Grec 2016: 13 espectáculos imprescindibles

Autoría: Louis Couperus. Versión y adaptación: Peter van Kraaij. Dirección: Ivo van Hove. Dramaturgia: Peter Van Kraaij. Interpretación: Aus Greidanus jr., Gaite Jansen, Gijs Scholten van Aschat, Halina Reijn, Jip van den Dool, Maria Kraakman, Marieke Heebink, Vanja Rukavina.  

Publicado poco antes de la muerte del artista en este mismo año, el videoclip del tema de David Bowie 'Lazarus' puso a Ivo van Hove en el mapa del star-system cinematográfico y le ha dado una proyección que pocos directores teatrales llegan a tener. Sin embargo, él ya era un nombre fundamental del teatro contemporáneo, como saben los espectadores del Grec, a quienes adentró en el universo shakespeariano con sus 'Tragedias romanas', fascinó con el imaginario visual de 'El manantial' (The Fountainhead) y emocionó con su visión íntima de 'La voz humana'. Ahora, Van Hove nos descubre la obra de uno de los grandes de la literatura holandesa. Es Louis Couperus (1863-1923), autor de una novela visionaria sobre el enfrentamiento entre dos culturas irreconciliables: Oriente y Occidente. La historia tiene como escenario Java, donde el gobernador Otto van Oudijck controla con mano firme su provincia. Es sensible a la cultura local, pero está convencido de su superioridad como europeo sobre los pueblos que gobierna. No obstante, un enfrentamiento con el hermano de un príncipe local desencadenará unas fuerzas sobrenaturales y ocultas.

Autoría: Anton P. Txékhov. Adaptación y puesta en escena: Luk Perceval. Dramaturgia: Koen Haagdorens. Interpretación: Elsie de Brauw, Briek Lesage, Katrin Lohmann, Bert Luppes, Peter Seynaeve, Zoë Thielemans, Frank Focketyn, Steven Van Watermeulen y Laura Mentink.

Chéjov escribió con sólo 18 años esta pieza teatral, que tomaba la forma de un experimento escénico de cerca de ocho horas de duración. El director flamenco Luk Perceval ha hecho una condensación en la que ha suprimido la mitad de los personajes. En su versión, nueve actores y un pianista encargado de hacer un comentario musical de las escenas nos muestran unos personajes solitarios y lo que cada uno espera del amor. Todo comienza con un Platonov a punto de suicidarse, una modificación de la versión original de la obra, en la que lo asesina un personaje femenino. Comienza así un viaje a través de los hechos que han precedido a la muerte del protagonista durante el cual conoceremos a Anna Petrovna, una viuda que vuelve a convocar a sus amigos para celebrar la llegada de la primavera.

Yehudit Arnon es el nombre de una bailarina nacida en la antigua Checoslovaquia que durante la Segunda Guerra Mundial sobrevivió a los campos de exterminio nazis, a pesar de haberse negado a bailar para sus captores. Años después de la guerra se instaló en el kibbutz Ga'aton, en Galilea, donde fundó un centro de danza y fue una de las creadoras del International Dance Village. Allí viven y trabajan un centenar de bailarines de nacionalidades diversas. Y tiene la sede la Kibbutz Contemporary Dance Company, dirigida por el coreógrafo Rami Be'er. La personalidad de Be'er, que trabajó con Yehudit Arnon desde la niñez, empapa toda la compañía, que sólo interpreta sus creaciones, como esta 'If At All'. Es una celebración de la vida en común que, como explica el propio director y coreógrafo, se articula siempre en círculos que van de los más íntimos a los socialmente más amplios. De aquí que la circularidad marque las interpretaciones de los bailarines, la estructura de las coreografías que interpretan y la composición en sí misma.

Autoría y dirección: Mariano Pensotti. Interpretación: Santiago Gobernori, Mauricio Minetti, Andrea Nussembaum, Agustín Rittano y Julieta Vallina.

Si os preguntáis qué validez tienen las ideas revolucionarias que defendíamos hace tiempo, o si en algún momento os habéis mirado al espejo y habéis descubierto que no os parecéis a la imagen que teníais de vosotros mismos, la propuesta escénica de Mariano Pensotti os parecerá hecha a medida. Nació de una historia real: a raíz del golpe de estado en Argentina el padre del director enterró en el jardín de casa de los abuelos una serie de objetos comprometedores. No los volvió a ver hasta cuarenta años después, cuando el nuevo inquilino de la casa se quiso hacer una piscina y los encontró. Su propietario se enfrentó así con la persona que había sido. Y reconoció todos los objetos como propios, salvo uno. La búsqueda del origen de este objeto supuestamente ajeno es el hilo conductor de una serie de historias que protagonizan un director que trata de volver a poner en escena una obra que ya había representado quince años atrás, una cantante que canta las canciones de su padre y un político de izquierdas que se acaba transformado literalmente en una persona diferente.

Autoría: Hernán Rivera Letelier. Adaptación teatral: Laura Pizarro, Dauno Totoro, Julián Marras, Montserrat Quezada y Zagal. Interpretación: Laura Pizarro, Sofía Zagal, Fernando Oviedo, Christian Aguilera y Daniel Gallo.

Los lenguajes más diversos se combinan en esta adaptación a la escena de la novela homónima de Hernán Rivera Letelier, una propuesta diferente de todo lo que estamos acostumbrados a ver. Los actores y actrices se mueven entre dos pantallas transparentes sobre las que se proyectan imágenes, de modo que el cine, el teatro y una música compuesta especialmente para el espectáculo se convierten en los instrumentos que utiliza la compañía para contarnos una historia.

Autor: Arthur Miller. Traducción: Eduardo Mendoza. Director: Andrés Lima. Con: Lluís Homar, Borja Espinosa, Nora Navas, Nausicaa Bonnín, Albert Prat, Carles Martínez, Míriam Alemany, Carme Sansa, Miquel Gelabert, Anna Moliner, Marta Closas, Joana Vilapuig, Núria González y Yolanda Sey.

El año pasado hizo un siglo del nacimiento de Arthur Miller, un dramaturgo cuya obra se caracteriza por una fuerte carga social y política, con un espíritu crítico que, en 'Las Brujas de Salem', alude a un episodio de histeria colectiva registrado en Salem (Massachusetts) el 1692. Una pequeña comunidad rural con unas normas religiosas y de conducta especialmente estrictas se ve sacudida por un rumor: una de las chicas del pueblo es víctima de un maleficio. La sospecha que hay brujas en la comunidad y los enfrentamientos entre colonos por la posesión de tierras acabarán provocando la cruel condena a muerte de cerca de veinticinco personas, la mayor parte de las cuales eran mujeres. Pero la atmósfera opresiva e irracional que se vive en el Salem de la obra fue creada como reflejo del ambiente que se vivía en el EEUU de los años cincuenta, durante un maccarthismo del cual el propio Miller fue víctima. De hecho, en 1957 fue acusado de desacato al Congreso por no haber querido revelar nombres de supuestos comunistas americanos, una sentencia que finalmente fue anulada.

Creación: Àlex Serrano, Pau Palacios y Ferran Dordal. Performance: Àlex Serrano, Pau Palacios y Alberto Barberá.

'Birdie' es la propuesta más nueva de la Agrupación Señor Serrano, una compañía barcelonesa con una notable proyección internacional que en 2015 ganó el León de Plata en la Bienal de Venecia. Los 'señores' Serrano crean espectáculos originales basados en historias que emergen del mundo contemporáneo, explotan la riqueza de recursos –tanto innovadores como vintage– para extender los límites de su teatro y utilizan, para ello, disciplinas que van de la performance al texto, el vídeo, el sonido y las maquetas.

Idea, dirección y dramaturgia: Roland Olbeter.

En los Viajes de Gulliver, la conocida obra que Jonathan Swift publicó en 1726, se contaba la historia fantástica de un viajero que descubría un montón de países extravagantes. Simbolizaban, de hecho, los males que afectan a la humanidad. En pleno siglo XXI, Roland Olbeter rescata la verdadera historia que esconde la obra de Swift: la búsqueda del sentido de la vida. Olbeter construye un gran teatro de personajes mecánicos donde Gulliver, el protagonista, se mueve en un mundo recreado mediante la música original de Elena Kats-Chernin, grabada previamente e interpretada por reconocidos cantantes de ópera e instrumentos electroacústicos robotizados. Esta fabulosa maquinaria servirá para contarnos la historia de Gulliver, un astrónomo a punto de morir.

Nueva producción de Adrien M y Claire B, compañía que el año pasado, con las piezas 'Hakanaï' y 'Cinématique', ya mostró al público barcelonés las muchas posibilidades que ofrecen en el mundo de la escena las tecnologías digitales. Si ya entonces hacían pequeñas incursiones en el mundo del circo, ahora vuelven convirtiendo a los bailarines protagonistas en acróbatas capaces de volar y atravesar así un paisaje onírico recreado electrónicamente y casi convertido en un personaje más.

Concepción, escenografía y dirección: Aurélien Bory. Coreografía e interpretación: Stéphanie Fuster.

En el año 2013 Aurélien Bory trajo al Grec 'Plexus', el retrato hecho danza de la bailarina japonesa Kaori Ito. Aquel espectáculo, sin embargo, tenía un antecedente, un primer retrato coreográfico que ahora llega al festival. Es el de Stéphanie Fuster, una joven francesa que, de manera sorprendente, decidió lanzarse a un abismo desconocido y trasladarse al sur de España para estudiar flamenco durante ocho años con el bailaor Israel Galván, y convertirse, así, en bailaora. De ahí el título del espectáculo, que se interroga sobre un cambio radical, que tanto puede resultar fascinante como aterrador. El montaje nació cuando Fuster regresó a Francia y pidió a Bory que creara un espectáculo para ella. Consagrado a la investigación del espacio en sus montajes escénicos y ajeno al mundo del flamenco, Bory se negó, pero la idea lo fue seduciendo hasta que se dio cuenta de que quería crear un retrato de la bailarina, no tanto explicando su vida como el contraste entre su mundo interior, dedicado a la práctica solitaria y repetitiva de la técnica del flamenco, y un mundo exterior en el que se enfrenta a todo tipo de obstáculos. En las tres partes de que consta el espectáculo, esos obstáculos toman la forma de un vestido aparatoso que la intérprete arrastra, un espacio limitado que la encajona o el agua que dificulta pero aporta una nueva dimensión.

Dirección: Enrico Casagrande y Daniela Nicolò. Dramaturgia: Daniela Nicolò y Silvia Calderoni. Interpretación: Silvia Calderoni.

Silvia Calderoni, la única intérprete de este montaje, trabaja con Motus desde 2005, con la que ya pasó por el Grec en las ediciones de 2009 y 2012. Los que vieron en acción esta innovadora compañía ya saben de sus códigos escénicos, nacidos de la hibridación y la mezcla de lenguajes diversos. Esta vez utilizan textos de la literatura de género, ensayos y novelas de temática queer (de Judith Butler a Paul B. Preciado), música y abundantes recursos audiovisuales, en una ficción donde las barreras entre el material autobiográfico de la protagonista y la ficción escénica desvanecen. Es una invitación a reflexionar sobre cómo tendemos a marginar a todos aquellos que no encajan en las categorías estándar que hemos creado. El espectáculo habla de género, pero propone reflexiones que se aplican igualmente a otros aspectos de nuestra vida.

Autoría: Albert Balasch. Dirección: Albert Arribas. Interpretación: Mònica Almirall, Jordi Collet, Oriol Genís, Antònia Jaume, Marta Ossó y Albert Prat. Con la participación especial de Octavi Rofes y Anna Maria Iglesia.

¿El suicidio artístico de un poeta de sólo cuarenta y cinco años? ¿Una forma radical de reivindicarse al margen de las dinámicas promocionales? ¿Una muestra de compromiso radical con la escritura? Estos son algunos de los interrogantes planteados por el 'Cuaderno del fraude', fruto de más de cinco años de trabajo en los que Albert Balasch se ha dedicado a reescribir y reordenar toda su obra publicada. Este 'F.R.A.U.' de siete horas no es otra cosa que la traducción escénica del 'Cuaderno del fraude' desde perspectivas que parten del happening hasta la tragedia en verso pasando por la creación visual o la rapsodia posdramática. Un espectáculo multidisciplinar con el que el director Albert Arribas se acerca a las contradicciones creativas del poeta reescribiendo y reordenando a la vez algunos de sus propios montajes anteriores –en especial 'Sala de miralls', un espectáculo sobre Feliu Formosa en forma de falso homenaje que se pudo ver en el TNC el año 2014.

Autor texto: Jordi Oriol. Director: Xavier Albertí. Intérpretes: Jordi Oriol y Carles Pedragosa.  

'L'Empestat' es una perversión de 'La Tormenta' de Shakespeare, basada en la figura de Calibán, pero también en la de Ariel. Una personal reescritura, como ya lo fue 'La Caiguda d'Amlet' versionando 'Hamlet', estrenada en el Temporada Alta de 2007. Con este espectáculo Jordi Oriol recupera a Shakespeare para hacer una revisión, poniéndose de nuevo bajo las manos de Xavier Albertí, y esta vez acompañado del actor y músico Carles Pedragosa, que a su vez interpreta en directo la Sonata nº 17 justamente titulada 'La Tormenta'. Así como –aparte de Shakespeare– uno de los referentes de 'La Caiguda d'Amlet' fue 'La caiguda' de Albert Camus, en 'L'Empestat' también se pretende referirse a 'La Peste' del mismo autor. De esta manera, Shakespeare, Camus, Oriol, Albertí, cierran el círculo con este nuevo espectáculo de Indi Gest, de nuevo concebido como un trabajo acústico, donde el texto y la música juegan un mismo papel, para empastarnos de su gusto rítmico, poético, gramático, dramático...