Exposiciones imprescindibles ahora mismo en Madrid: de los grandes maestros al arte más actual

Como la nebulosa OH 231.84 +4.22 o nebulosa de la calabaza, los irunmolé, espíritus de la religión yoruba, también habitan en el cielo. En esta intersección entre ciencia y tecnología y espiritualidad y decolonización se mueve la propuesta que la artista francesa Tabita Rezaire presenta en el Museo Thyssen de la mano de la fundación TBA21. En la muestra, la artista crea un espacio seguro donde conectar con una ancestralidad que nos guía hacia una conexión con la naturaleza mediante tres grandes piezas que ha producido este año.

'Omu Elu' es la primera obra que encontramos al entrar a la sala, a modo de introducción, y está dedicada a Yemoja, la madre orisha en la religión yoruba. Rezaire utiliza el índigo para teñir seis textiles con diferentes tonos de azul, que representan las diferentes facetas divinas de Yemoja.

Dice la artista que lleva toda la vida pintando el mismo cuadro. Varían, quizá, los materiales, los formatos o la gama cromática, pero, en esencia, es siempre el mismo cuadro. Y esta exposición se propone demostrar esta afirmación de Sevilla.

La muestra no tiene un itinerario marcado, porque donde arranca también termina. Una propuesta circular que, a lo largo de diez salas, refuerza esa idea de que Soledad Sevilla persigue un mismo cuadro desde que comenzó a pintar. Tras dejar atrás una bella pero inadvertida instalación entre los edificios Sabatini y Nouvel, la muestra parte de sus primeras obras geométricas de finales de los 60, donde podemos ver algunas piezas procedentes del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense, donde ya se atisban ritmos, tramas y variables, los pilares sobre los que se sustenta la producción artística de Sevilla. En las últimas salas -o las primeras, según se recorra la exposición- encontramos las piezas más recientes de la artista, en las que homenajea a su gran referente, el artista Eusebio Sempere. En estas obras el ritmo sigue presente, al igual que las variables y las tramas, que se hacen sutiles, aunque demuestran fuerza y consistencia.

Tras abandonar París en 1941, debido a la invasión nazi, Peggy Guggenheim abrió una novedosa galería en Nueva York, The Art of This Century Gallery. Además de ser mecenas, Peggy sentía interés por otros temas artísticos como, por ejemplo, el lugar que ocupaban las mujeres artistas en la abstracción o el surrealismo. Pensó que sería interesante reunir a las creadoras más relevantes del momento; una exposición con piezas solo de mujeres. Así surgió 'Exhibition by 31 women', una muestra en la que participaron artistas como Leonora Carrington, Meret Oppenheim o Dorothea Tanning.

En '31 mujeres. Una exposición de Peggy Guggenheim' se rinde homenaje a esta iniciativa desde los fondos de la colección privada 'The 31 Women Collection', que reúne obras de todas las artistas participantes en la muestra organizada por Guggenheim. La muestra acerca la producción de las artistas y proporciona información sobre la influencia que ejercieron en los movimientos a los que pertenecían y en generaciones posteriores.

A lo largo de su carrera, Santiago Sierra ha fotografiado a muchas personas de espaldas. Un ‘retrato inverso’ que anula la identidad de los retratados, un recurso que el artista utiliza para incitar a reflexionar sobre temas como la guerra, colonialismo, racismo o la explotación. Aunque no está planteada como una retrospectiva, lo cierto es que la muestra recorre treinta años de la trayectoria del artista a través de obras consideradas referentes y piezas de nueva producción, todas bajo la premisa de la negación del gesto de los retratados.

Situado entre el minimalismo y el arte de acción, Sierra siempre ha estado interesado en problemáticas sociales y en analizar las estructuras capitalistas que se reflejan en los espacios artísticos. Así, podemos ver trabajos como ‘Línea de 250 cm tatuada sobre 6 personas remuneradas’ (1999), junto ‘Veterano de la guerra de Ucrania cara a la pared’ (2017) o ‘The Maelström’ (2023), en las que el artista incomoda al público con el objetivo de enfrentarle a una cruenta realidad.

Joan Miró, María Blanchard, Eduardo Chillida o Cristina Iglesias son algunos de los nombres que podemos encontrar en esta propuesta de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson que, además de poner en valor las colecciones de la familia Masaveu, subraya la importancia del coleccionismo para el arte español. La exposición se articula mediante secciones que conducen a los visitantes a distintos momentos históricos y artísticos. La selección de cien obras, entre pinturas y esculturas, proporcionan una interesante perspectiva del arte contemporáneo español y de las líneas de interés de la familia Masaveu a la hora de coleccionar.

La muestra, comisariada por la profesora de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid María Dolores Jiménez-Blanco, se completa con un gabinete dedicado a la obra en papel en el que se mostrarán dibujos y fotografías que se renovarán periódicamente debido a motivos de conservación.

Rubens fue uno de los pintores más afamados y prolíficos de su época. Gran parte de su éxito se debió al buen funcionamiento de su estudio, en el que el pintor organizaba a sus asistentes y aprendices para producir obras de la forma más provechosa posible, sin perder de vista su estilo y visión de la pintura.

A menudo desconocidos para el gran público, los estudios de los pintores eran lugares clave para la creación y la educación. Esta exposición, compuesta por cerca de veinte cuadros, dibujos y grabados, muestra las diferentes formas de colaboración que se daban entre el pintor y sus ayudantes en el taller. La propuesta incluye una escenificación del taller del artista con caballetes, lienzos, pinturas, pinceles, brochas, paletas, tientos y otros materiales y objetos (algunos del siglo XVII y otros recreaciones), junto a libros, bustos y otras piezas que evocan los intereses e inspiraciones de Rubens, así como su afán coleccionista.

Conocido, sobre todo, por su gran producción pictórica, Henry Matisse también se sirvió de otras disciplinas a lo largo de su carrera, como la escultura, dibujo, collage y grabado. En esta muestra, la Fundación Canal ha querido prestar atención a una de las facetas más desconocidas del artista francés: la escultórica. La muestra ha reunido treinta y tres esculturas junto a dibujos, litografías, un lienzo y fotografías y documentos de la época que ayudarán a entender su proceso creativo.

A través de esta propuesta conocemos a un Matisse interesado en el estudio de la figura humana a través de la escultura y sus posibilidades expresivas. Además, podemos observar cómo su representación del cuerpo humano evolucionó a nivel escultórico mediante la repetición -llegando a rozar lo obsesivo-, desde las formas más academicistas hasta una liberadora abstracción. Un inesperado recorrido por la producción del artista que nos acerca a su lado más personal e introspectivo.