Cosas para hacer en Barcelona en octubre

¿De qué va? Las paredes del MACBA, siempre de un blanco inmaculado, casi quirúrgico, se han teñido de azul marino y naranja para la ocasión. La exposición dedicada a Mari Chordà, un icono del feminismo y del arte catalán, es una muestra de como los museos empiezan a valorar su obra, inseparable de la lucha feminista, y a darle el protagonismo siempre ha merecido.

¿Por qué hay que ir? Para pasear entre piezas que muestran vaginas, secreciones y cuerpos gestantes, que Chordá pintó en el período gris del franquismo tardío y la transición. Son una demostración de su carácter lúcido y su visión feminista, que la llevó también a participar en las Primeres Jornades Catalanes de la Dona, fundar una editorial feminista y abrir un bar con las amigas. Hemos querido plasmar su gran personalidad en esta entrevista. 

¿De qué va? Miró y Matisse trascendieron su contexto y se convirtieron en iconos del arte. Por eso, a veces, las imágenes les hacen sombra. La Fundació Joan Miró estrena una exposición que quiere cuestionar los clichés sobre estos dos creadores. La muestra expone las relaciones profundas y constructivas entre Miró y Matisse, que quedaron plasmadas en sus concepciones del arte y sus obras. 

¿Por qué hay que ir? Para descubrir como Miró y Matisse se reconocieron y admiraron, aunque "nunca llegaron a imitarse". La exposición nos muestra preocupaciones comunes e intereses compartidos, como la inspiración que los dos recibieron por el paisaje mediterráneo y la costa catalana, o la fascinación por el valor intrínseco de los objetos cotidianos, que ambos plasmaron en sus naturalezas muertas.

¿De qué va? "Si hay un edificio de Barcelona hecho a medida para acoger las esculturas de piedra de los mejores artistas contemporáneos, este debe ser La Pedrera". Penelope Curtis, comisaria de esta nueva exposición y exdirectora de la Tate Britain de Londres, lo tenía clarísimo. Por eso, cuando le pidieron que preparara una exposición sobre la escultora Barbara Hepworth en la Casa Milà, ella hizo una contrapropuesta que consistía en agrupar a los grandes creadores que trabajaron la piedra después de la Segunda Guerra Mundial bajo el mismo techo, cortesía de Antoni Gaudí.

¿Por qué hay que ir? Para ver como luz que viene del Passeig de Gracia se cuela primero por los balcones y los ventanales de La Pedrera y, después, se desliza entre las curvas, los agujeros y las transparencias de las esculturas de su interior. Piezas de Hans Arp, Louise Bourgeois, Eduardo Chillida, Naum Gabo, Barbara Hepworth, Henry Moore, Isamu Noguchi y Jorge Oteiza nos enseñan cómo, a mediados del siglo XX, la piedra dejó de ser un material asociado al clasicismo y los valores occidentales para ser un campo de experimentación artística.

¿De qué va? Un inventario de obras de artistas catalanes y catalanas que vivieron y trabajaron en la Ciudad de la Luz, en busca de un destino que les permitiera ejercer su arte en libertad, realizar encargos de moda de la época o darse a conocer.

¿Por qué hay que ir? Para viajar a París, la capital del arte moderno, gracias a un compendio de piezas artísticas inspiradas en la ciudad y creadas por pintores, grabadores, ilustradores, músicos, intérpretes, escritores, periodistas y otras figuras destacadas. Santiago Rusiñol, Ramon Casas, Isidre Nonell, Pablo Picasso, Joaquim Sunyer, Lluïsa Vidal, Laura Albéniz, Pau Casals, Isaac Albéniz, Enric Granados, Joaquim Nin, Maria Gay o Jaume Brossa son solo algunos de los nombres presentes en esta muestra.

¿De qué va? Esta exposición, comisariada por Maria Garganté, explora la reivindicación de la palabra desde una perspectiva femenina y cuenta como ha sido a menudo ocultada, negada o desacreditada en la historia, la literatura y los relatos bíblicos y mitológicos.

¿Por qué hay que ir? Para conocer voces femeninas referentes en resistencia cultural a través de la palabra, gracias a una selección de obras diversa y sorprendente. Desde una Inmaculada Concepción de Luis Fernández de la Vega hasta un pequeño dibujo de 'Santa Ana enseñando a leer a la Virgen' de Picasso, pasando por un autorretrato que Caterina Albert i Paradís (Víctor Català) realizó de sí misma en 1890, hasta llegar a los dibujos de la mística Josefa Tolrà y las obras de las artistas contemporáneas Eulàlia Valldosera y Kima Guitart.

¿De qué va? Madola ha estado siempre comprometida con un mismo material: la cerámica. La tierra, el agua, el aire y el fuego son los pilares de esta ancestral práctica que ha dominado a lo largo de los sesenta años de trayectoria, durante los cuales la artista ha consolidado un trabajo escultórico que nos habla de los gestos más sencillos y, a su vez, de los más espirituales.

¿Por qué hay que ir? La cerámica de Madola consigue algo muy difícil: que una escultura pueda hablarnos de algo que no se ve. En el cruce de este misterio encontramos las piezas de Madola, que son a su vez una casa y un templo, un vaso y un cáliz, una mesa y un altar, una caja y una urna, una piedra y un monumento.

¿De qué va? Una visión inmersiva sobre la riqueza natural y cultural de la Amazonia, a través de las voces autóctonas que aportan alternativas para vivir en armonía con la naturaleza. La muestra combina arte, ciencia y activismo para abordar problemáticas como la deforestación, la sequía o el control de recursos naturales.

¿Por qué hay que ir? Para adentrarse en un recorrido sensorial desde las raíces hasta las ramas de la Amazonia, pasando por sus ríos, bosques, pueblos, rituales y habitantes. Ante la necesidad urgente de recuperar formas más respetuosas de vivir para preservarnos (al planeta y a nosotros mismos), 'Amazonias' nos propone una nueva manera de reconectar con la vida y la naturaleza, aprendiendo de la sabiduría del pueblo amazónico y evitando una visión fatalista de la situación actual.

¿De qué va? La Sala Parés celebra el 150º aniversario de Joaquín Torres-García con esta exposición: 120 obras, entre óleos, dibujos y juguetes, que ejemplifican cuatro décadas de la trayectoria del artista uruguayo, desde su etapa noucentista en Catalunya hasta su regreso a Montevideo en 1934, pasando por Nueva York, París y Madrid.

¿Por qué hay que ir? ¿Un pintor que también hace juguetes de madera pintada? Quizás es una de las particularidades más llamativas de Torres-García, quien comenzó a crearlos tras una época marcada por el academicismo, como una forma de ganarse la vida con un producto artístico que también tuviera salida comercial. Pero es mucho más que eso: es una expresión de su filosofía plasmada en el arte, el anhelo de regresar a una infancia de la humanidad y a una infancia de las formas, aquella Arcadia idealizada.

¿De qué va? La exposición 'AMAZÔNIA', de Sebastião Salgado, llega a Barcelona tras una gira internacional por ciudades como Madrid, París y São Paulo, donde ha recibido más de 1,5 millones de visitantes. La muestra es el resultado de siete años de expediciones del fotógrafo brasileño en la Amazonia, con el objetivo de retratar su extraordinaria belleza y concienciar sobre la necesidad de preservar esta región vital del planeta.

¿Por qué hay que ir? Comisariada y diseñada por Lélia Wanick Salgado, la muestra incluye más de 200 fotografías de gran formato, 7 películas y una ambientación sonora compuesta por Jean-Michel Jarre, basada en sonidos reales de la selva. La sala recrea la atmósfera de la Amazonia, con imágenes que destacan paisajes naturales como ríos serpenteantes, tormentas tropicales y montañas cubiertas de selva, así como retratos que muestran las culturas y rostros de los pueblos indígenas, como los Yanomami o los Awá-Guajá.

¿De qué va? 'Accidente' de Helena Vinent, en el Espai 13 de la Miró, clausura el ciclo 'Nos acompañaremos cuando anochezca' (2024), comisariado por Irina Mutt, que propone reflexionar sobre la interdependencia.La obra de Vinent, inspirada en su experiencia como persona sorda y 'disca', subvierte la mirada capacitista que infantiliza y despoja de deseo, agencia y poder político a las personas con diversidad funcional. 

¿Por qué hay que ir? A través de construcciones inaccesibles como muros o escaleras y experiencias que alteran los recorridos habituales, Vinent obliga a los visitantes a buscar alternativas para acceder a la exposición. Dentro de un ascensor, una pieza sonora ofrece una reinterpretación subversiva de las guías audiodescriptivas, jugando con la confusión y los malentendidos para cuestionar la obsesión capacitista de comprenderlo todo. La exposición también explora las posibilidades de las didascalias (subtítulos para sonidos no verbales) como herramienta para tensionar los márgenes de la interpretación. Reivindicando los errores en la traducción entre mundos oyentes y no oyentes, Vinent invita a imaginar desde su propia experiencia como persona sorda. En definitiva, una propuesta de relectura crítica del mundo, que también invita a aliarse con quienes cuestionan su propia posición de privilegio.

¿De qué va? El Museo CA2M (Madrid) y el MACBA (Barcelona) presentan la evolución de la escultora y artista Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) en dos sedes con perspectivas complementarias. Con una larga trayectoria en el arte de las esculturas de gran tamaño, Solar explora la relación entre el cuerpo humano y sus estructuras en diálogo con materiales naturales. 

¿Por qué hay que ir? La muestra recorre su carrera desde sus inicios con el vídeo, la cerámica y los experimentos blandiformes, hasta llegar a las grandes esculturas inmersivas que definen su lenguaje propio, donde resistencia del lenguaje y la morfología del habla son temáticas clave. 

¿De qué va? El Museo Nacional de Arte de Catalunya destaca la trayectoria de un artista de gran personalidad, nacido en Badalona en 1876 y estrechamente vinculado al movimiento modernista catalán. Sus primeros pasos artísticos lo situaron en el entorno de 'Els Quatre Gats', un círculo de encuentro para artistas emergentes, donde se relacionó con figuras como Pablo Picasso, Joaquim Mir y Carles Casagemas.

¿Por qué hay que ir? Torent desarrolló una obra que oscilaba entre el retrato y el costumbrismo, con influencias del simbolismo y el postimpresionismo. Su talento y carácter abierto lo ayudaron a escalar hasta París, donde conquistó al público parisino con la tendencia costumbrista del momento. También viajó a Argentina y Nueva York, donde continuó desarrollando su estilo, especialmente en el retrato y el paisajismo decorativo.

¿De qué va? El Centre d’Art Tecla Sala de L’Hospitalet acoge la primera gran retrospectiva de Pilar Aymerich, que reúne más de 150 fotografías de la ganadora del Premio Nacional de Fotografía en 2021, junto con una película, un documental y material de archivo.

¿Por qué hay que ir? Comisariada por Neus Miró, la muestra incluye imágenes icónicas y fotografías poco conocidas, como las tomadas en La Habana en 1982 y el proyecto 'Viajeras en La Habana', creado con la historiadora Isabel Segura. Incluso, se puede ver un 'film' titulado 'Entreacto', donde la fotógrafa cambia de rol y aparece detrás de la cámara actuando en una pieza teatral.

¿De qué va? La exposición 'Tàpies. Arte y activismo', que se podrá visitar hasta el 2 de febrero en el Museo de Historia de Cataluña, muestra la faceta más comprometida de Antoni Tàpies, un artista que integró el arte y el activismo en su vida y obra para defender los derechos humanos y las causas sociales. Con una amplia colección de obras y documentos inéditos, la exposición refleja cómo Tàpies (Barcelona, 1923-2012) convirtió su ideario vanguardista en una herramienta de acción. Para el artista, el arte siempre estuvo intrínsecamente ligado a la política.

¿Por qué hay que ir? Para conocer como Tàpies intensificó su activismo durante la dictadura franquista, uniéndose a movimientos como la Capuchinada y el Encierro de intelectuales en Montserrat. Estos hechos marcaron su camino hacia una lucha activa por las libertades de Catalunya, que se consolidó durante la transición democrática, participando en eventos centrales como el Congreso de Cultura Catalana y la Marcha de la Libertad, y aliándose con movimientos políticos como la Assamblea de Catalunya o el PSUC.

¿De qué va? La exposición 'La anguila. La carne como pintura y la pintura como espejo' ofrece una revisión profunda de su obra artística y literaria, centrada en su novela La Anguila.  Esta muestra constituye un punto de inflexión en su trayectoria, ya que combina pintura y literatura para explorar temas profundos e íntimos relacionados con las vivencias de las mujeres, como la sexualidad, el parto, el aborto, el abuso y la violencia.

¿Por qué hay que ir? Bonet explora un lenguaje pictórico que oscila entre la figuración y la abstracción, presentando obras inéditas, grandes formatos que invitan a la reflexión y pinturas de retratos, un estilo que la autora había dejado de lado durante un tiempo. La exposición está dividida en tres ámbitos: Herencia, Carne y Pintura, e incluye elementos sonoros con fragmentos de su novela autobiográfica. 

¿De qué va? ¿Quién no recuerda la emblemática tienda Vinçon? Ese templo del diseño que, durante décadas, convirtió el Paseo de Gracia en un punto de encuentro para los amantes de la arquitectura, el arte y la creatividad. No solo fue un espacio de venta de objetos y mobiliario, sino un referente cultural y estético en la ciudad de Barcelona. Ahora, la exposición ‘100 objetos de IKEA que nos hubiera gustado tener en Vinçon’, que se puede ver en el Disseny Hub Barcelona, os propone un ejercicio de nostalgia y, a la vez, de imaginación.

¿Por qué hay que ir? Esta muestra temporal, comisariada por el arquitecto Juli Capella y basada en una idea original de Fernando Amat, director y alma de Vinçon, explora el papel democratizador del diseño tanto en Vinçon como en IKEA. A través de un diálogo entre el diseño escandinavo y el mediterráneo, la exposición reflexiona sobre la evolución de conceptos como la sostenibilidad y la funcionalidad, así como la influencia del diseño en nuestro bienestar cotidiano. 

¿De qué va? El Centre d'Arts Santa Mònica reúne a siete colectivos artísticos que, desde prácticas poéticas y políticas, exploran zonas de invisibilidad donde la violencia sistémica vulnera derechos. Esta muestra va más allá de una simple exposición: es una intervención colectiva en el espacio institucional, donde se abren grietas para cuestionar los límites de la norma y la hegemonía cultural.

¿Por qué hay que ir? Los colectivos participantes -entre ellos Agitació Diska, DU-DA, La Creatura y Sitesize- abordan temas como la soberanía del agua, el trabajo sexual, el dolor crónico y los derechos culturales. A través de instalaciones y otros formatos artísticos, ponen en evidencia las complejidades y tensiones entre derechos y exclusiones, cuestionando quién participa en estos derechos y quién queda fuera.

¿De qué va? La gran exposición del Año Tàpies llega a Barcelona tras ser presentada en el Bozar de Bruselas y en el Reina Sofía, en Madrid. Allí se agrupan más de cien obras procedentes de todo el mundo, algunas de las cuales se presentan en Barcelona por primera vez.

¿Por qué hay que ir? La muestra permite explorar en profundidad la figura de Tàpies haciendo un recorrido de 1943 a 2011 que no se centra en la vida del artista, sino en cómo el Tàpies iba situándose en el mundo, relacionándose con el arte y consigo mismo. Las obras permiten conocer las investigaciones plásticas que obsesionaron al artista durante toda su vida y que le llevaron a experimentar con todo tipo de soportes, técnicas y materiales: hay dibujos, collages, pinturas, objetos y esculturas de papel, cartón, madera, polvo de mármol, bronce o barniz.

¿De qué va? Cincuenta años después de su muerte, la Fundación Vila Casas recupera la figura de Francesc Domingo i Segura con una exposición que reúne obras de todas sus etapas artísticas. Originario de Sant Just Desvern, desarrolló su carrera artística junto a Josep Llorens Artigas hasta convertirse en un referente del arte proletario.

¿Por qué hay que ir? Para descubrir esta figura catalizadora de la Agrupación Courbet, junto con Enric C. Ricart, Rafael Sala y Joan Miró, quienes conoció en el Cercle Artístic de Sant Lluc ya los que se añadieron Josep Francesc Ràfols, Marian Espinal, Rafael Benet , Josep Obiols y Joaquim Torres-García. La trayectoria de Domingo culmina con una auténtica traducción cultural en su etapa de Brasil, donde sublimará el tema de la maternidad, que bebe de las vírgenes del arte románico y gótico catalanes. 

¿De qué va? Tuan Andrew Nguyen es el ganador de la octava edición del Premio Joan Miró, un reconocimiento que destaca a artistas que mantienen el legado de Joan Miró y sus ideales. Nacido en Saigón y criado como refugiado en Estados Unidos una vez terminada la guerra, este artista utiliza su experiencia personal y la historia de su país como hilo conductor de su obra. Así, de entrada, puede parecer sorprendente que un artista vietnamita haga arte que se asemeje al que Miró cultivó a lo largo de su trayectoria, pero sus móviles metálicos (grandes o pequeños, algunos dorados y otros plateados, inspirados en Alexander Calder) tienen una esencia mironiana innegable. 

¿Por qué hay que ir? Los móviles de Nguyen están hechos con fragmentos de bombas y proyectiles que se utilizaron durante la Guerra de Vietnam. Hablan de la violencia de este conflicto largo y mortífero, pero también tienen su lado sanador: son piezas sonoras, afinadas para emitir frecuencias con propiedades sanadoras, similares a las de un gong. Así, la obra de Nguyen nos invita a hacer un camino del trauma bélico a la sanación colectiva. 

¿De qué va? El Museu d'Arqueologia de Catalunya es uno de esos espacios que los barceloneses tenemos olvidados y en los que solamente pensamos cuando salimos a dar una vuelta por Montjuic. Pero el MAC lleva años trabajando para recuperar el esplendor del edificio de 1929, y ahora han renovado su exposición permanente, haciéndola brillar al máximo para convertirse en un museo de visita obligada.

¿Por qué hay que ir? La nueva muestra saca a la luz tesoros de época romana y tardo antigua que, hasta ahora, acumulaban polvo en las reservas del museo. Comisariada por Mario Cervera y Arturo de la Oliva, conservadores del MAC, la exposición reúne a más de doscientos objetos (algunos de los cuales constituyen verdaderos tesoros de la arqueología nacional y de la península Ibérica) en un espacio de 1.000 m² y se aproxima al Imperio Romano con la idea de que fue la primera sociedad globalizada de Occidente. 

El Centre d’Art Tecla Sala de L’Hospitalet acoge la primera gran retrospectiva de Pilar Aymerich, titulada 'Pilar Aymerich. Memoria vivida', hasta el 30 de marzo de 2025. Esta exposición reúne más de 150 fotografías de la ganadora del Premio Nacional de Fotografía en 2021, junto con una película, un documental y material de archivo. Ofrece una visión completa de su trayectoria, donde destacan sus facetas como fotógrafa de calle y de eventos culturales (centrada en el mundo del teatro).

Comisariada por Neus Miró, la muestra incluye imágenes icónicas y fotografías poco conocidas, como las tomadas en La Habana en 1982 y el proyecto 'Viajeras en La Habana', creado con la historiadora Isabel Segura. Incluso, se puede ver un 'film' titulado 'Entreacto', donde la fotógrafa cambia de rol y aparece detrás de la cámara actuando en una pieza teatral. Esta situación no debería sorprender, ya que Aymerich realizó estudios en dirección teatral, aunque este arte lo puso, mayoritariamente, al servicio de la fotografía, tanto para capturar momentos en escena como para planificar la escenografía al hacer una fotografía.

Definitivamente, fue una de las modeladoras de la construcción del imaginario gráfico del teatro de la época de los 60 y 70, y también es un referente del fotoperiodismo de la segunda mitad del siglo XX, con una mirada humanista, feminista y de proximidad que rehúye la objetividad fría del documental. Su cámara ha capturado momentos clave de la sociedad española durante el tardofranquismo y la Transición, documentando movimientos sociales, manifestaciones y huelgas con un estilo narrativo potente y un compromiso ético.

Podría caer en el más espantoso de los ridículos, pero no. Pisa con firmeza la cuerda floja por la que transita desde el minuto uno para hipnotizar al espectador con una mezcla aparentemente imposible: con su nueva película, Jacques Audiard (director de títulos como 'Un profeta' y 'París, distrito 13 ') propone lo que definen como un 'narcomusical queer' que navega constantemente entre la genialidad y el disparate, mientras sale airosa de cada uno de los retos que asume.

La película sigue la peripecia de un poderoso y temido jefe de un cártel de la droga mexicano que decide dar el paso que sueña desde pequeño: Manitas del Monte se ha oído siempre a una mujer, y secuestra a una abogada porque le organice un cambio de sexo con la máxima discreción. Entre el corrido, la ópera y el folletín, Audiard llena de canciones y música esta trama, y ​​nos convence de una tesis que podría ser discutible: la transición es también la del asesino sanguinario redimido y convertido en una mujer que trabaja para la comunidad. Qué descubrimiento el de la madrileña Karla Sofía Gascón, interpretando el doble papel de narcotraficante y de benefactora de las familias que ella misma había destrozado en su vida anterior. Suena con fuerza su nominación al Oscar, que podría significar la primera de una actriz trans.

Dir.: Jacques Audiard (Francia, 2024). 130 min. Estreno: 5 de diciembre.

Situada dos siglos antes de los hechos de 'El Señor de los Anillos: Las Dos Torres', esta nueva aproximación cinematográfica al imaginario creado por JRR Tolkien explora la historia nunca contada del Abismo de Helm y de su fundador, Helm Hammerhand (que en la versión original cuenta con la voz de Brian Cox, el patriarca de 'Succession'), Rey de Rohan. En manos del japonés Kenji Kamiyama ('Ghost in the Shell: Stand Alone Complex', la serie de Netflix 'Ultraman'), la película apuesta por la animación con inspiración anime. Y en su regreso a la Tierra Media, la película ofrece una aventura épica que hace guiños a la saga original (la magia de la tecnología resucita la voz del mítico, y traspasado, Christopher Lee aka Saruman) y alimenta la pasión desatada de los fanáticos de la obra tolkiana.

Dir.: Kenji Kamiyama (Japón, 2024). 130 min. Estreno: 5 de diciembre.

Nadie podrá discutir la pasión de Robert Zemeckis por la aplicación de la tecnología en su cine. De '¿Quién engañó a Roger Rabbit?' (1988) hasta 'Polar Express' (2004), el director ha experimentado constantemente con las posibilidades que ofrecía el progreso. Pero también con las narrativas. Y ahora, con 'Here (Aquí)', y cuando ya no tiene que demostrarle nada a nadie, el cineasta hace una de las apuestas más arriesgadas de su carrera: la adaptación de la novela gráfica homónima de Richard McGuire es una poderosa reflexión sobre la velocidad supersónica del paso del tiempo, y sobre aquellas decisiones que marcan nuestras vidas, los caminos que emprendemos sin vuelta atrás.

Y lo hace situando la cámara en la esquina de la sala de estar de una casa, convirtiendo la vivienda (y no solamente, ya veréis) en el testigo, el punto de vista, de las historias humanas de todos los que viven allí durante un siglo. Conmovedora, a ratos abrazando cierta sensiblería sin complejos, 'Here (Aquí)' reproduce de algún modo las viñetas de su inspiración editorial. Y juega con otra carta: la reunión de Zemeckis, treinta años después, con el guionista Eric Roth, y la pareja protagonista de la magistral 'Forrest Gump' (1994), unos Tom Hanks y Robin Wright rejuvenecidos gracias a la magia de la IA. Un equipo ganador en aquellos años 90 que ahora se niega a jugar con las reglas del algoritmo, ofreciendo una película que navega a contracorriente con las emociones de siempre.

Dir.: Robert Zemeckis (EE.UU., 2024). 104 min. Estreno: 5 de diciembre

David Baute, documentalista y director del Festival Internacional de Cine Medioambiental de Canarias, dirige este largometraje animado para adultos que, en sus propias palabras, "busca hacer llegar un mensaje, un mensaje muy duro". Producida por Edmond Roch ('Saben aquell', la trilogía 'Tadeo Jones'), esta producción catalana retrata el drama de las personas obligadas a migrar a consecuencia de los devastadores efectos de la crisis climática: tres mujeres de puntos distintos del planeta tienen en común lo mismo que millones de personas vulnerables desplazadas por el impacto de esta nueva realidad.

Y el de ellas es el punto de vista que toma 'Mariposas negras', un filme que impacta por la experiencia visual que propone, y que plantea preguntas necesarias y urgentes sobre el futuro del planeta y el papel de unas instituciones inútiles a la hora de tomar medidas para detener lo que ahora mismo parece imparable.

Dir.: David Baute (España, 2024). 83 min. Estreno: 5 de diciembre

Un desafortunado golpe en la cabeza abre la caja de los truenos y hace que Papá Noel despierte del K.O. convencido de ser el superhéroe de una famosa saga cinematográfica. Lógicamente, el caos se apodera del Polo Norte, poniendo la Navidad en peligro cuando un avaricioso fabricante de juguetes quiere aprovecharse de la coyuntura para apoderarse del taller de Santa. Una niña, un robot y un elfo formarán equipo con el autollamado SuperKlaus para volver a poner las cosas en orden. Esta es la premisa de una historia de aventuras llena de humor, en una coproducción hispano-canadiense que demuestra la buena salud de la animación en el país.

Los valores familiares, la soledad de una infancia demasiado dependiente de la tecnología y las pantallas, y la responsabilidad de unos adultos atrapados por las obligaciones laborales son algunas de las temáticas que navegan una película destinada a hacerse un hueco en las preferencias del público en las próximas fiestas de Navidad y que llegará también doblada al catalán.

Dir.: Andrea Sebastiá y Steve Majaury (España, 2024). 88 min. Estreno: 5 de diciembre

En 1892, las tropas coloniales francesas saquearon los tesoros reales del africano reino de Dahomey, el actual Benín. Hace tres años, una treintena de estas obras de arte regresaron a su país de origen. Un hecho histórico que sirve a la cineasta franco-senegalesa Mati Diop para proponer una reflexión sobre los efectos del poscolonialismo y en la reparación de las antiguas potencias, poniendo el foco en un debate entre estudiantes de la Universidad de Abomey-Calavi que señala contradicciones y abre más preguntas que las responde. Diop, la primera directora africana en competir por la Palma de Oro en Cannes con su debut, 'Atlantics' (finalmente ganadora del Gran Premio del Jurado), confirma su brillante visión cinematográfica con este apasionante documental que se llevó el Oso de Oro en el último Festival de Berlín.

Dir.: Mati Diop (Senegal, 2024). 67 min. Estreno: 13 de diciembre

El título de la ópera prima de la cineasta valenciana María Trénor coincide con el de un álbum histórico del británico Robert Wyatt. Miembro fundador de Soft Machine y líder de Matching Mole, músico de culto, es el inspirador de una película animada en la que confluyen la escena hippie en la España mediterránea de los años 70 y la psicodelia, mientras sigue el amor autodestructivo de una pareja que navega entre la creación artística y las adicciones. Siempre con la música de Wyatt como banda sonora más que protagonista. Producida por la catalana Alba Sotorra ('El retorno: la vida después del ISIS'), la película compitió en la Sección Oficial del prestigioso Festival de Annecy, todo un aval en el mundo de la animación, y revela a Trénor como un talento a tener muy en cuenta y para no perderle la pista.

Dir.: María Trénor (España, 2024). 85 min. Estreno: 13 de diciembre

La muerte de un Papa y las intrigas, conspiraciones y maquinaciones tras la elección de quien debe ocupar su puesto como jefe del Vaticano inspira a este atmosférico thriller que plantea un juego de truenos en toda regla, y juega las cartas de los giros de guion con enorme habilidad. Dirigida por Edward Berger (el mismo de la sensacional 'Sin novedad en el frente'), y con un reparto de lujo que incluye un Ralph Fiennes a quien, en la piel del cardenal que supervisa todo el proceso, todas las quinielas sitúan en las próximas nominaciones al Oscar. Le acompañan John Lithgow, Isabella Rossellini y Stanley Tucci.

'Cónclave' abre sus puertas a temas como las dudas de fe, las guerras ideológicas y culturales, los prejuicios sexistas, homófobos y racistas, y los escándalos sexuales que en los últimos tiempos no dejan de sacudir a la Iglesia Católica. 'Habemus Papa', 'habemus' película en Navidad.

Dir.: Edward Berger (Reino Unido, 2024). 118 min. Estreno: 20 de diciembre

Pocos imaginarios visualmente más poderosos podemos encontrar en el cine contemporáneo. Paolo Sorrentino ha construido, junto a sus películas, un sello estético, sonoro y narrativo que hace imposible no reconocer su mano viendo un único fotograma de cualquiera de sus obras. La personalidad del director de la ya inmortal 'La gran belleza' (2013) sigue bien presente en su última propuesta: 'Parthenope' es el nombre de la película y también el de una sirena de la mitología griega que después bautizaría una ciudad situada en la que ahora encontramos Nápoles, allí donde nació el cineasta.

Pero 'Parthenope' también es el nombre de la protagonista de esta película (interpretada por la magnética debutante Celeste Dalla Porta), una chica seductora hasta el infinito, consciente de su nada terrenal belleza, fascinada por la antropología y que debe gestionar las tragedias familiares y el deseo de casi todo el mundo que se cruza por su camino. La fascinación barroca de Sorrentino por las imágenes decadentes y grotescas, y su interacción con la belleza del paisaje y de la protagonista, marcan el paseo por el amor y la muerte de una mujer enigmática y de personalidad devastadora.

Dir.: Paolo Sorrentino (Italia, 2024). 138 min. Estreno: 25 de diciembre

Películas como 'La bruja' (2015), 'El faro' (2019) o 'El hombre del Norte' (2022) han convertido a Robert Eggers en uno de los cineastas de culto del cine estadounidense. Ahora se atreve a reversionar la película homónima, un siglo después que F.W. Murnau la convirtiera en icono del cine mudo y de terror. Descrita por sus productores como una historia gótica de obsesión desatada, 'Nosferatu' cuenta la historia de una chica atacada por un aterrador vampiro enamorado de ella.

La etiqueta de ser uno de esos cineastas con los que todo el mundo quiere trabajar hacen que Eggers haga una carta a los Reyes y pueda contar con un magnífico cast encabezado por Bill Skarsgård (el payaso Pennywise de 'It') y Lily-Rose Depp (hija de Vanessa Paradis y Johnny Depp), y secundados por Willem Dafoe, Nicholas Hoult, Aarón Taylor-Johnson y Emma Corrin (la Lady Di de 'The Crown'). Terror de calidad para cerrar el año.

Dir.: Robert Eggers (EE.UU., 2024). 132 min. Estreno: 25 de diciembre

Marc Vilajuana y Alejandro Narés son 'Grego' y 'Techno', para entendernos. El cantante, actor y bailarín (buscadlo en la familia del Club Súper 3 a parte de proyectos como 'Acte de fe') se ha unido al músico y productor para dar forma a Gregotechno, un proyecto singular y estimulante que saca el canto gregoriano de la iglesia y lo acerca en la pista de baile. Curiosamente, la combinación funciona de maravilla, quizás porque ambas músicas invitan a cierta introversión y búsqueda de trascendencia, aunque sea en el cuerpo, y justamente por eso titulan su espectáculo 'La litúrgia del cos', que presentan en concierto el 18 de diciembre en La [2] de la Sala Apolo, con los visuales de Xavier Arqué (doctor en nanobiotecnología especializado en microscopía y audiovisuales). Por el momento, podéis escuchar online algunos de los singles que formarán parte de su primer EP.