Cosas para hacer en Barcelona en mayo

¿De qué va? Suzanne Valadon fue pintora, dibujante y grabadora en el Montmartre bohemio de inicios del siglo XX. Ahora, el MNAC ofrece un viaje por su trayectoria artística trepidante que se plasma entre líneas sinuosas, una huella cromática intensísima y unas pinturas llenas de objetos y figuras.

¿Por qué hay que ir? La muestra te acompaña poco a poco por la transición de musa a artista y te permite conocer su mirada singular a los temas de moda. Los retratos a las prostitutas de París o los nudos femeninos demuestran que retrató cuidadosamente un mundo que conocía de cerca y que no quería tratar ni con distancia ni con condescendencia. Además, hay un espacio dedicado a la relación de seis meses que Valadon tuvo con el compositor Erik Satie, después de que ella rompiera con Miquel Utrillo, y de la que han quedado un retrato que ella hizo de él y un dibujo que él hizo de la pintora, con un trazo infantil, sobre una partitura.

¿De qué va? Jordi Colomer es un artista barcelonés reconocido por su trabajo en el mundo de la escenografía, fotografía y videoinstalación. Sus obras nos invitan a pensar, a través del humor y el imaginario popular, conceptos como la periferia, el nomadismo, la comunidad, la provisionalidad, la ficción y la utopía. Ahora el MACBA le dedica una exposición con un ambiente "profundamente nómada".

¿Por qué hay que ir? El comisario Martí Peran ha desplegado 50 piezas (esculturas, collages, instalaciones, fotografías, vídeos y acciones en vivo que el artista ha ido creando desde los años 80) en un recorrido sin una entrada y salida definida, que ofrece distintas rutas. Según Colomer, "todo lo que no se puede decir de una manera literal o directa debes decirlo a través del humor, y entonces el humor puede ser más trágico que la tragedia", y las obras expuestas en el MACBA hablan desde este sitio, solapando geografías, relatos, objetos y personajes para crear cuadros teatrales donde "se supera la distinción entre el juego y la vida corriente".

¿De qué va? Una casa unifamiliar de propiedad, rodeada de césped, con piscina en el jardín trasero y un par de coches durmiendo en el garaje. Seguramente esta es la idea que os viene a la cabeza cuando sentís la expresión “sueño americano”.

¿Por qué hay que ir? El CCCB dedica una muestra a los retos de la ciudad tomando de excusa este modelo urbanístico suburbial, que tuvo como razón de ser la segregación social, étnica o de género, y analizando sus contradicciones.

¿De qué va? El acceso a la planta -2 de la Fundació Tàpies se ha levantado cubierto de un hilo rojo que teje una inmensa telaraña. Las escaleras que nos conducen a las salas de exposición parecen ahora una cueva hacia el infierno, pero en realidad solo nos dan la bienvenida a las creaciones de Chiharu Shiota, una artista japonesa que presenta esta muestra sorprendente y llena de simbolismos.

¿Por qué hay que ir? Porque la obra de Chiharu Shiota nos habla de la fragilidad de la vida, de la memoria y del vínculo con la tierra a través de estas telarañas de color carmín que, en su interior, atrapan objetos cotidianos como zapatos o llaves.

¿De qué va? Maquinal es el proyecto artístico de Sofía Montenegro que inaugurará el Barcelona Producció 2023-2024, el programa de creación emergente del Centre d'Art La Capella.

¿Por qué hay que ir? La exposición se produce en tiempo real y juega con la percepción del espectador. Sofía ha decidido jugar con las luces, las sombras y la iluminación para destapar detalles que contiene la Capella y que hacen que sea un edificio con vida propia.

¿De qué va? Obras de arte nos permiten conocer qué retrato se hizo de los judíos y los conversos, por parte de los cristianos, en la España de entre 1285 y 1492.

¿Por qué hay que ir? La muestra no nos confirma que, si bien la diferencia existe, la alteridad se construye, explicando como las imágenes sirvieron para dar a conocer los ritos y modelos artísticos de las comunidades cristianas y judías, pero también fueron herramientas estigmatizantes y de afirmación identitaria, que reflejaban las angustias de los cristianos y sus prejuicios. 

¿De qué va? Esta muestra de CaixaForum es un recorrido por los 5.000 años de pensamiento espiritual, pero fijándonos en el poder femenino y su materialización en esculturas, objetos sagrados y obras de arte de diversos continentes, desde el mundo antiguo hasta la actualidad.

¿Por qué hay que ir? En total, la exposición acoge 154 piezas del British Museum, que entran en diálogo con obras contemporáneas para hacernos reflexionar sobre el poder femenino y la feminidad, y su relación histórica con ideales como la sabiduría, la pasión, el deseo, la guerra, la justicia o la misericordia.

¿De qué va?  Una investigación sobre la vida y obra de Carles Santos realizada por Ona Balló y Elena Lasala en colaboración con la Filmoteca de Catalunya y el Museu de la Música de Barcelona. La muestra, que puede verse del 14 de marzo al 21 de julio en el Centre de les Arts Lliures de la Fundación Joan Brossa, ofrece una visión completa de la figura del artista y la traslada al momento actual.

¿Por qué hay que ir? La idea de la exposición nace de la estrecha relación que mantuvieron Joan Brossa y Santos durante su juventud y de cómo este vínculo influyó positivamente en la trayectoria artística de ambos. 'Carles Santos. I ara, qué?' es una duda que se lanza al vacío después de que Brossa le preguntara a Santos qué quería hacer además de ser pianista: esta cuestión marcó las obras del artista de Vinaròs, que pasó del academicismo ortodoxo a una experimentación vanguardista.

¿De qué va? Esta gran instalación comprende cuatro décadas de trabajo con 'fotocollage' del artista Pep Duran Esteva. Todas las obras que podemos ver en la exposición son inéditas y están hechas de antiguos decorados de papel que el creador ha ido interviniendo a lo largo de los años.

¿Por qué hay que ir? Porque el artista, que viene del mundo de la escenografía, transforma el museo en un escenario en el que el público puede encontrar pequeñas intervenciones, a lo largo del recorrido de la muestra, que actúan como escenas, diálogos o monólogos abiertos.

¿De qué va?  Con este nombre, que hace referencia a la admiración por las civilizaciones que vivieron y crearon antes que nosotros, se ha bautizado la exposición de cerámicas de Miquel Barceló en La Pedrera.

¿Por qué hay que ir? La muestra comprende tres décadas de trabajo, desde las primeras obras africanas, de 1994, hasta su producción más reciente, y es una oda en la naturaleza y en la cerámica. 

La reconocida novela gráfica homónima de Paco Roca llega al cine para conmover a los espectadores y poner un espejo delante. Porque, de alguna manera, todos podemos sentirnos reflejados en esta historia familiar de luto y memoria emocional, de reproches y abrazos de siete segundos. Tres hermanos se reúnen con sus parejas e hijos en la casa de veraneo tras la muerte de su padre, con la idea de venderse ese espacio que despierta tantos recuerdos. Desde la sencillez del planteamiento, y con el cuidado de una adaptación que nunca cae en el sentimentalismo, 'La casa' se convierte en un relato de enorme poder catártico, donde brillan todos los actores de tan coral propuesta: David Verdaguer, Óscar de la Fuente, Olivia Molina, Marta Belenguer, Lorena López, María Romanillos, Jordi Aguilar, Tosca Montoya, Luis Callejo y Miguel Rellán.

Dir. Álex Montoya (España, 2024). 83 min. Estreno: 1 de mayo.

El rojo de la sangre, de un traje o de un pintalabios marca la pauta visual de una historia de venganza, de culpas colectivas, de abusos sexuales y reflexiones sobre el consentimiento, de identidades partidas por la mitad. Y de sangre. Andrea Jaurrieta ('Ana de día') dibuja un entorno opresivo, un pueblo de Euskadi, y sigue el regreso a casa de una mujer con un trauma por enfrentar. Almodovariana en la estética, seca como un western desértico, estructurada en una doble línea temporal que nos ayuda a comprender las intenciones de su protagonista, 'Nina' se pone en manos de una de las mejores actrices del país, Patricia López Arnaiz. Y la voz de su directora huye de los clichés y abre nuevas perspectivas, sin dejar de abrazar la iconografía de algunos clásicos como 'Duelo al sol' y 'Johnny Guitar'. El rojo de la sangre y, aunque escondido, el verde de la esperanza a la hora de hacer las paces y cerrar heridas abiertas.

Dir. Andrea Jaurrieta (España, 2024). 105 min. Estreno: 10 de mayo.

La saga empezó, sin conciencia de la puerta que abría, en 1968: 'El planeta de los simios' (Franklyn J. Schaffner) es una obra maestra de la ciencia ficción, y tiene uno de los mejores finales de la historia del cine, con un Charlton Heston maldiciendo un descubrimiento fatal a orillas del mar. El éxito de la película provocó cuatro continuaciones a inicios de los años 70. Muchos años más tarde, y con aquel fallido reboot de Tim Burton de por medio, la franquicia se reinició con 'El origen del planeta de los simios' (2011) y otros dos filmes. Ahora Hollywood sigue estirando el chicle, abriendo un nuevo arco narrativo en el que los monos dominan el planeta, con un nuevo y tiránico líder que hace palidecer a aquel César “interpretado” por Andy Serkis, y los humanos siguen viviendo en la clandestinidad. Y un joven simio cuestionará todas aquellas verdades absolutas que les han obligado a creerse. Puro espectáculo sin coartadas por amantes del cine fantástico.

Dir. Wes Ball (EE.UU., 2024). 145 min. Estreno: 10 de mayo.

Tras su estimulante debut con 'Falling' (2020), Viggo Mortensen vuelve a ponerse detrás de la cámara para firmar un western romántico y trágico, y con alma feminista. Una aproximación al género singular, con una orgánica sucesión de flashbacks y flashforwards, pero también llena de respeto, con muchas de sus constantes. Vicky Krieps ('El hilo invisible') es la protagonista, y en su fortaleza se edifica una historia de amor, ausencias, abusos, pesadillas, revancha y esperanza. A Viggo Mortensen no le basta con la dirección de la película, y se multiplica en tareas de actor, de compositor de la banda sonora y es el autor del guion. Un proyecto personal que respira aires de clásico.

Dir. Viggo Mortensen (EE.UU., 2023). 129 min. Estreno: 10 de mayo.

Después de años desaparecida en un paréntesis que ella misma celebra, Meg Ryan vuelve con una película que tiene elementos de comedia y mucho amor, pero que no acabaría de encajar en las rom-com, que la tienen como reina absoluta. En 'Lo que sucede después' se pasan cuentas, se responden preguntas incómodas, se baila y se bromea de la edad y de los dolores del cuerpo. Ya lo dice el dicho: a partir de los 50, si no te duele nada, es que estás muerto. Los dos protagonistas, que están atrapados una noche de tormenta en un aeropuerto listos para realizar un cambio de avión que nunca despegará, se han encontrado por casualidad, después de más de dos décadas sin verse. Fue entonces cuando rompieron su relación, y la vida les brinda una oportunidad para cerrar viejas heridas. Ryan se muestra en plena forma, dirigiendo y entrando en combustión con David Duchovny, así que funciona la química. Y con valentía y toques de realismo mágico, la película rompe algunas expectativas que le alejan de 'Cuando Harry encontró a Sally' o 'Algo para recordar'.

Dir. Meg Ryan (EE.UU., 2023). 105 min. Estreno: 17 de mayo.

Su impacto duró lo mismo que un caramelo en la puerta de una escuela, pero, durante un rato, Locomía fue un fenómeno bestial devorado por la inconsciencia de sus miembros y, sobre todo, de su líder, Xavi Font. Los zapatos puntiagudos, los vestidos coloristas, las hombreras infinitas y los abanicos gigantescos que movían al ritmo de canciones imposibles que ellos ni siquiera cantaban, porque no sabían, construyeron la imagen de una época: después de una década de libertades post dictadura, Ibiza se convirtió en el Shangri-La del hedonismo. Y los componentes de Locomía se lanzaron de cabeza: sexo libre, drogas, fiestas pasadas de tuerca... prefirieron vivir sin normas que aprovechar las fisuras de una industria musical que se puso a sus pies. Jaime Lorente, Blanca Suárez y Alberto Ammann protagonizan la crónica de un auge, y su correspondiente caída libre, en un retrato de la peripecia de la banda que el cineasta Kike Maíllo ('Eva', 'Toro') realiza con simpatía, sin juzgarla, por ofrecer también una mirada a ese momento de efervescencia creativa.

Dir. Kike Maíllo (España, 2024). 104 min. Estreno: 17 de mayo.

La mirada humanista del cineasta y médico Thomas Lilti encontró magníficos altavoces en películas como 'Hipócrates' (2014), 'Un doctor en la campiña' (2016) y 'Mentes brillantes' (2018). Todas ellas ubicadas en un mundo que conoce bien, el de los hospitales y la medicina. Ahora cambia de entorno para seguir hablando de sectores fundamentales, y que deberían ser intocables en nuestra sociedad. 'Los buenos profesores' habla de aquellas personas entregadas a la enseñanza, a la educación, siguiendo la peripecia de un joven maestro en un entorno caracterizado por la falta de recursos y los recortes presupuestarios. Lilti cuenta con dos de sus actores habituales, Vincent Lacoste y François Cluzet, y sigue sabiendo equilibrar humor y reflexión social con una de esas películas que tan bien hacen los franceses.

Dir. Thomas Lilti (Francia, 2023). 101 min. Estreno: 17 de mayo.

Cuando George Miller resucitó aquella vieja trilogía protagonizada por Mel Gibson con una nueva versión de Mad Max en la que Tom Hardy recuperaba al personaje icónico, la otra protagonista del filme acaparó casi toda la atención de los espectadores: la Imperator Furiosa interpretada por Charlize Theron era una guerrera en un desértico mundo post apocalíptico dominado por la violencia y la muerte. Ahora, Miller vuelve a la distopía ya la heroína de acción cuya precuela abunda en los orígenes de Furiosa, ahora interpretada por Anya Taylor-Joy ('Gambito de dama'). Acción desenfrenada, amor por el género fantástico y un villano al que da vida un Chris Hemsworth que se lo pasa en grande olvidándose de Thor y entregándose al Mal.

Dir. George Miller (Australia, 2024). Estreno: 24 de mayo.

Esta no es una película sobre Los Planetas, nos dicen. Sin embargo, un poco, sí. La cosa es que 'Segundo premio', título de la película y de una de las canciones más importantes de la banda, nos conduce a la Granada efervescente de los años 90, y en el momento en que el grupo trabaja en el disco 'Una semana en el motor de un autobús': creación y deserciones, adicciones y drogas, ambiciones y amistades traicionadas, autodestrucciones y heridas por cerrar, y música que pasó a la historia... Con la colaboración indispensable de su codirector Pol Rodríguez, la mirada del grandísimo Isaki Lacuesta es tan revolucionaria como lo fueron muchas de las canciones de Los Planetas. Sensorial, emocional, lírica, simbólica, a ratos lisérgica, respetuosa, pero nunca rendida a la leyenda, esta no es una película sobre Los Planetas, nos dicen. Más bien lo es sobre el imaginario colectivo de la banda y sobre las luces y sombras de toda una generación.

Dir. Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez (España, 2024). 109 min. Estreno: 24 de mayo.

A medio camino entre 'El exorcista' (1973) y 'Network' (1977), esta película, bendecida por Stephen King y ganadora del premio a Mejor Guion en Sitges, es un festival para los amantes del cine de terror. Pero es también una feroz sátira de los espectáculos televisivos que buscan audiencia a cualquier precio. Situada a finales de los años 70, nos lleva de la mano hasta el plató televisivo donde se emite en directo un 'late night' en horas bajas, que busca tomar aire con un especial de Halloween. Entrevistar a una chica poseída por el Diablo, una de esas ideas que habrían puesto cachondos a Pepe Navarro y Xavier Sardà, convertirá el programa en el eje del Mal. Los hermanos Cameron y Colin Cairnes ofrecen, pues, una de esas experiencias que pasan a la historia del género.

Dir. Cameron y Colin Cairnes (Australia, 2024). 93 min. Estreno: 24 de mayo.

De 'Entrevistes breus amb dones excepcionals' a 'Breu introducció al western'. De las historias de cinco mujeres estadounidenses en la vida de una familia masculina con tres generaciones de hombres. De la Sala Pequeña del TNC a la minúscula Sala Flyhard. Y un mismo autor, Joan Yago, que esta primavera está viviendo su despertar como autor dramático más allá de su compañía, La Calòrica, a través de dos textos gemelos que escribió hace unos años y que, por fin, han tocado escenario.

Entre una y otra, entre 'Entrevistes breus' y 'Breu introducció', no hay muchos puntos de conexión más allá del adjetivo. La pieza recién estrenada en la Flyhard tiene más que ver, tal vez, con 'Tot el que passarà a partir d'ara', el texto que llegó al Lliure en el 2023. Porque hay un duelo. Aquí, un duelo que ya ha llegado, ya que hace dos años que murió la madre. Allí, un duelo que está viniendo, porque la pieza  hablaba de un chico que vive los últimos días de su padre.

El pretexto de la obra roza casi la ridiculez: cuatro amigos se encuentran para hacer cambiar de opinión a uno de ellos, que lleva meses convencido de que la Tierra es plana. Pero el resultado final es magnífico. Porque la obra va dando vueltas, se salta semáforos en rojo y efectúa saltos al vacío brillantes. La pieza que han escrito Marc Angelet y Jordi Casanovas es de una exitosa orfebrería dramática y los intérpretes que la hacen posible nos lo hacen creer todo, incluso, sí, que la Tierra tiene la forma de una pizza.

En 'Conspiranoia' no hay ningún gesto superfluo. ¿Por qué Roger (Eduard Farelo), la pareja de la terraplanista (Clara, Àurea Márquez), coloca las sillas como si se tratara de imitar un tribunal? ¿Por qué ella aparece en escena con un traje como ir a pescar al río? ¿Por qué Álex (David Vert) viste una camisa de leopardo? ¿Por qué Sonia (Mia Esteve) es tan visceral en su primera intervención ante Clara? Todo acaba teniendo una respuesta y nunca es la que podemos imaginar de entrada.

'Acorar' es una palabra mallorquina que significa meter algo dentro de corazón y, también, aniquilar. 'Acorador' es el cuchillo que se utiliza para degollar a los cerdos o a otra bestia. Un título bastante indicativo, una vez explicado su significado para nosotros, de un excelente espectáculo escrito e interpretado por Toni Gomila y dirigido por Rafel Duran que ahora regresa al teatro del Espai Texas.

La obra es una reflexión contemporánea sobre la identidad de los pueblos que pierden las raíces invadidos por un proceso de modernización, de cambios sociales y de costumbres que remeten al olvido tantas y tantas cosas. El envoltorio, la excusa dramática de la que emergen estas reflexiones, es la cuidada descripción de la ancestral matanza del cerdo, un ritual que el autor conoce perfectamente y, por lo tanto, lo que explica son retales de la memoria, imágenes de su propia historia. Pero no estamos delante de un ejercicio de nostalgia, ni tan siquiera delante de la reivindicación de un pasado que podía tener cosas buenas, pero que, como se dice claramente durante la función, estaba inmerso en una sociedad cerrada y pobre donde acceder a un médico era poco más que una quimera.

Es curioso, el teatro. Puedes tener un texto contrastado por 25 siglos de tradición, dos de los mejores intérpretes del país, unas posibilidades despampanantes, y lograrlo solo a medias. Porque la 'Ifigènia' de Alícia Gorina en el Teatre Lliure es eso, un montaje que promete, que exclama belleza, que solicita una mirada atenta, pero que termina en un hacha que todos saben dónde está y quieren desenterrar, actores y actrices subiendo y bajando escaleras y un coro que canta los pies de página.

El dramaturgo Albert Arribas ha fusionado las dos partes de la historia escrita por Eurípides en el siglo V a.C. 'Ifigenia en el Áulide' e 'Ifigenia entre los tauros', en una propuesta coherente, sintética, que se pone en marcha con el anuncio del sacrificio de la hija de Agamenón y Clitemnestra para que los barcos griegos puedan atacar a Troya para rescatar a Helena y termina con el reencuentro de Ifigenia con su hermano Orestes en territorio de los bárbaros, con el objetivo de regresar a Grecia. Nada que decir. El problema ocurre en medio, incluso antes, cuando el espectáculo comienza y tenemos un coro de cinco chicas que nos va ofreciendo información que no necesitamos, un cursillo acelerado de mitología griega.

Ferdinand Bruckner, a finales de los años 20 del siglo XX, ya sabía lo que le venía encima: el desencanto, la barbarie nazi. Primero escribió 'El mal de la juventud' y, poco después, 'Los criminales', una pieza muy moderna para su tiempo y que hoy nos llega con unas posibilidades técnicas que él ya debió imaginar. El primer acto, cuando nos mete en una escalera de vecinos, como Georges Perec en 'La vida, instrucciones de uso', es excepcional. Y cuando despliega todas las fechorías que se cometen, de piso en piso, de hogar en hogar, nos hipnotiza.

Levantar 'Els criminals' requiere un prodigio, un gran teatro. Y el montaje que ha ideado Jordi Prat i Coll en el TNC es estéticamente imbatible, con, de entrada, el perfil de un edificio con diferentes viviendas donde los intérpretes desarrollan todas las microtramas de este rompecabezas. Necesita, sin embargo, cierta proximidad, cierta amplificación, un zoom cinematográfico, para que el espectador no se pierda. Algo que la función no tiene.

“¿Qué es la vida?”, le pregunta Fujiko a Tetsuo. Llevan seis años en una residencia para personas mayores y ella tiene Alzheimer. Se acaba de despertar y no ha reconocido a su marido como tal. Dice que todavía no se han casado, que es su prometido y pide a la dirección del centro que pongan un biombo entre las dos camas, por pudor. Él intenta seguirle la corriente, no desquiciarla ni contradecirla. Por eso, cuando le lanza la pregunta, él le pide que la conteste ella. "La vida es el amor", le dice Fujiko.

Blai Bonet, en sus dietarios, dejó anotada una frase determinante: “En la tarde de la vida, seremos juzgados sobre el amor”. Y 'Lluna plena', la novela de Aki Shimazaki que Àlex Rigola ha adaptado al teatro, habla de ello. Porque Fujiko (Lluïsa Castell) y Tetsuo (Andreu Benito) han pasado toda la vida juntos, desde que les arreglaron la boda. Tuvieron dos hijos, sufrieron el trance de perder a una hija. Pero, ¿se han amado?

El de Mick Harvey es uno de los conciertos que han tenido que reubicarse mientras no terminan las obras de Sidecar y en este caso se ha emplazado en la Sala Upload. Reconocido internacionalmente por su trabajo con Nick Cave como miembro de Birthday Party y de los Bad Seeds, y por sus colaboraciones con PJ Harvey, el músico australiano se encuentra a punto de publicar el noveno álbum en solitario, el primero en más de 10 años. Se titula 'Five ways to say goodbye' y sale el 10 de mayo con el sello Mute.

El cantante, compositor, productor y multiinstrumentista visita Barcelona con Amanda Acevedo, la artista multidisciplinar mexicana con la que grabó 'Phantasmagoria in blue' en 2023, que le acompaña en toda la gira que hace por el Reino Unido y por Europa entre mayo y junio.

Pocas cosas hay tan dinámicas y divertidas en directo como el boogie rock de los Diamond Dogs, grupo sueco con nombre de disco de David Bowie que ya lleva a sus espaldas más de 30 años de carrera sin que esto haya erosionado sus ganas y la su capacidad liarla gorda en directo. Si sois fans del glam, del rock'n'roll clásico, de los New York Dolls, de Rod Stewart y de T. Rex, no os perdáis a la banda Sulo Karlsson y The Duke of Honk (vocalista de voz áspera, escuela Jagger/ Stewart y teclista tan vibrante como alopécico que se pasa las actuaciones con el teclado bailando en las rodillas, respectivamente).

Gorka Urbizu ha estado durante más de 25 años al frente de Berri Txarrak, uno de los grupos más importantes de la historia del rock cantado en euskera. Ahora, sin cambiar de lengua, el músico navarro se muestra desnudo y vulnerable en su debut en solitario, el magnético 'Hasiera bat' ('Un comienzo'). El disco, que desnuda las canciones de todo artificio y las muestra en toda su pureza, ha sido grabado en el Teatro de Cal Eril, producido por Jordi Matas y coproducido por Joan Pons (El Petit de Cal Eril), que también ha asistido a Matas en la grabación y las mezclas.

Quizá sea porque están cansados ​​de las etiquetas de 'boy band' y de grupo surgido de la factoría Disney, pero parece que los Jonas Brothers han decidido reivindicarse como músicos con un nuevo disco, 'The album' (2023), y una ambiciosa nueva gira que promete incluir cinco discos cada noche. Lo hicieron al inicio de gira en el estadio de los Yankees de Nueva York, pero no dejan claro si este repertorio de casi cincuenta canciones se repetirá en cada concierto y si será el que nos encontraremos en el Palau Sant Jordi el sábado 25 de mayo de 2024. 

J Balvin actuará el 28 de mayo en el Palau Olímpic de Badalona con el tour 'Que bueno volver a verte'. La última vez que el cantante de música urbana visitó la ciudad fue en el Primavera Sound del 2019. La gira del artista llega después de haber actuado en diferentes festivales de verano, donde encabezó varias actuaciones con entradas agotadas en París, Suiza, Singapur, Australia y otros muchos países. Esta gira llevará al cantante a los escenarios de 20 ciudades europeas.

En realidad no existen. ¿O sí? Stella Maris es el grupo de pop cristiano surgido de la ficción de los Javis 'La Mesías' (Movistar+) que a raíz del éxito de la serie se ha ido popularizando hasta el punto de convertirse en un proyecto real, que da conciertos reales como el de la jornada inaugural gratuita del Primavera Sound 2024, el miércoles 29 de mayo en el Parc del Fòrum, junto con Phoenix, Tropical Fuck Storm, Ratboys y Maria Jaume.

Lana del Rey, SZA, Pulp, Vampire Weeekend, Mitski, Charli XCX, Justice y PJ Harvey encabezan la 22ª edición del Primavera Sound en el Parc del Fòrum del 30 de mayo al 1 de junio de 2024. En la letra mediana y pequeña encontramos nombres como Arca, Amyl and the Sniffers, BadBadNotGood, Guillem Gisbert, FKA Twigs, Beth Gibbons, Deftones, Bikini Kill, Lambchop, Mitski, The National, Phoenix, Rels B, Róisín Marie Murphy, Stella Maris, Yo La Tengo y, claro, Shellac, entre muchos otros.

Un centenar de actuaciones conformarán el programa del Barnasants 2024, que se inicia el 26 de enero en el Teatre Joventut de L'Hospitalet y que se alargará hasta finales de mayo. Les Kol·lontai serán las encargadas de dar el pistoletazo de salida a esta nueva edición, que conmemora el 50 aniversario de la Revolución de los Claveles con un concierto colectivo el 13 de abril dirigido por Núria Piferrer 'Névoa' y también con un cartel conmemorativo de Julia Solans.

Ladilla Rusa, que acaban de publicar la hilarante 'Madre mía el asco que me das', inauguran el 24 de febrero la 12ª edición del Curtcircuit, el ciclo de conciertos de la ASACC que reivindica la música en directo en la proximidad de las salas de conciertos. De momento, hay 32 artistas confirmados que realizarán una cuarentena larga de conciertos en 30 salas de Cataluña, Menorca, Valencia y País Vasco, durante la primavera y el otoño de 2024.