerte (Frank Oz, 2007), ya versionada por los estadounidenses con el mismo título.

En su adaptación, Gómez Pereira cuenta con un reparto espectacular: Quim Gutiérrez, Inma Cuesta, Belén Rueda, Ernesto Alterio, Hugo Silva, Arturo Valls, Antonio Resines… Excelentes comediantes para una trama vodevilesca que desata el caos cuando, en el funeral del patriarca, se destapa su secreto más íntimo.

Dir.: Manuel Gómez Pereira (España, 2025). 120 min. Estreno: 11 de abril

A cuatro manos. Las hermanas protagonistas de Prodigiosas desarrollan una técnica única en el mundo para seguir tocando juntas el piano cuando a una de ellas le diagnostican una rara enfermedad que afecta a sus manos. Y los Potier, padre e hijo, dirigen también a cuatro manos esta historia de superación, inspirada libremente en el caso real de las gemelas Audrey y Diane Pleynet, rebautizadas en el filme como Claire y Jeanne Vallois.

Concebida como un canto a la resiliencia, la perseverancia y el poder sanador de la música, esta producción francesa es un drama conmovedor protagonizado por Camille Rezet (conocida por la serie Emily in Paris) y Mélanie Robert, con la participación del cómico Franck Dubosc (Vacaciones sin mamá) en un inusual cambio de registro.

Dir.: Frédéric Potier y Valentin Potier (Francia, 2024). 101 min. Estreno: 16 de abril

Tras su incursión en el género de terror con fantasmas en Presence, el director Steven Soderbergh reúne un reparto estelar para construir un thriller inteligente y puro divertimento. En Confidencial, el personaje de Michael Fassbender, un espía de una agencia británica, busca a un topo dentro de su organización ante una amenaza que podría acabar con miles de vidas. Como si fuera Jessica Fletcher, el protagonista reúne en una cena a los sospechosos, entre los que destaca su propia esposa, también miembro de la agencia, interpretada por Cate Blanchett.

Junto a la pareja brillan Marisa Abela (la Amy Winehouse de Back to black), Naomie Harris (la Moneypenny de las últimas películas de Bond) y Tom Burke (Furiosa). El hiperactivo Soderbergh (33 películas y ocho series de televisión dirigidas en 36 años desde su debut con Sexo, mentiras y cintas de vídeo) añade una nueva experiencia con esta comedia de personajes disfrazada de thriller conspirativo.

Dir.: Steven Soderbergh (Reino Unido, 2025). 93 min. Estreno: 16 de abril

Cuenta Toni Soler, popular comunicador y guionista de esta película, que Parenostre no esquiva ninguna polémica. Y así es: el retrato de aquellos días previos a la publicación de la noticia sobre la fortuna no declarada en cuentas bancarias andorranas de Jordi Pujol es el de una crisis familiar, institucional, política y de país. Dirigida por Manuel Huerga (Salvador Puig Antich), la trama retrata a un Pujol que ve cómo, de la noche a la mañana, pierde un legado que creía intocable. También cómo abre los ojos ante los tejemanejes de sus hijos, que probablemente conocía al detalle, pero prefería ignorar. “Gracias por proteger a nuestros hijos”, le oiremos decir a su esposa, Marta Ferrusola.

La sombra de la corrupción, propia y también de su partido político, y el escándalo mediático del expresidente no excluyen que se hable también de las cloacas del Estado y del inicio del Procés. Primera película europea filmada íntegramente en un plató utilizando producción virtual y combinando tecnología chroma y LED, Parenostre propone al espectador un salto de fe al ver a Pujol interpretado por un entregado Josep Maria Pou, al frente de un reparto que incluye nombres como Carme Sansa, Pere Arquillué, David Selvas, Alberto San Juan, Sílvia Abril y Antonio Dechent.

Dir.: Manuel Huerga (España, 2025). 86 min. Estreno: 16 de abril

Lo de "basada en hechos reales" adquiere una enorme dimensión con esta película bélica dirigida por el británico Alex Garland, autor de la magnífica Civil war y guionista de la trilogía 28 días/semanas/años después. En esta ocasión, une fuerzas en las labores de escritura y dirección con Ray Mendoza, veterano de la Guerra de Irak, con una propuesta inmersiva que nos convierte en compañeros de un escuadrón de los Navy SEAL estadounidenses dentro del hogar de una familia iraquí, desde donde observan los movimientos de sus fuerzas en territorio insurgente.

Narrada en tiempo real, sin música pero con un poderoso uso del sonido, y basada en las experiencias de los soldados que estuvieron allí, además de la del propio Mendoza, condecorado por su participación en la misión que se cuenta en la película, la verosimilitud de la historia que relata Warfare parece fuera de toda duda. Joseph Quinn (Gladiator II) y Will Poulter (Guardianes de la Galaxia, vol. 3) son los nombres más conocidos del reparto de una historia visceral y durísima que nos recuerda que la guerra nunca termina para quienes forman parte de ella.

Dir.: Alex Garland y Ray Mendoza (Reino Unido, 2025). 95 min. Estreno: 16 de abril

A orillas del río Bidasoa se encuentra la Isla de los Faisanes, el condominio más pequeño del mundo, que pertenece seis meses al año a España y los otros seis a Francia. En este contexto, aparece un cadáver justo en el momento del intercambio de soberanía de la isla. ¿Quién debe hacerse cargo del caso?

Con esta potente y atractiva premisa, el cineasta vasco Asier Urbieta presenta su ópera prima, un thriller fronterizo y humanista de producción catalana (a cargo de Arcadia Pictures, responsables de Robot dreams, As bestas o la serie El cuerpo en llamas) y rodado en euskera, que busca, en palabras de su productora Sandra Tapia, “movilizar conciencias y hacer reflexionar al público”, mezclando el misterio con un mensaje social.

Los también vascos Jone Laspiur (gran revelación de Ane) y Sambou Diaby (visto en la serie Altsasu) son los protagonistas de la que se perfila como una de las grandes sorpresas de nuestro cine en esta temporada.

Dir.: Asier Urbieta (España, 2025). 98 min. Estreno: 25 de abril

Tras su impactante debut con Viaje al cuarto de una madre (2018) y casi encadenándola con Los pequeños amores (2024), Celia Rico Clavellino presenta su tercera película, una adaptación de la novela homónima de Rafael Chirbes que habla sobre mujeres sacrificadas y silencios tan dolorosos que parecen sentirse con la fuerza de un grito rabioso. Poco tiempo después de terminar la Guerra Civil, en un pueblo valenciano donde sus habitantes sobreviven como pueden, una mujer trata de sacar adelante a su pequeña familia: el marido, que trabaja en una fábrica, la suegra y la hija pequeña.

Interpretada por una magnífica Loreto Mauleón (gran revelación de la serie Patria), la protagonista verá cómo su triste día a día se altera con la llegada del hermano de su marido, a quien habían dado por muerto, pero que en realidad había estado preso por "rojo". A partir de entonces, descubrirá que no todo el mundo está dispuesto a sacrificarse por los suyos y se dará cuenta de que sus esfuerzos no tendrán recompensa. Roger Casamajor, Ana Rujas y Enric Auquer participan también en esta mirada femenina, sutil y delicada, a la miseria, tanto física como moral, de la posguerra española.

Dir.: Celia Rico Clavellino (España, 2025). 110 min. Estreno: 30 de abril